ELENA MOSUC, soprano: 'Los directores escénicos se han convertido en los divos de la ópera'

ELENA MOSUC, soprano: 'LOS DIRECTORES ESCÉNICOS SE HAN CONVERTIDO EN LOS DIVOS DE LA ÓPERA'

Por Rubén Martínez
Elena Mosuc, soprano rumana nacida en Iasi, ha tardado en frecuentar los escenarios de nuestro pais. Su debut en ópera representada tuvo lugar en Bilbao durante las funciones de Rigoletto de octubre de 2013. El éxito que obtuvo interpretando a Gilda resultó absoluto, superando incluso al del propio Leo Nucci. Apenas unos meses después la Mosuc ha vuelto al coliseo bilbaino para encarnar a la Elvira de Puritani con otro no menos rotundo éxito de crítica y público. En esta extensa entrevista la soprano nos habla de sus años de estudio, de su concepción del canto y de su forma de entender la profesión de artista lírico además de darnos su visión sobre la situación actual del género. Durante todo este mes protagoniza junto a Juan Diego Flórez la ópera Lucia di Lammermoor en el Teatro del Liceo de Barcelona.

La Gilda que cantó en Bilbao el pasado mes de octubre supuso su debut en España con ópera escenificada. ¿Por qué no ha cantado ópera en España anteriormente?

Siempre he tenido un profundo deseo de cantar en España ya que conozco la gran tradición lírica que existe en este país. Hay cantantes magníficos además de un público muy entendido y apasionado. Quizás hasta ahora no se han dado las circunstancias para poder haber cantado aquí antes. No obstante estoy encantada con mis experiencias en este pais y espero poder seguir ofreciendo cosas interesantes al público español.

Ha cantado Gilda en numerosas ocasiones junto al Rigoletto de Leo Nucci, sobre todo en Zürich pero también en Milán o Tokyo. ¿Es especial compartir escenario con él ?

He tenido el privilegio de cantar con Leo Nucci desde el comienzo de mi carrera. La primera vez fué precisamente Rigoletto en Zürich y posteriormente Traviata. He compartido escenario con Leo muchas veces en la Arena de Verona, donde hicimos por supuesto Rigoletto, aparte de en Viena, Piacenza y Módena, para su función número 400 del rol, donde además hicimos « tris » de la « Vendetta » (risas). Para mí supuso una satisfacción especial el Rigoletto en la Scala de Milán y posteriormente ir de gira a Tokyo con todo el equipo del teatro. También compartí escenario con él en Milán con Luisa Miller, un rol aún más difícil para mí con el que conseguí conquistar al difícil público scaligero. Cantar a su lado es una experiencia única. Es lo que en la profesión se suele denominar « un animal de escena », un monstruo de la lírica. Se mete en el personaje de principio a fin y su canto es técnicamente muy elaborado y, algo que es más importante aún, realmente emocionante. Además es un colega estupendo, sin aires de divo, una leyenda viva que merece todo el respeto y admiración. Nos compenetramos tan bién sobre el escenario que nos basta una mirada o un gesto para entendernos a la perfección. Formamos muy buen equipo y el éxito está asegurado cuando estamos juntos.

El año pasado, antes de llegar a Bilbao, hizo dos conciertos en el Liceu de Barcelona en el que interpretó fragmentos de Verdi más líricos, como Trovatore o Boccanegra. ¿Se siente ya cómoda en este repertorio o cree que aún debe pasar algún tiempo ?

He comenzado a sentirme bién con Trovatore después de cantar en un par de ocasiones el « D’amor sull’ali rosee » en escena, con el Miserere y la cabaletta, la última ocasión el pasado 23 de abril en un concierto muy especial que he hecho en mi ciudad natal, Iasi, en Rumanía. El concierto se titulaba OperFado y compartía escenario con un gran amigo que es una estrella del fado en Portugal, Gonçalo Salgueiro. En fado es fantástico y también en musical, género que canta desde hace 15 años. Aprovechando nuestra gran amistad se me ocurrió la idea de fusionar en un concierto los tres géneros y el resultado ha sido un triunfo clamoroso con el público totalmente entusiasmado. Así que he hecho mi debut en fado al lado de Gonçalo que es un artista verdaderamente carismático, muy profundo, sensible, lleno de emoción y del que he aprendido muchísimo. El fado me ha enseñado cosas que despúes he podido aplicar a mis interpretaciones de personajes operísiticos consiguiendo que sean más refinadas y profundas. El fado es una música que te invita a pensar más, a ser más profundo, más filosófico en cierto sentido y a extraer las emociones. Para mí la Ópera es Fado y el Fado es Ópera : de ahí OperFado, un título que ha propuesto Gonçalo. Tuve un gran éxito con mis arias de ópera con coro y orquesta terminando con dos dúos maravillosos de « El fantasma de la ópera ». Despúes interpretamos el brindis de Traviata con el que Gonçalo pudo cantar también ópera y finalmente tuvimos que volver a bisar un dúo del musical. De las arias que interpreté en ese concierto la de Trovatore es mi preferida. Estoy totalmente enamorada de ese aria y tengo muchísimas ganas de cantar el rol completo. Desde diciembre, cuando la canté por primera vez, hasta ahora mi Leonora en este gran escena se ha vuelto sin duda más spinta y eso me gusta. Debo decir que Gonçalo es un apasionado de la lírica desde los cinco años, tiene un profundo conocimiento del género y en muchas ocasiones me ha dado ideas que he puesto en práctica, por ejemplo el haber introducido un mí bemol sobreagudo al final de la escena en casa de Flora en el segundo acto de Traviata, algo que sólo hizo la Callas en 1952 durante una función transmitida por radio. Siempre es un éxito este agudo. Gonçalo me da muchas ideas como fadista totalmente enamorado de la ópera (risas).

Tras su debut en Bilbao con la Gilda su vuelta al Euskalduna ha sido quizás más rápida de lo que pensaba y con un rol tan difícil y fascinante como la Elvira de Puritanos. ¿Qué nos puede contar de esas funciones ?

He estado encantada de volver a Bilbao, de volver « a casa » como me decía el presidente de ABAO, el señor Juan Carlos Matellanes. Desde el principio me he sentido como en una gran familia, una sensación que no es frecuente experimentar en otras partes del mundo salvo quizás en Zürich durante la época de Pereira. Como sabe yo no estaba prevista inicialmente en esta producción de Puritanos pero tras la cancelación de mi colega he tenido la oportunidad de volver a interpretar un rol que no cantaba desde hacía nueve años, en Viena, con Juan Diego Flórez. Necesité un par de días para ponerme al día ya que no es un papel como la Gilda, la Violetta o la Lucia que he cantado muchísimo, más de 120 representaciones de algunas de ellas. Con las funciones de Bilbao la Elvira la he hecho en 21 ocasiones en 4 o 5 producciones distintas tanto tradicionales como modernas. La música de Elvira exige el legato infinito típico de Bellini, pero también una voz cálida, innumerables sfumature, coloratura brillante y todo ello usando siempre una amplia paleta de colores. Además he añadido por primera vez un fa sobreagudo larguísimo en el final del primer acto que había probado en el ensayo general y que me resultó bastante fácil. Me gusta introducir de vez en cuando cosas nuevas en un rol, algo que lo haga más interesante y refinado, intercalando nuevas notas o variaciones en la coloratura. Esta interesante producción del director español Alfonso Romero, con el que no había trabajado antes, me ha dado grandes satisfacciones y ello a pesar de que llegué a Bilbao para el pregeneral. No obstante hemos hablado mucho sobre la producción y sobre la visión del personaje en este contexto de Primera Guerra mundial y creo que ha funcionado bien aún cuando no se presentaba la atmósfera romántica propia de las puestas en escena más tradicionales pero, indudablemente, ha tenido su encanto y se ha puesto de manifiesto el romanticismo de unos personajes que, incluso en una situción tan tremenda, siguen conservando su belleza interior, con sentimientos humanos profundos, bellos y sinceros. Estoy muy contenta de haber vuelto a un teatro y un público que me aprecia tanto y que me dará la oportunidad en los próximos años de seguir frecuentandolo y doy  mi mayor agradecimiento a todos los que creen en mí, a la dirección artística y al público al que ofrezco todo mi arte.

¿Cómo definiría su vocalidad actual ? ¿Cómo ha evolucionado su instrumento desde sus inicios y qué roles pretende afrontar en el futuro ?

He comenzado como soprano coloratura con la Reina de la Noche, mi primer rol y el que más he cantado a lo largo de los años, con más de 250 representaciones. De hecho aún puedo cantarlo como he demostrado con ese fa no escrito en Puritanos del que he hablado antes (risas). No obstante creo que nunca he sido una soprano coloratura pura ya que desde siempre he tenido cierta redondez en mi voz y una vocalidad plena en el registro central que, con el tiempo, ha ganado cuerpo dándome la oportunidad de afrontar roles como Doña Ana, Luisa Miller, Liú, Mimí o las reinas donizettianas pero siguiendo alternándolos con papeles como la Reina de la Noche, Zerbinetta o la Konstanze de El Rapto. Por este motivo ni siquiera yo misma sabría definir mi  voz. Lo que sé es que puedo cantar todos estos roles sin ningún problema vocal y que sé adaptarme al estilo que requiere cada partitura. Nunca me ha gustado que me encasillen. La voz es algo vivo y en permanente desarrollo, algo que te ofrece innumerables posibilidades si dispones de la inteligencia, la intuición y el conocimiento acumulado con la experiencia, permitiéndote desplegar un amplio abanico de recursos técnicos e interpretativos. Digamos que podría definirme como una soprano de coloratura dramática, ya que soy más lírica que una lírico-ligera pero no en exceso.

Su voz posee una cremosidad increible. La forma de hacer filados, las messe di voce, las sfumature, ese sonido flotado y etéreo que resulta inalcanzable para otras colegas. ¿Son en cierto modo innatas estas cualidades o ha debido trabajar duro para conseguirlas ?

Probablemente una de mis ventajas es que desde pequeña he cantado en la iglesia y allí tienes que crear una forma muy delicada de producir el sonido, al principio con la sóla ayuda de mi propia intuición ya que nunca había estudiado canto. En la iglesia debes cantar de forma angelical y quizás algo de esto ha permanecido a lo largo de mi carrera donde siempre he intentado cantar como los ángeles (risas). Siempre he tenido una técnica respiratoria natural, también un buen oido, pero lo más importante en el canto es el fiato. Cuando empecé a estudiar canto en serio todo lo que había aprendido cantando en la iglesia, en la escuela o con la familia me ayudó. Mi maestra en Milán, Mildela D’Amico, estudió con Mercedes Llopart, la maestra de Renata Scotto. Era muy exigente y siempre me corregía cualquier sonido que no estuviera correctamente emitido. He trabajado mucho para conseguir homogeneidad tímbrica en todo el registro, para proyectar bien la voz, para mejorar el estilo italiano (algo que ya tenía en la sangre), tantas cosas que no se pueden aprender de repente. El estudio es imprescindible pero también es necesario cantar y hacerlo siempre con los roles adecuados y adaptados a nuestra voz, roles que también ayudan a desarrollar el instrumento. Yo he tenido la suerte de que en Zürich he podido desarrollarme como artista y crearme un repertorio sólido y adecuado. Nunca he cometido errores en la elección del repertorio y si en algún momento he afrontado papeles más dramáticos he sabido adaptarlos a mi voz y no forzar nunca el instrumento. Los sonidos etéreos y los pianissimi a la Caballé se han convertido en mi carta de presentación. Me encanta hacer filados y las frases largas y bellísimas de Bellini, por ejemplo.

Hablemos un poco de sus inicios en el mundo de la música. ¿Ha crecido en el seno de una familia musical ? ¿Cómo surgió su vocación hacia el canto ?

He crecido  en un ambiente musical en el sentido de que desde pequeña estuve acostumbrada a cantar en las fiestas familiares de Pascua, Navidad, cumpleaños y también en la iglesia cada domingo, de hecho ensayábamos en la casa del sacerdote, una verdadera escuela de música, y más tarde con los profesores que dirigían el coro de la iglesia. Siempre he cantado y siempre soñé con convertirme en cantante pero en aquéllos tiempos del comunismo nunca pensé que mi sueño pudiese convertirse en realidad. Es cierto que siempre se debe soñar e intentar visualizar aquéllo que deseas, es algo demostrado científicamente, pero en aquéllos momentos me parecía imposible. Tendría unos 15 o 16 años, estaba estudiando para ser profesora de primaria, algo que siempre había deseado mi abuela (me crié con mis abuelos) y tenía una compañera que siempre cantaba de solista en el coro lo que me animó a querer cantar también yo como solista. Con 16 años comencé a dar clases de canto en la misma escuela donde ella estudiaba y así pude convertirme en solista del coro de mi escuela. Podríamos decir que fue el primer sueño que se hizo realidad. Después vinieron muchos años de estudio, la mayoría de forma autodidacta, y he llegado hasta aquí.

¿Recuerda el momento en que tomó la decisión de hacer de su pasión su profesión?

Sí, desde luego. Después de 7 años como profesora de primaria tomé la decisión de dedicarme a la música. Estuve pensando durante todo un año, día y noche, barajando los pros y contras de abandonar un puesto de trabajo fijo. Unos decían que adelante y otros que no era una buena idea. Al final tuve que guiarme por mi corazón que siempre me decía que sí y desde entonces siempre que escucho al corazón me va bien. En 1998 entré en el coro de la Ópera de Iasi y en ese momento estaba contentísima de poder dedicarme por fín a lo que realmente me gustaba. Al final sólo estuve en el coro cinco meses ya que, por suerte, tras ese tiempo tuvo lugar mi debut como Reina de la Noche, ¡¡¡cantando en rumano !!! (risas). Fue posteriormente cuando accedí al conservatorio y gané el primer premio en el concurso de la ARD de Münich lo que me abrió definitivamente las puertas, gracias a Dios, para poder iniciar una bellísima carrera, exigente, dura pero desarrollada con mucha pasión y, sobre todo, mucho respeto, a la partitura, al público y al escenario. Todo lo que he obtenido ha sido gracias a mi trabajo y a mis resultados, nadie me ha regalado nada. Quizás por eso he tardado 17 años en cantar en la Scala y 20 en debutar en el Met.

¿Cuales han sido sus referencias vocales cuando comenzó la carrera ? Y ahora, ¿a qué colegas admira especialmente ?

Mis preferencias siempre han sido aquéllos cantantes que, sobre todo, saben cantar. Callas, por ejemplo, que era completa y compleja, Scotto que tenía un fraseo ejemplar, Caballé y Gruberova con sus divinos pianissimi , la Sills con una potencia y flexibilidad vocal envidiables, la Price con una bonita voz y una técnica estupenda, Leyla Gencer con posibilidades vocales ilimitadas, Caruso, Di Stefano, Gigli, Gobbi... He aprendido muchísimo escuchando a estos maravillosos cantantes pero nunca he pretendido imitarlos. Incluso aunque quisiera no podría hacerlo ya que mi instrumento es totalmente diverso al de estos artistas aunque escuchándolos con interés y atención se pueden descubrir muchísimos secretos del canto. De mis colegas actuales admiro mucho a Nucci, a la Fleming (sobre todo en Lied y Strauss), a la Gruberova de hace unos años, a la Baltsa, Helen Donath… hay tantos. Sin embargo de las últimas generaciones me cuesta más encontrar colegas que sepan realmente lo que es el belcanto. Hoy todos quieren ser estrellas nada más salir del conservatorio y no emplean, como yo, el tiempo necesario en desarrollar un estudio serio de este arte tan complejo que es la ópera.

¿Recuerda el primer título operístico que presenció en teatro ? ¿Y su debut lírico ?

Recuerdo una ocasión en la que fuí al teatro a ver una ópera rumana que no me gustó demasiado... pero me encantaba estar en el teatro, un edificio maravilloso, construido por Fellner y Helmer, los mismos arquitectos que diseñaron el teatro de Zürich. También me acuerdo de haber visto mucho Puccini, sobre todo Tosca, Butterfly y Bohème. Accedía al teatro por la entrada de artistas porque no tenía dinero para pagarme la entrada... (risas) Mi debut operístico se puede decir que fué en el coro, como amateur, en Cavalleria rusticana. Fue una experiencia maravillosa. Después vino el verdadero debut como solista, en febrero del 90, con la Reina de la Noche. Todos me conocían en el teatro porque estudiaba con varios profesores allí. He tenido varios maestros de canto porque siempre he pensado que nadie lo sabe todo y que de todos se puede aprender algo, también de un bajo del que aprendí muchísimo, aunque los maestros de canto que más han aportado a mi carrera han sido Mildela D’Amico y el maestro Ion Buzea, famoso tenor rumano que aún vive en Zürich. Tampoco olvidaré jamás la primera vez que canté con orquesta: fue en mayo o junio de 1990, ensayando con la Filarmónica de Iasi dos arias,“è strano“ de Traviata y el „quando men vo“ de Musetta. Cantar con tantos musicos a mi alrededor y sentirme acariciada por el sonido de la orquesta fue uno de los momentos más felices de mi vida.

¿Qué importancia tiene el disponer de unas cualidades di natura a la hora de desarrollar una carrera lírica y en qué medida puede suplir el estudio su carencia ?

La voz es un instrumento sumamente delicado y necesita ser tratado de una forma peculiar, especial. En este sentido los cantantes somos especiales ya que dependemos únicamente de dos cuerdas vocales pero no sólo de ellas… cuando nuestro cuerpo está agotado, aunque las cuerdas estén sanas, la voz no responde. Cuando cantamos lo hacemos con todo el cuerpo y no solo empleamos la garganta (pobre del que sólo pretenda usar la garganta !!). Es un proceso muy complejo que exige mucho estudio y conocimiento del propio cuerpo para saber cuáles son las condiciones en las que estamos al 100%, seguros, sin obstáculos. Hace poco que he descubierto que padecía desde hace años problemas alérgicos y he conseguido curarlos por mí misma mediante una alimentación sana, casi vegana. Desde que sigo esta dieta no he vuelto a sufrir alergias. Como ya comenté la técnica vocal es importantísima pero sobre todo y antes que nada la técnica respiratoria. Para mí es sin duda la base de una vocalidad sana y de un estilo adecuado. Por este motivo durante toda mi vida he prestado toda la atención al estudio serio de la técnica vocal ya que contando sólo con el material vocal no se puede aspirar a prolongar una carrera en el tiempo. Aprovechar únicamente lo que la naturaleza te ha dado puede permitir cantar pero durante poco tiempo. Conozco muchos colegas que con mi edad ya están retirados, en cambio yo sigo manteniendo todo mi repertorio gracias a haber construido una sólida técnica vocal y respiratoria. ¡¡Gracias a todos mis maestros !!

Hablando de sus maestros a los que está tan agradecida ¿cree que en la actualidad faltan buenos maestros de canto ? En este momento de su carrera ¿todavía mantiene el contacto con alguno de sus maestros y les pide consejo ?

Creo que hay poquísimos maestros de canto que sean verdaderamente buenos pero también creo que puedes estudiar con un muy buen maestro y aún así no mejorar ya que cada instrumento vocal es único e incluso los mejores profesores también pueden equivocarse. Por eso creo firmemente en que cada cantante debe encontrar por sí solo su camino pero escuchando siempre a los grandes del canto. Mi maestro Ion Buzea solía decir que el aprendizaje dura toda la vida, hasta la jubilación y aún después. Nunca dejamos de aprender acerca de nuestro instrumento porque cambia con la edad junto al resto del cuerpo. Es algo dinámico, en permanente cambio, con miles de nuevas células cada día. No obstante los buenos consejos siempre son bienvenidos. Conozco colegas que una vez finalizado el conservatorio no vuelven a estudiar nunca con ningún maestro. En 2012, por ejemplo, cuando canté la Luisa Miller en la Scala, tras los ensayos estudiaba todos los días con mi maestra, .Incluso aunque no cantase a voz, por estar demasiado cansada, hacía ejercicios vocales para mantenerme en forma. Siempre he aceptado los consejos de quién tiene algo interesante que decirme. También de muchos directores de orquesta como Nello Santi que me ha proporcionado siempre buenos consejos de fraseo o de dónde sería mejor introducir una respiración. Con una buena técnica la voz se puede mantener fresca, jóven y brillante. Nadie adivina mi edad porque mi voz sigue sonando fresca. Mi maestra me dice siempre « tú cantarás 100 años ». Esperemos que así sea (risas). Para mí el canto es mi forma de expresarme y lo redescubro permanentemente. Es algo divino.

Se suele afirmar que la técnica es única tanto para la voz femenina como para la masculina. ¿Cree que, por ejemplo, un maestro de canto puede comprender las dificultades de una voz femenina del mismo modo que una profesora?

Yo ya he tenido un maestro en mis inicios como cantante, un bajo, George Popa. Y ahora sigo desde hace años con el tenor Ion Buzea. Sí, sin duda, una voz femenina puede aprender de un hombre y viceversa ya que los fundamentos de la técnica son los mismos. No obstante respecto al pasaje de la voz no estoy tan segura. Cada voz tiene su propio pasaje. Yo misma debo concentrarme en alguna ocasión con el re sobreagudo donde tengo, digamos, una especie de pasaje adicional pero también depende de cómo esté escrita la frase musical : algunas veces es incómodo y otras sumamente fácil aún tratándose de la misma nota. Los fa de la Reina de la Noche son difíciles, complicados para muchos cantantes, en cambio el fa que he incorporado al final de Puritani me resultó fácil, me parecía un re en lugar de un fa. Depende de tantas cosas…

¿Cree que realmente existe en estos momentos una crisis de voces? En estos momentos resulta especialmente difícil encontrar voces verdianas masculinas más incluso que encontrar voces wagnerianas.¿Por qué es tan complicado?

La verdad es que no lo sé... quizás tiene algo que ver con la contaminación y el estilo de vida. Vivimos demasiado deprisa y casi nadie se toma el tiempo necesario para consolidar una técnica vocal adecuada y una buena cultura musical. Claro que existen buenas voces pero se quiere llegar muy rápido a ser estrellas y ganar dinero haciendo cosas que se venden principalmente con publicidad, pero no todo lo que se vende con publicidad es arte, no!!, en muchas ocasiones es un bluff. Sólo con un buen físico y juventud no se hace auténtico arte. Los directores artísticos parecen estar enloquecidos por jóvenes cantantes con buen físico pero que no tienen ni idea de cantar. Quizás las voces wagnerianas son más fáciles de encontrar porque con frecuencia se enmascara la incapacidad para el canto refinado con el grito, aún cuando el propio compositor lo requiera en más de una ocasión.

Cuando se emplea la palabra italianidad para definir un modo de canto, fraseo y emisión ¿qué se pretende aglutinar con ese término ?

Una voz con «italianità » es una voz aterciopelada, segura, versátil, cultivada con mucho amor y atención, una voz que puede cantar legato, algo de suma importancia, y adaptada también para la coloratura, tan abundante en el belcanto. Se necesita mucha sensibilidad, refinamiento, sentido artístico y sobre todo fantasía artística. Cantar con italianidad también significa que la mente vaya por delante de la emisión, como decía Pavarotti en una entrevista que he leido recientemente : antes de la producción del sonido éste debe existir ya en la mente y de este modo anticipar el fraseo. Además el belcanto es la máxima expresión del canto. Callas siempre decía « el que puede cantar belcanto lo puede cantar todo » y tiene toda la razón porque el cantante debe emplear todos los registros y matices dentro de su conocimiento musical, sólo así la musica se convierte en algo vivo, brillante, interesante y lleno de alma, de emociones. De lo contrario se vuelve inerte, aburrido. La ópera es al mismo tiempo el arte de cantar, de la palabra, del gesto y del lenguaje corporal. Debe conseguir llevar al escenario personajes creíbles, vivos, auténticos. Cuando he grabado cds nunca me he limitado a ejecutar la partitura sino que siempre he realizado un trabajo de introspección y mimetización con los personajes que interpretaba como si estuviera representándolos en escena. Creo que eso se aprecia en mis grabaciones. Ocurre lo mismo cuando hago un recital o un concierto. Para conseguir una buena interpretación es necesaria una buena interiorización del texto y del mensaje musical, algo que en último término depende de la intuición, la inteligencia y la experiencia musical del artista. El romanticismo se convierte de este modo en una opción artística desde la que el estudio y la asimilación del personaje es óptima, contruyéndolo desde dentro, intentando conocerlo, entenderlo y amarlo. Así es como he elegido e interpretado a las heroinas de mi último cd, personajes a los que me siento especialmente vinculada.

A la hora de elegir el repertorio ¿la decisión es sólo suya ? ¿qué parte de importancia tiene el agente o el teatro que le ofrece determinado papel ?

En la Ópera de Zürich he tenido la fortuna de contar con un director artístico que conocía las voces y que siempre me ha propuesto papeles adecuados a mi vocalidad, cada vez más complejos, de forma que mi instrumento ha podido experimentar una evolución contínua, ganando en cuerpo, flexibilidad y expresividad. Algunas propuestas también podían venir de los maestros repetidores, directores de orquesta o de los propios registas, de forma que todos han contribuido a mi desarrollo. Sin duda ha habido ocasiones en las que me han solicitado cantar papeles que no eran para mí y que he tenido que rechazar pero esto me ha ocurrido sólo en un par de ocasiones. Hay que tener en cuenta, en cualquier caso, que cuando se forma parte de los cuerpos estables de un teatro es el director el que elige el repertorio. Después, cuando se trabaja como profesional independiente, uno se puede permitir elegir sólo aquéllo que se quiere y se puede cantar, resistiendo siempre a la tentación de cantar roles que no son adecuados, incluso aunque el agente insista en que se acepten. Creo que siempre debemos ser totalmente conscientes de nuestro instrumento y nuestras posibilidades vocales consultando también con nuestro maestro de canto.

¿Cómo afronta el estudio de un nuevo papel ? ¿Cree que escuchar grabaciones sirve de ayuda o prefiere no tener ninguna referencia ?

Por supuesto que escucho grabaciones, como todos los cantantes. Al principio para escuchar la obra, el papel en cuestión, si me va bién o no y después para ver cómo lo han interpretado los grandes y en qué se podría mejorar. Sin embargo, como ya he comentado, nunca he intentado imitar ni copiar a nadie. El proceso de estudio siempre es el mismo : repetir hasta aprender, siempre uniendo el texto a la música. Si el rol es un personaje histórico o se basa en una obra literaria previa procuro leerla como en Bohème o Traviata. Siempre me concentro en las partes más difíciles intentando encontrar la mejor solución para los pasajes más comprometidos y trabajo mucho con el fraseo.

Esta profesión, como todas, tiene sus cosas buenas y no tan buenas. ¿qué aspectos son los que más le gustan de su profesión y cuáles los que le resultan más desagradables o difíciles de sobrellevar ?

Pienso que lo más bonito de esta profesión es el canto en sí mismo. Somos privilegiados y hemos sido bendecidos por Dios con una voz que nos hace felices a nosotros mismos, al público y, ante todo, a Dios que nos ha creado para cantar para Él. Esto no debemos olvidarlo. Quizás es el motivo de que tantos colegas hayan comenzado a cantar en la iglesia, como yo de pequeña.También somos afortunados por poder viajar y conocer mundo. Sin duda que para llegar a determinado nivel debemos sacrificarnos con muchas horas de estudio y trabajo, de lo contrario no podríamos cantar en los mejores teatros. Por otra parte nosotros, como profesionales, dependemos en exceso de personas que en muchas ocasiones no tienen los necesarios conocimientos vocales y terminan elaborando casts erróneos. Hay tantas cosas desagradables que suceden detrás del escenario… eso sí que no lo soporto.

Siempre se ha dicho que los cantantes profesionales tienen mucho tiempo libre…¿es cierto en su caso? ¿algún hobby preferido para pasar el tiempo entre funciones?

Pienso que un cantante muy solicitado en el teatro tampoco dispone de demasiado tiempo libre. Se estudia mucho, se ensaya mucho y el poco tiempo libre que queda se debe emplear para descansar porque la voz sólo responderá si el cantante está descansado. Esto es importantísimo. También me gusta pasear por la ciudad en la que me encuentre para conocerla un poco más. Hace años, en los inicios de mi carrera, reconozco que disponía de más tiempo libre que empleaba en hacer punto y pintar. En cambio ahora siempre tengo que estudiar entre las funciones o los ensayos y no dispongo de tiempo para demasiadas cosas.

Muchos colegas afirman que en algunos teatros se ensaya demasiado y en otros muy poco, sobre todo aquéllos llamados de repertorio como Viena o Zürich, que conoce tan bien. ¿Qué piensa de esto ?

Sí, es cierto que con frecuencia se hacen demasiados ensayos inútiles en los que se pierde mucho tiempo y energía. En otras ocasiones sin embargo los ensayos son muy escasos. Todo depende. Si un papel lo tienes en voz, estás bien preparado musicalmente y tienes talento escénico te puedes adaptar muy rápido a una nueva producción. Esto me ha ocurrido recientemente en la Traviata de Las Palmas y en los Puritani de Bilbao. En ambas he llegado al teatro para el pregeneral. Yo prefiero esto a estar 4-6 semanas con ensayos inútiles.

¿Sigue alguna rutina especial los días de función en relación a la hora de levantarse, a sus comidas, la forma de calentar la voz… ?

Duermo todo lo que puedo, lo máximo posible. Al despertarme pruebo la voz en piano, usando una voz de cabeza muy especial que mi maestra llama « sonido invisible ». Si la voz responde con estos ejercicios todo va bien, si no me entra el pánico… (risas). Después almuerzo y me preparo con tranquilidad, nada especial. Si me encuentro bien de salud salgo a hacer compras como he hecho en los Puritanos de Bilbao antes de la prima (risas).

Muchos cantantes opinan que la mejor y casi única medicina para la voz es no hablar. ¿piensa lo mismo o tiene otro sistema ?

Para mí la mejor medicina es dormir mucho y descansar todo lo que se pueda. Yo no guardo silencio, sólo si estoy mal de voz. De lo contrario hablo normalmente, no tengo ese problema. Dormir es la palabra clave. Dormir muchísimo.

En los recientes Puritanos de Bilbao hay dos días de descanso entre funciones ¿cuál es para usted el intervalo justo entre función y función ?

Dos días son suficientes pero lo ideal sería disponer de tres…¡Atención, directores artísticos del mundo!. Afortunadamente en Bilbao hay dos días pero lo habitual en otros teatros es que haya sólo un día de reposo entre funciones y esto es demasiado poco si se pretende que el cantante ofrezca lo mejor. Somos atletas, no podemos correr una maratón todos los días !!!. Nuestro trabajo es un trabajo también físico y por eso se debe descansar y acumular nuevas energías. También depende del papel que se esté cantando. Los personajes que yo canto son todos difíciles por lo que lo ideal sería disponer siempre de tres días entre funciones pero si se canta Annina o el doctor Grenvil en Traviata se puede cantar dos o tres veces al día !!! (risas)

Qué roles cree que puede afrontar con su vocalidad actual y aún no ha debutado ? ¿Hay algún papel que aún estando alejado de sus posibilidades en estos momentos le gustaría interpretar ?

Me encantaría hacer con más frecuencia las reinas donizettianas, las que he grabado en mi último cd. De María Stuarda he hecho ya dos producciones, la Bolena sólo la he hecho en una ocasión en Viena, en versión de concierto y el Devereux aún no lo he debutado pero lo haré en Bilbao el próximo año, será mi debut como Elisabetta. También hay otros papeles de Donizetti y Bellini que adoro. Próximamente debutaré la Leonora del Trovatore verdiano, un papel que definitivamente creo que es para mí y se ha adaptado muy bien a mi voz cuando he cantado en conciertos el aria, miserere y cabaletta del último acto. Me gustaría también abordar óperas desconocidas como Sancha de Castilla o menos habituales como El Pirata. Creo que la Vestale de Spontini también se adecuaría a mi vocalidad actual. También Puccini, obras como La Rondine, Suor Angelica…tantos. Algo que seguramente cantaré al final de mi carrera será Tosca !!.

En los recientes Puritanos de Bilbao hay dos días de descanso entre funciones ¿cuál es para usted el intervalo justo entre función y función ?

Dos días son suficientes pero lo ideal sería disponer de tres…¡Atención, directores artísticos del mundo!. Afortunadamente en Bilbao hay dos días pero lo habitual en otros teatros es que haya sólo un día de reposo entre funciones y esto es demasiado poco si se pretende que el cantante ofrezca lo mejor. Somos atletas, no podemos correr una maratón todos los días !!!. Nuestro trabajo es un trabajo también físico y por eso se debe descansar y acumular nuevas energías. También depende del papel que se esté cantando. Los personajes que yo canto son todos difíciles por lo que lo ideal sería disponer siempre de tres días entre funciones pero si se canta Annina o el doctor Grenvil en Traviata se puede cantar dos o tres veces al día !!! (risas)

Qué roles cree que puede afrontar con su vocalidad actual y aún no ha debutado ? ¿Hay algún papel que aún estando alejado de sus posibilidades en estos momentos le gustaría interpretar ?

Me encantaría hacer con más frecuencia las reinas donizettianas, las que he grabado en mi último cd. De María Stuarda he hecho ya dos producciones, la Bolena sólo la he hecho en una ocasión en Viena, en versión de concierto y el Devereux aún no lo he debutado pero lo haré en Bilbao el próximo año, será mi debut como Elisabetta. También hay otros papeles de Donizetti y Bellini que adoro. Próximamente debutaré la Leonora del Trovatore verdiano, un papel que definitivamente creo que es para mí y se ha adaptado muy bien a mi voz cuando he cantado en conciertos el aria, miserere y cabaletta del último acto. Me gustaría también abordar óperas desconocidas como Sancha de Castilla o menos habituales como El Pirata. Creo que la Vestale de Spontini también se adecuaría a mi vocalidad actual. También Puccini, obras como La Rondine, Suor Angelica…tantos. Algo que seguramente cantaré al final de mi carrera será Tosca !!.

¿Qué piensa de la importancia que tienen en estos momentos los registas ? ¿Procura siempre entender aquéllo que pretenden ? ¿Ha vivido alguna situación en la que se haya negado a hacer algo que un regista le ha pedido ?

Desde luego. Siempre se habla en los ensayos e intentamos llevar al escenario lo que el regista pretende. Muchas veces nos ponemos de acuerdo y muchas no…pero como los directores escénicos se han convertido en los divos de la ópera lo habitual es que los cantantes no podamos cambiar cosas. Cuando nos enfrentamos al primer ensayo todo está ya decidido con un concepto que no se puede alterar. A mí me ha ocurrido en una producción de Maria Stuarda en la Staatsoper de Berlin en la que he estado muy incómoda ya que sólo cantaba en el suelo o en una silla de ruedas. Cuando comenzaron los ensayos pensaba que el regista me estaba tomando el pelo… cuando me dí cuenta que todo aquéllo era en serio me pareció algo muy triste. Era demasiado tarde para cancelar y tuve que hacer todo lo que me pidieron pero no he querido volver a participar en esa producción cuando la volvieron a programar al año siguiente, preferíí debutar la Mimí en Zürich con Jonas Kaufmann (risas). En Zürich he tenido noches memorables pero he sufrido mucho con las direcciones escénicas y el vestuario. También en Essen tuve un percance durante una producción de Luisa Miller en la que finalmente el regista fue razonable y no me subió a una barra para el encuentro con Federica. Me negué y le convencí de que aquéllo no era adecuado para una diva como yo… (risas).

¿Qué nos puede comentar de su último cd para Sony dedicado a Donizetti ?

Estoy muy satisfecha de ese cd al que hemos titulado « Heroinas Donizettianas ». Incluye las grandes escenas de la trilogía Tudor pero también las dos arias de Lucrezia Borgia y la escena de la locura de Lucia, completa. Incluyo la gran escena de entrada de Norma, con el « Casta diva/Fine al rito/Ah, bello a me ritorna » y el cd finaliza con una escena de L’Assedio di Corinto. En el proyecto me han acompañado el Coro y la Orquesta  Sinfónica de la radiotelevisión de Croacia, dirigidos por Ivo Lipanovic. Sentía la necesidad de plasmar en un cd una parte relevante de mi arte y hubiera sido una pena no hacerlo tratándose además de mi especialidad, el belcanto. Sin duda podría haber grabado otros fragmentos también muy interesantes pero preferí elegir papeles que, en su mayoría, ya he hecho sobre el escenario. Con este cd he pretendido dejar una prueba de todas las cualidades vocales e interpretativas que he ido desarrollando a lo largo de todos mis años de carrera. También, por qué no decirlo, en un mundo como el actual también era importante estar presente en el ámbito discográfico y, en cierto modo, era necesario hacerlo por motivos de publicidad. Ya he respondido anteriormente a la manera en la que he afrontado las piezas contenidas en este disco y prefiero no volver a repetirme ahora. Las reacciones de los fans y de la crítica internacional han sido muy favorables y me siento bien por ello.

El futuro de la lírica parece estar en el DVD, el cine y el streaming de representaciones a través de internet. ¿Cree que estas nuevas vias que tanto inciden en el aspecto visual hacen bien a la ópera y favorecen la creación de nuevos aficionados o piensa que puede distorsionar las expectativas de quien después acuda a un teatro ?

Realmente pienso que todo esto es positivo. Mi último concierto en Iasi del que ya hemos hablado, OperFado, he querido que se transmitiera via streaming por internet y ha sido algo muy bonito porque todo Portugal y el mundo entero ha podido ver a Gonçalo como embajador y representante del fado en el mundo, una música que es auténtico emblema de Portugal y que quizás mucha gente ha descubierto gracias a este concierto. Hemos conseguido que un público muy diverso vea un concierto que fusionaba tres géneros musicales muy distintos. Pienso que estos sistemas también son una propuesta ideal para las personas que no pueden asistir a un teatro para ver una función en vivo. Cierto es que un video nunca puede sustituir una representación vivida en el teatro donde sin duda se crea una atmósfera especial pero veo bien que se editen todos estos DVDs como testimonio histórico del desarrollo de la lírica. Es cierto que, por otra parte, la obsesión por el aspecto visual de la ópera lleva a que muchos directores hagan su casting en función del físico del cantante y no de sus cualidades vocales. Está bien buscar la juventud pero no para todos los roles ya que algunos requieren una maduridad vocal y también física.

Y ya para finalizar, ¿puede decirnos si su Rigoletto y Puritanos en España marcaran el inicio de una presencia más habitual en nuestro país ? ¿puede comentarnos algo de sus próximos compromisos internacionales ?

Espero que así sea. He comprobado que en España hay un público muy entendido y que sabe apreciar a los buenos cantantes, esto me gusta muchísimo. Me encanta que haya comunicación con el escenario, que el público enloquezca con determinadas frases o con notas agudas cuando se hacen bien. Y esto sucede en España y también en Italia o en Japón… En octubre de este año haré en Barcelona un papel importante, la Violetta de Traviata, después de los conciertos del año pasado en los que las arias que tuve que cantar no fueron las más adecuadas a mi voz y donde no pude demostrar mi verdadero valor. En 2015 volveré a Barcelona con Traviata y a Bilbao con Roberto Devereux. Fuera de España hay cosas muy interesantes : Doña Ana en Berlin, Traviata en Masada, Micaela en China, o debuts como la Caterina Cornaro de Donizetti en el Festival de Montpellier y la Semiramide rossiniana en Lyon y Paris. También llevo OperFado a Rumanía y Alemania, vuelvo a Zürich con Luisa Miller, un concierto de arias de ópera en Zagreb…. Además estoy preparando la grabación de un nuevo cd con arias de Meyerbeer a propósito del 150 aniversario de su fallecimiento que se celebra este año.