Lo mejor de 2024 en libros, conciertos, espectáculos escénicos y grabaciones musicales
CODALARIO selecciona lo más destacado de 2024 para algunos de sus colaboradores en lo referente a las novedades bibliográficas, los espectáculos en directo y las grabaciones discográficas
§ Libro | Guiado por la crítica de Albert Ferrer en este mismo medio, me decidí a que cayera en mis manos El país fértil, Paul Klee [Editorial Acantilado], escrito por el director y compositor Pierre Boulez. Un pequeño libro, el texto anda en torno a las sesenta páginas, a lo que hay que añadir no pocas ilustraciones, que gracias a la fascinación que sentía el músico por el pintor, permite disfrutar de las opiniones de éste en torno a otra manifestación artística y la relación existente entre ambas. Para un mayor ahondamiento en los porqués de este ensayo, recomiendo leer la crítica anteriormente citada.
§ Concierto | Recientemente escuché el que sería el programa sexto de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, en el que el podio lo ocupaba Elim Chan. La directora pertenece a ese tipo de artistas que, siendo canónicas, son capaces de hacer sentir que su manera de dirigir comporta algo especial, que se aleja de la rutina. Si buena fue su manera de entender el Concierto para violonchelo y orquesta en si menor, op. 104, de Dvořák, quizá lo realmente extraordinario llegó con su versión de La consagración de la primavera, de Stravinski. Por eso, por salirse de lo rutinario, y tener ese algo más indefinible, apuesto por este concierto. A esta selección añado la actuación, el 5 de agosto, de Sondra Radvanovsky en el Festival Internacional de Santander, dominadora por el caudal de la voz y su capacidad artística, en las arias de Verdi, Puccini o Giordano, con una «La Mamma morta» para recordar. Dirigió Ricardo Frizza a la Orquesta Sinfónica de Bilbao. También intervino el tenor Jonathan Tetelman.
§ Espectáculo escénico | Me decanto aquí por la reciente puesta en escena en el Teatro Real madrileño, de Maria Estuarda de Donizetti, y lo hago por la satisfacción que produce el poder escuchar una obra de voces, en la que no fallaron a este calificativo ni la Stuarda de Lisette Oropesa, ni la Elisabetta de Aigul Akhmestshina, ni el Talbot de Roberto Taglivini, por reseñar tres de los cantantes más significativos. A esto se sumó una dirección de escena congruente, a cargo de David McVicar. Pienso que no hago esta elección por añoranza de un determinado tipo de óperas, o de una manera de cantar, sino por recuperar algo que no sabría decir si ahora es un bien escaso o simplemente, engañado por la memoria, tiendo a idealizarlo y aglutinarlo en una sola época las referencias a determinado pasado.
§ Grabación | Desierto.
Fotografía: OSCyL.
NURIA BLANCO ÁLVAREZ, musicóloga y crítico musical | @miladomusical
§ Libro | Anuario de Filosofía de la Música 2023-24. Fundación Gustavo Bueno.
Coordinado por Marie Lavandera, el Anuario de Filosofía es una publicación de referencia en este campo, que en la presente edición cuenta con importantes artículos de filosofos, musicólogos e historiadores. Entre otros, Vicente Chuliá escribe sobre los «Criterios constitutivos y estatutarios de la sutancialidad poética de la música». Marie Lavandera hace lo propio sobre «La esencia de la forma sonata clásica: raíz y núcleo». Aurelio M. Seco dedica su artículo a «La "música clásica" en el campo conceptual de la música en el siglo XX» y Marta Mechó a «La policoralidad entre España e Italia en la época del Renacimiento tardío y el Barroco.
§ Concierto | Avilés, 26-V-2024, Centro Niemeyer. Ciclo Suena la Cúpula. Misha Dacić, piano. Doce estudios de ejecución trascendental de Liszt.
Un extraordinario recital en un entorno poco habitual, en manos de uno de los más destacados pianistas de la actualidad. Misha Dacić ofreció una magistral interpretación de los Estudios trascendentales de Franz Liszt, un recital memorable.
§ Espectáculo escénico | Oviedo, 18-IV-2024, Teatro Campoamor. Festival de Teatro Lírico Español. Coronis, de Sebastián Durón. Giulia Bolcato [Coronis], Isabelle Druet [Tritón], Cyril Auvity [Proteo], Anthea Pichanick [Menandro], Fiona McGown [Sirene], Marielou Jacquard [Apolo], Caroline Meng [Neptuno], Brenda Poupard [Iris], Olivier Fichet [Marta]. Le Poème Harmonique. Dirección musical: Vincent Dumestre. Dirección de escena y coreografía: Omar Porras.
Esta producción nos parece un precioso ejemplo de cómo se ha llevado a efecto una «recuperación» modélica de una obra importante del patrimonio musical español. La dirección de escena de Omar Porras nos pareció muy atractiva.
§ Grabación | Lisette Oropesa. Mis amores son las flores. Orquesta Titular del Teatro Real de Madrid. Óliver Díaz, director. San Francisco Classical Recording Company/EuroArts.
Ya no es tan frecuente como antaño que un cantante dedique un disco a la zarzuela. En esta ocasión se da la feliz coincidencia de dos músicos de gran talento, la gran soprano Lisette Oropesa y el director de orquesta español Óliver Díaz, un gran conocedor del género que estuvo al frente de la dirección musical del Teatro de la Zarzuela, y uno de los maestros que mejor saben acompañar las voces. Estamos ante un trabajo de altura que ha supuesto una alegría para los amantes del más genuino género lírico español, puesto en manos de dos destacados artistas.
Fotografía: Alfonso Suárez.
§ Libro | López Vargas-Machuca, Fernando: Los mejores discos de Daniel Barenboim. I. El maestro sinfónico. Prólogo de Pedro González Mira. Cádiz: Tierra de Nadie Editores. 493 páginas.
En la fase otoñal de la trayectoria artística del maestro Daniel Barenboim es pertinente la publicación de libros recopilatorios de su obra y que hagan balance de la misma, como hace este de la mano de un auténtico partidario suyo como es el crítico Fernando López Vargas-Machuca, quien realiza aquí una labor encomiable enjuiciando lo mejor de su discografía sinfónica y recomendando sus mejores grabaciones. Promete el autor una segunda y tercera parte dedicadas a su legado pianístico y operístico, respectivamente.
§ Concierto | Sevilla, 24-VI-2024, Teatro de la Maestranza. Orquesta Filarmónica de Viena. Lorenzo Viotti, director. Programa: Capricho español, op. 34 de Nikolái Rimski-Kórsakov; La isla de los muertos, poema sinfónico, op. 29 de Serguéi Rachmaninov; y 7.ª sinfonía en re menor, op. 70 de Antonin Dvořák.
La mítica Filarmónica de Viena no actuaba en Sevilla desde hacía casi 32 años y lo hizo en la fecha indicada marcando un auténtico hito en el historial artístico del Teatro de la Maestranza. Como despedida de la gira que realizaba como colofón de su temporada 2023/2024 y bajo la batuta de Lorenzo Viotti, la formación vienesa hizo que la Sevilla musical disfrutara de una inolvidable tarde de San Juan al desplegar todos sus recursos, virtudes e idiosincrasia características. Después de un refinado Capricho español, la orquesta nos sumergió en un estado de postración notable con la conmovedora interpretación de La isla de los muertos donde, a pesar de la oscuridad que caracteriza la pieza, el sonido no perdió un ápice de su brillo. Pero lo mejor vino en la segunda parte, con una 7.ª sinfonía de Dvořák que, en manos de uno de los mejores maestros de su generación, sonó a gloria y nos impulsó al éxtasis con un apabullante final, al alcance de muy pocas formaciones en el mundo y que, además de deleitar, nos dio una lección como melómanos.
§ Espectáculo escénico | Sevilla, 14-XII-2024, Teatro de la Maestranza. Ariadne auf Naxos de Richard Strauss. Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Guillermo García Calvo, director musical. Joan Anton Rechi, dirección escénica. Lianna Haroutounian [Ariadne/Primadonna], Cecelia Hall [Compositor], Elena Sancho [Zerbinetta], Gustavo López Manzitti [Bacchus/Tenor], José Antonio López [Maestro de música], Carlos Daza [Arlequín], Emmanuel Faraldo [Scaramuccio], Daniel Noyola [Truffaldin], Juan Antonio Sanabria [Brighella], Michael Witte [Un mayordomo], Juan Ramos [Un oficial], Vicenç Esteve [Maestro de baile], Andrés Merino [Un peluquero], Javier Povedano [Un lacayo], Sonia de Munck [Najade], Anna-Doris Capitelli [Dryade], Ruth Rosique [Echo].
Esta joya compuesta por Richard Strauss siguiendo el texto de von Hofmannsthal, se presentaba por primera vez en la vida del Teatro de la Maestranza y lo hizo con una inteligentísima producción escénica del Theater Regensburg, adquirida y remozada para el coliseo sevillano por parte de Joan Anton Rechi, quien ofreció una lectura nueva y estéticamente atrayente. El argumento desplegado en el prólogo tenía lugar en un recibidor de la Austria del anschluss que se transformaba levemente durante el acto en la playa de Naxos sin apenas elementos dispuestos que así lo identificasen, salvo todo aquello que los actores (además de extraordinarios cantantes), fueron capaces de construir con su elaborada y auténtica dramaturgia. Además de ello, la orquesta sevillana sonó excelsa bajo la dirección de un español poco pródigo en suelo nacional, pero que es un auténtico experto operístico como García Calvo. Como todas las temporadas desde que dirige el teatro Javier Menéndez, el nivel estuvo al máximo según los estándares de calidad que marca el panorama internacional.
§ Grabación | Christian Thielemann, Wiener Philharmoniker, Neujahrskonzert 2024. Sony Classical. 2CD.
La cita musical que siempre nos propone la Filarmónica de Viena a través de la radio y la televisión para recibir de la manera más hermosa el nuevo año no siempre consigue el máximo efecto ni, mucho menos, la máxima calidad. Determinadas dependencias y otras tantas inercias han llevado a la mejor orquesta del mundo a ejecutar ese evento con directores que poco o nada tenían en común con composiciones tan idiosincráticas como las propias de la familia Strauss y de otros autores del mismo medio artístico como Komzak, Hellmesberger, Ziehrer, Lumbye y que han pasado, por tanto, sin pena ni gloria por el podio de la Musikverein en la mañana del 1 de enero. Sin embargo, el disco grabado en directo de la edición de 2024 ha sido todo un éxito de ventas y, lo más importante, ha quedado como áureo documento fonográfico no sólo de unas obras frecuentemente registradas, sino de otras menos conocidas, incluso de un elegante homenaje a Bruckner por el segundo centenario de su nacimiento. Sin duda, el maestro berlinés es hoy el representante de la tradición germánica y ocupa el lugar que le corresponde en el mundo musical. Este doble CD es prueba de ello.
§ Libro | El problema Puccini. Alexandra Wilson. Editorial Acantilado. Traducción de Juan Lucas.
Una interesante visión del genio de Lucca en el centenario de su nacimiento, en la que se relaciona su obra con la crisis de identidad italiana del fin de siglo de XIX y principios del XX. Si Giacomo Puccini fue más internacional que representante genuino de la cultura italiana como «sucesor» de Giuseppe Verdi, así como la rabiosa popularidad de sus obras relacionada con las críticas de ciertos sectores que nunca le perdonaron el rotundo favor del público. Un buen puñado de sus óperas siguen siendo base del repertorio y ello se afianza con los años.
§ Concierto | Amsterdam, 2-2-2024, Real Concertgebouw. Gurre-lieder de Arnold Schoenberg.
Riccardo Chailly al frente de la Orquesta del Concertgebouw y una combinación de diversos coros, firmó una lectura referencial de tan colosal obra. Toda una exhibición de sentido organizativo, claridad expositiva y primorosas texturas orquestales. Contrastes, detalles, atmósferas, misterio y lirismo con una brillante aportación vocal a cargo de un entregado y de voz siempre resonante Andreas Schager junto al canto de clase de la soprano finlandesa Camilla Nylund.
§ Espectáculo escénico | Milán, 29-X-2024, Teatro alla Scala. Der Rosenkavalier-El caballero de la Rosa de Richard Strauss.
Magistral dirección de Kirill Petrenko, acogida con auténtico delirio por el exigente público Scaligero que le vitoreó y arrojó ramos de flores en esta última función de la serie. La orquesta también encantada, le apludió con fervor. Krassimira Stoyanova compuso una mariscala de libro, fascinante, además de dar una lección de clase, refinamiento y dominio del lenguaje Straussiano. Notable también la Sophie de Sabine Devieilhe.
§ Grabación | Mencionar dos CD del mismo sello, San Francisco Classical Recording Company/EuroArts, con intervención en ambas de la Orquesta titular del Teatro Real y dos sopranos especialmente relacionadas con dicho coliseo. La española Saioa Hernández protagoniza, con la colaboración del tenor Franceso Pio Galasso, Il verismo d’oro en el que demuestra su afinidad con el lenguaje del repertorio llamado verista-naturalista. Hay que celebrar que la madrileña haya evitado el repertorio más trillado, aunque no faltan piezas más habituales, y ofrezca fragmentos menos transitados, pero no por ello menos interesantes, de Isabeau y Lodoletta de Pietro Mascagni, Sakùntala y Risurrezione de Franco Alfano o Marcella de Umberto Giordano. Por su parte, la soprano estadounidense de origen cubano Lisette Oropesa registra su primer recital dedicado a la zarzuela, Mis amores son las flores, con una espléndida dirección musical del Maestro Oliver Díaz al frente del Coro de la CAM y la orquesta titular del Teatro Real. Junto a las populares, Canción de paloma de El Barberillo de Lavapiés, la romanza de Marola de La tabernera del puerto y la canción española de El niño Judío, Oropesa ha registrado con su seguridad musical, control técnico y buen gusto habituales, fragmentos menos frecuentes, con especial atención a la zarzuela cubana. De tal modo, pueden escucharse piezas de Monte Carmelo de Moreno Torroba, María la O de Ernesto Lecuona y Cecilia Valdés de Gonzalo Roig.
§ Libro | Los mejores discos de Daniel Barenboim. I El maestro sinfónico, de Fernando López Vargas-Machuca. Tierra de Nadie Editores.
Un gran libro y un enorme esfuerzo tanto personal como editorial por parte de su escritor. Conozco a Fernando desde hace tiempo y he compartido un buen puñado de conciertos y representaciones protagonizadas por Barenboim y me consta el cariño y dedicación con el que ha cuidado hasta el último detalle este libro, por otra parte completísimo (¡casi 500 páginas!) y –sobre todo– necesario. Al margen de la subjetividad inherente a este tipo de trabajos, la seriedad del concepto así como la meticulosidad con la que aborda la abundantísima discografía de un genio de la interpretación como Daniel Barenboim y la sitúa en su contexto es realmente impresionante. Y lo mejor de todo es que su lectura anima a acudir a las versiones seleccionadas para, una vez más, volver a analizarlas, degustarlas, repensarlas y, desde luego, disfrutarlas.
§ Concierto | Córdoba, 23-XI-2024, Teatro Góngora. Recital de Arcadi Volodos con la Sonata en la menor, D.845, op. 78 de Franz Schubert, Davidsbündlertänze, op. 6 de Robert Schumann y la Rapsodia húngara n.º 13 en la menor, S.244/13 de Franz Liszt.
Un concierto histórico sin duda el que se marcó Arcadi Volodos en su regreso a Córdoba para la clausura del del XXII Festival de Piano «Rafael Orozco», en el que logró una simbiosis extraordinaria de los diversos caracteres musicales llevados al programa gracias a la calidad artística y al talento único de este músico excepcional. El pianista ruso conectó el más puro ensimismamiento schubertiano con la brillantez del pianismo schumanniano; la ligereza cantabile de Schubert, con la intensidad irresistible de Schumann... Las versión propia de la Rapsodia húngara de Liszt recordó al Volodos juvenil y virtuoso entregado a las acrobacias y malabares técnicos casi imposibles, pero eso sólo se trató de la primera impresión ya que todo ello fue sublimado por el valor expresivo de cada sonido, haciendo un todo artístico y creativo al que sucumbió toda la sala. Como si fuese otra parte más del recital, Volodos enganchó el delirium tremens de la audiencia con los generosos y sabrosísimos bises ofrecidos prácticamente sin solución de continuidad.
§ Espectáculo escénico | Viena, 27-III-2024, Staatsoper. Der Rosenkavalier de Richard Strauss. Julia Kleiter [Feldmarschallin], Christof Fischesser [Baron Ochs], Michèle Losier [Oktavian], Adrian Eröd [Von Faninal], Slávka Zámečníková [Sophie], Regine Hangler [Marianne Leitmetzerin], Norbert Ernst [Valzacchi], Monika Bohinec [Annina], Wolfgang Bankl [Comisario], Ángel Romero [Un cantante]. Coro y Orquesta de la Staatsoper de Viena. Axel Kober, dirección musical. Otto Schenk, dirección escénica.
El mero hecho de contemplar una producción escénica realmente histórica, además de bellísima y poderosamente teatral, como la mítica de Der Rosenkavalier de Otto Schenk en su salsa de la Ópera de Viena es una experiencia inolvidable más allá de los extraordinarios protagonistas, la dirección de todo un kapellmeister habitual en el foso vienés como Axel Kober e incluso de una orquesta de sonido lujurioso. Si la función que vi en Dresde justo un año antes con la producción de Uwe Eric Laufenberg, otro hito personal, fue la más straussiana, esta es la representación redonda que uno aspira a disfrutar alguna vez en su vida... sin duda la representación soñada.
§ Grabación | Rusalka de Anton Dvořák, con Asmik Grigorian, David Butt Philip, Aleksei Isaev, Emma Bell, Sarah Connolly, Ross Ramgobin. Coro y Orquesta de la Royal Opera House de Londres. Semyon Bychkov, director musical. Ann Yee, Natalie Abrahami, dirección escénica. DVD, Opus Arte.
Hace dos o tres años, a propósito del DVD de Jenufa protagonizado por la misma soprano en el mismo teatro, confesaba mi fascinación ante el magnetismo que Asmik Grigorian irradia en directo desde que la pude contemplar en señeras producciones de Wozzek, Le Demon, Rusalka o Salome. Un talento el de la completísima cantante-actriz Asmik Grigorian ante el que vuelvo a sucumbir, en este caso, de la mano de su personalísima Rusalka, que ya pudimos disfrutarle en el Teatro Real de Madrid hace cuatro años y que volverá a encarnar en el Liceo barcelonés el próximo mes de junio junto a Piotr Beczala. Semyon Bychkov asegura una versión idiomática y de un inusitado preciosismo orquestal.
PABLO SÁNCHEZ QUINTEIRO, crítico musical | @psanquin
§ Libro | Desierto.
§ Concierto | La Coruña, 25-X-2024, Palacio de la Ópera. Orquesta Sinfónica de Galicia. Violoncello: Johannes Moser. Dirección: Anna Rakitina.
La temporada de la Sinfónica de Galicia nos proporcionó recientemente una de esas raras ocasiones en las que se conjugan tres elementos clave: un solista inspirador, una dirección precisa y visionaria, y una obra de nuestro tiempo de un alto calado emocional e intelectual. Los artífices fueron la batuta de Anna Rakitina, el solista Johannes Moser, junto con el compositor alemán Detlev Glanert, presente en la sala. Juntos dieron vida a una interpretación tan técnica como conmovedora del Concierto para violonchelo y orquesta de Glanert, obra de 2024. La pieza, con su lenguaje contemporáneo e intenso, pero alejado de academicismos y de imposiciones estéticas coyunturales, desafió tanto al solista como a la orquesta, alcanzando momentos de asombrosa introspección y clímax apoteósicos. La dirección de Anna Rakitina fue un pilar fundamental en el éxito de la noche. Su enfoque preciso y su capacidad para mantener el equilibrio entre el despliegue orquestal y la voz solista permitieron que cada detalle de la partitura de Glanert brillara con claridad. Por si fuera poco, en la segunda parte la joven directora elevó a la orquesta con una mezcla de contención y explosividad en la emblemática Quinta Sinfonía de Tchaikovsky. Un nuevo despliegue técnico y emocional que dejó al público sin aliento, y constituyó un ejemplo perfecto de cómo la unión de tradición e innovación, en manos de una de las formaciones más versátiles y brillantes del panorama actual como es la OSG, puede ofrecer niveles de excelencia internacional.
§ Espectáculo escénico | Madrid, 24-III-2024, Teatro Real. Die Passagierin-La pasajera. op. 9, de Mieczyslaw Weinberg. Amanda Majeski [Marta], Daveda Karanas [Lisa], Gyula Orendt [Tadeusz], Stephen Waarts [Tadeusz violinista], Nikolai Schukoff [Walter], Anna Gorbachyova-Oglivie [Katja], Lidia Vinyes-Curtis [Krzystyna], Marta Fontanals-Simmons [Vlasta], Olicia Doray [Ivette]. Coro y Orquesta titulares del Teatro Real. Dirección musical: Mirga Gražinytè-Tyla. Dirección de escena: David Pountney.
La pasajera: una obra maestra de impacto histórico y musical. El Teatro Real ha sido el responsable de mi momento operístico más deslumbrante del año con una producción que a mi juicio trasciende ejemplarmente los límites de la ópera tradicional. La pasajera de Mieczysław Weinberg no solo nos sumerge en el sombrío legado del Holocausto, sino que al mismo tiempo redefine las posibilidades expresivas del género operístico. La impactante puesta en escena de David Pountney logra, con su magistral diseño visual y narrativo, entrelazar dos mundos aparentemente opuestos: la opulencia de un transatlántico y la crudeza de los campos de concentración. Esta dualidad, llevada a escena con una precisión técnica y artística encomiable, se traduce en una experiencia emocional que no puede dejar a nadie indiferente. En el plano musical, la partitura de Weinberg destaca por una orquestación intensa y un lenguaje descarnado, que huye de la grandilocuencia para centrarse en la humanidad de los personajes. La interpretación orquestal bajo la batuta de Mirga Gražinytė-Tyla fue impecable, logrando un equilibrio sonoro extraordinario entre las demandas emotivas y las complejidades tímbricas de la obra. El elenco vocal, liderado por Amanda Majeski como Marta y Daveda Karanas como Lisa, ofreció escenas profundamente conmovedoras, mientras que el Coro del Teatro Real añadió una dimensión coral de tragedia griega, reforzando la carga dramática de la ópera. Más allá de su excelencia artística, gracias a esta abrumadora producción, La pasajera se consolida como un testimonio vivo de la capacidad del arte para enfrentar los horrores de la historia con valentía y sensibilidad. Una producción que sin duda, no solo permanecerá en el repertorio, sino que culminará en referenciales registros discográficos y videográficos.
§ Grabación | Gustav Mahler: Sinfonía n.º 6. Sir Simon Rattle: Symphonie-Orchester des Bayerischen Rundfunks. BR Klassik.
La Sexta Sinfonía de Mahler ha sido, para Simon Rattle, una de las obras más emblemáticas de su carrera discográfica. Contamos con la suerte de disfrutar de su temprana grabación con la Filarmónica de Berlín, que marcó su debut con la formación, seguida por una posterior versión de estudio con la City of Birmingham Symphony Orchestra y, más adelante, un nuevo registro berlinés al final de su etapa con la Filarmónica. En este momento de su trayectoria, la nueva grabación con la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara (BRSO) se erige como un fiel reflejo de su esplendor creativo actual, consolidando su legado con esta prestigiosa formación. Sir Simon Rattle logra un relato magistral de los altibajos emocionales y las visiones aterradoras que recorren la obra, con una conducción rítmica fantástica y un enfoque implacable en los golpes de martillo que simbolizan el destino, sabiamente subrayados por la furia de trompetas y trombones. Los pasajes más líricos, nos llevan en esta versión hacia la esencia de la Segunda Escuela de Viena. Comparada con interpretaciones icónicas de Bernstein y Tennstedt, esta grabación se une a ellas como una de las mejores recomendaciones por su intensidad y profundidad artística.
Fotografía: Javier del Real/Teatro Real.
DAVID SANTANA CAÑAS, musicólogo y crítico musical | @DSantanaHL
§ Libro | Desierto.
§ Concierto | Tristán e Isolda, II acto, de Richard Wagner. Orquesta Sinfónica de Düsseldorf. Director: Adam Fischer.
Si en algo he insistido este año, es que Aragón tiene un grave problema con las producciones propias y la promoción del talento local. Sin embargo, eso no significa que no se puede escuchar en Zaragoza música de la más alta calidad. El Auditorio de Zaragoza, que desde este año recibe también el nombre de la heredera de la corona, ha celebrado este 2024 su 30.º aniversario con una serie de conciertos de alto copete. Entre ellos, me gustaría destacar el que llevó a cabo la Orquesta Sinfónica de Düsseldorf el pasado mes de marzo. Un concierto en el que cuerdas y metales sonaron como nunca y Adam Fischer regaló al público maño una lección magistral de dirección wagneriana.
§ Espectáculo escénico | Madrid, X-2024, Teatro de la Zarzuela. Marina, de Emilio Arrieta.
Isamay Benavante inauguró este 2024 su primera temporada al frente del Teatro de la Zarzuela con una nueva producción encargada a Bárbara Lluch de la clásica zarzuela Marina, de Emilio Arrieta. La directora catalana estuvo, sin duda, a la altura, presentándonos una escena que fue toda una muestra de cariño hacia la ópera, hacia el libreto y hacia el público también. Una excelente elección de voces que ya habíamos tenido oportunidad de escuchar en el coliseo madrileño en anteriores ocasiones: Ismael Jordi, Sabina Puértolas, Juan Jesús Rodríguez y Rubén Amoretti, se compenetraron para arrancar esta temporada con todo un brindis a nuestra ópera patria y a uno de los teatros más peculiares del mundo.
§ Grabación | Dmitri Shostakovich: Complete String Quartets, vol. 1. Cuarteto Casals. Harmonia Mundi.
En noviembre de este 2024 vio la luz la primera de las entregas de la integral de los quince cuartetos de Shostakovich que se dispone a grabar el Cuarteto Casals. Será éste, también, el último disco en el que escucharemos al violista Jonathan Brown, que ha abandonado la agrupación y será sustituido en los siguientes volúmenes por la madrileña Cristina Cordero. La calidad de la grabación está a la altura de lo que nos tiene acostumbrado el sello Harmonia Mundi. Destaca el equilibrio en el volumen entre las distintas partes que nos permite admirar hasta el más mínimo detalle la arquitectura de unos cuartetos con una importante carga intelectual en consonancia con su belleza. Debo recomendar especialmente la escucha del Cuarteto n.º 2 en la mayor, op. 68, del cual los del Cuarteto Casals han sabido reflejar todos sus matices: desde la irónica obertura hasta el reflexivo tema con variaciones.
§ Libro | ¿Por qué Beethoven?, de Norman Lebrecht. Título original: Why Beethoven? A Phenomenon in 100 Pieces. Traductora: Bárbara Zitman. Alianza Música.
Periodista musical londinense (1948), especializado en música clásica, propietario del blog Slipped Disc. Lebrecht ha trabajado como columnista para The Daily Telegraph y como editor asistente para el London Evening Standard. Ha presentado programas en BBC Radio 3 y ha escrito 12 libros sobre música, así como dos novelas. El libro fabula sobre qué pasaría si no existiera Ludwig van Beethoven, por lo que contemplaríamos un universo musical radicalmente distinto. Se describe pormenorizadamente quién fue este titán, no sólo de la música, sino de la cultura mundial. A través de un centenar de breves capítulos, cada uno dedicado a alguna de sus obras clave, se traza un retrato multiforme donde se refleja su carácter ingobernable, ofensivo, desesperado…, aunque también sensible y, por supuesto, siervo de su arte. También se narran hechos de su vida cotidiana como su gran preocupación por el dinero y sus interminables batallas con los editores. Por supuesto, se analiza la influencia que Beethoven tuvo sobre otros grandes músicos que le han sucedido, en muchos casos trascendiendo a todos ellos (y casi ninguno de ellos aclamado de forma tan mayoritaria como lo fue el sordo de Bonn), por lo que no hay duda de que Beethoven y su obra continuarán como piedra angular del mundo musical y artístico moderno.
§ Concierto | Madrid, 30-X-2024, Auditorio Nacional de Música. Ibermúsica. Concierto B2. Serie Barbieri. Séptima sinfonía de Gustav Mahler (1860-1911). Tonhalle-Orchester Zürich. Paavo Järvi, director.
El Ciclo de Ibermúsica en Madrid nos ofreció la Sinfonía n.º 7 de Gustav Mahler, o «Canción de la noche», ya que la obra propone un viaje -humano, pero trascendente- de la oscuridad a la luz, teniendo como protagonista a la Tonhalle-Orchester Zürich y a su director musical, Paavo Järvi (Tallin, 1962), ensalzado por su habilidad para combinar tradición y modernidad, como figura reconocida por el dominio de un extenso repertorio, al igual que ocurre con su orquesta, cuya historia data de 1895. Fue el propio Mahler el que sentenció que «en la partitura está todo, menos lo esencial», por lo que desentrañar aquello que va más allá, es lo que realmente se busca por cualquier director que se precie. Es este el caso Järvi, que goza de la fama de un enfoque profundo de las partituras, que además es transmitido a las orquestas que dirige, exhibiendo una técnica de dirección eficiente, clara y natural. La Séptima no es una obra fácil de entender, ni de interpretar ni –por supuesto– de dirigir, dada su compleja estructura –que para ciertos gustos resulta poco apetecible o enrevesada–, con una orquestación muy nutrida, plagada de continuos contrastes dinámicos y cambios de tiempo, con transiciones sutiles, pero en las que no se puede perder la fluidez ni la consistencia estructural. Por contraposición al resto de movimientos –y por empezar por algún sitio–, es necesario remarcar el carácter de cada uno de los dos movimientos intermedios en forma de nocturnos –Nachtmusik–, que en realidad son bastante distintos entre sí, ambos apoyados sobre la especial tímbrica que aportan la guitarra y la mandolina. Järvi entendió el primero –Allegro moderato– como genuinamente pastoral, bucólico, luminoso, con imágenes de la naturaleza reforzadas con trinos de pájaros y trompas de caza. El segundo –Andante amoroso–, destiló un regusto más romántico, más refinado, remarcado con apacible lirismo. Su interpretación nos resultó de lo más sugerente.
El primer movimiento, Langsam – Etwas weniger langsam – Nicht Schleppend [Lento – Un poco menos lento – No arrastrado] fue ejecutado en una ambientación misteriosa en la que no se cargaron las tintas sobre un sonido en exceso timbrado, pero sí con sutiles contrastes, ni siquiera por la presencia de la trompa tenor, sino que se priorizó la transparencia instrumental de las secciones en cuanto a la tímbrica y el empaste resultante que fueron capaces de ofrecer. El tercer movimiento, Scherzo. Schattenhaft [Scherzo. Fantasmagórico], quizá fue el más desafiante de toda la sinfonía. Järvi se centró en que todo se moviera en una estética sombría –incluso los pizzicati–, potenciando el uso de la percusión como recurso para la sorpresa o la desestabilización sonora, aunque lejos de ser «aterradora» en el sentido más crudo de la palabra. Muy bien delineados estuvieron el ritmo y la articulación, que también contribuyeron a esa ambientación irreal o supra natural. El último movimiento, Rondó-Finale, como contraste absoluto, fue en verdad brillantísimo y festivo, aprovechando a voluntad toda la paleta de colores de la orquesta, imprimiendo un fuerte carácter energizante por un aumento ostensible del volumen sonoro, en donde vientos y metales sonaron ampulosos. Como corolario, podemos concluir en que frente a otras versiones de esta misma sinfonía, basadas más en el efectismo interpretativo, los volúmenes desmedidos y la falta de recato en las tímbricas, nos encontramos en la versión de Järvi con unas coordenadas basadas en la transparencia, la claridad de las texturas y la tímbrica –más allá de la de los instrumentos solistas–, ingredientes todos ellos más fieles al estilo compositivo de Mahler, que normalmente prima la narrativa y la experimentación musicales, el control de las emociones y la búsqueda de la expresividad.
§ Espectáculo escénico | Desierto.
§ Grabación | Atys, ópera de Jean Baptiste Lully y libreto de Philippe Quinault. Reinoud Van Mechelen como Atys [tenor], Marie Lys como Sangaride [soprano], Judith Van Wanroij como Cybèle [soprano], Céline Scheen como Flore y Sangaride [soprano], Apolline Raï-Westphal como Melpomène y Mélisse [soprano], Gwendoline Blondeel como Iris y Doris [soprano], Kieran White como Zéphyr y Le Sommeil [tenor], Nick Pritchard como Morphée [tenor], Antonin Rondepierre como Phantase [barítono], Olivier Cesarini como Le Temps, Le Fleuve Sangar y Phobetor [barítono], Philippe Estèphe como Célénus [barítono], Romain Bockler como Idas [barítono], Vlad Crosman como Un Songe Funeste [bajo]. Choeur de Chambre de Namur, Les Talens Lyriques. Director: Christophe Rousset. Château de Versailles Spectacles.
La ópera fue estrenada el 10 de enero de 1676 en Saint-Germain-en-Laye, una tragédie en musique basada en el poema Fastos, de Ovidio. Atys fue la ópera favorita del rey Luis XIV, quien se identificaba con los personajes de la obra. La trama gira en torno a Atys, un pastor que se enamora de Sangaride, hija de un dios del río, aunque ella está prometida al rey de Frigia, Celeno. La diosa Cibeles también está enamorada de Atys, para complicación de la historia. La ópera es conocida por su escena del sueño en el tercer acto, donde Atys es inducido a un profundo sueño mientras un grupo de instrumentistas y cantantes narran la acción, creando un ambiente fantástico y melancólico. La versión está muy compensada debido en parte a la gran cantidad de personajes que intervienen, no habiendo desequilibrios en las calidades vocales de los intérpretes. Se percibe una gran fluidez del discurso dramático y un buen balance de los volúmenes y los timbres entre la rica orquestación de Lully, los solistas y el coro. Los momentos dramáticos y otros más coloristas están muy bien diferenciados y nunca hay momento para que nada quede en tonos desmedidos. Los recitativos resultan realmente expresivos y los coros y danzas resultan auditivamente muy vistosos.
§ Libro | Despacio el mundo, de Ramón Andrés. Editorial Acantilado. 400 páginas.
«Templar una nota es algo más que alcanzar el sonido exacto. Lo que en alemán se entiende por Stimmung no sólo expresa afinación, sino también un estado, una condición, un reposo, un sentimiento, una atmósfera. Una cuerda que resuena no tanto expande como recoge, no tanto emite como inclye». ¿Es posible confeccionar todo un ensayo de cuatro cientas páginas sobre el acto de afinar un instrumento? ¿Y si además se relaciona con la representación gráfica del acto en la historia de las artes plástica? Esto es lo que hace aquí Ramón Andrés, en un nuevo acto de erudición envuelto en una escritura amena, aunque en absoluto carente de enjundia y profundidad. Un texto admirable, que logra abrazar al lector y transportarle a un mundo de siglos atrás, con una red de referencias a otras disciplinas, humanísticas y científicas, tan bien trabada que no deja de sorprender. A través de algo más de cincuenta obras pictóricas, especialmente de los siglos XV al XVIII, aunque no sólo, Andrés traza este catálogo de la afinación, logrando que resulte casi adictivo. Un libro tanto de consulta como para devorarlo, dependerá del lector, que además incluye un apartado de cien páginas con docenas de imágenes extra en color, para apreciar con detalle muchas imáganes en las que el acto de afinar aparece representando. Y son tantas, que realmente resulta sorprendente.
§ Concierto | Otro año, florece en mí la sensación –más bien una certeza– de que exceptuando hitos muy puntuales, las grandes propuestas de las instituciones que apuestan por los grandes nombres vuelven a quedar en un segundo plano cuando llega el momento de seleccionar lo mejor de este 2024, en el que los conciertos de agrupaciones menos transitadas y con repertorios menos habituales han protagonizado las veladas más memorables. Y este año debo mencionar a un nombre protagonista, pues se ha alzado por encima de las demás autores con su descomunal ingenio. Me refiero a Marc-Antoine Charpentier, compositor francés de la segunda mitad del XVII, que parece que al fin va encontrando algo de acomodo en nuestros escenarios. Destaco a continuación dos actuaciones en directo protagonizadas por su música.
Madrid, 15-II-2024, Basílica Pontifica de San Miguel. Festival Internacional de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid. Marc-Antoine Charpentier: Emoción y dramatismo en el Siglo de Oro francés.
La edición 2024 del Festival Internacional de Arte Sacro [FIAS], que es casi una obligación a destacar cada año, celebró su inauguración con monográfico Charpentier en manos de una de las agrupaciones más destacadas en el historicismo español del último lustro: El Gran Teatro del Mundo. Un apabullante programa confeccionado, con sabia y certera mano, por Julio Caballero, líder de esta agrupación desde el clave, conformado por una selección de su tragedia bíblica David et Jonathas, H. 490, junto a algunas obras sacras como Litanies de la Vierges, H. 84, el Magnificat, H. 73 y Luctus de morte Augustissime Maria Theresiae Regina Galliae, H. 331. Contando con tres excepcionales voces solistas, como fueron los haute-contres Cyril Auvity y Gabriel Belkheiri –fascinante mixtura entre experiencia y juventud–, además del barítono Lisandro Abadie, todos ellos excelentes conocedores del lenguaje musical francés y del arte de la ornamentación, confeccionaron vívidas y muy dramáticas interpretaciones, auspiciadas por un acompañamiento orquestal vibrante y de un exquisito trabajo tímbrico y grupal. Probablemente, como dije en su día, la mejor inauguración que se recuerda en la historia de este festival.
Zamora, 5-IX-2024, Iglesia de San Cipriano. Ciclo Músicas Cercadas 2024. Marc-Antoine Charpentier: Leçons de ténèbres.
Qué bonito es acudir a cualquiera de las provincias de la periferia cultural española, porque sí, existe vida musical más allá de la capitalidad del estado. Y si hay una provincia que sabe de esto, no es otra que Zamora, ciudad que acoge además un patrimonio artístico y cultural que siempre es necesario conocer. Tras un primer intento muy exitoso hace un par de años, se retomó la realización de un ciclo denominado Músicas Cercadas, que tiene a las músicas históricas como epicentro. Este año, su director artístico, Alberto Martín –al que algunos recordarán por liderar años atrás un festival referencial bajo el nombre de Pórtico de Zamora–, planeó una programación casi íntegramente de Barroco francés, bien sea por los artistas que acudieron, bien por el repertorio interpretado. Uno de los cuatro conciertos del ciclo –condensado en cuatro conciertos entre la noche del viernes y el mediodía del domingo– llegó de mano de uno de los conjuntos especializados en el repertorio más importantes a nivel mundial, el Ensemble Correspondances que dirige su fundador Sébastien Daucé. En programa, algunas de las numerosas Leçons de ténèbres que compuso Charpentier, en este caso las que requieren varias voces masculinas. Un programa de tanta hondura expresiva y exquisitez interpretativa, que tuvo al público pegado al asiento casi sin respirar de inicio a fin de la velada. El poder de Correspondances está sin duda en el grupo sobre las individualidades, pero ambos factores se complementan muy bien. Todo ello servido con un rigor y conocimiento del repertorio absolutamente impoluto. Muy pocos conjunto en el mundo hacen un Charpentier como el suyo, en lo que fue sin duda el punto álgido de un fin de se semana absolutamente memorable en la hermosa ciudad castellana.
§ Espectáculo escénico | Madrid, 8-VI-2024, Teatro Real. Médée, H. 491 de Marc-Antoine Charpentier.
Rara vez suelo destacar entre lo mejor del año un espectáculo escénico en el Teatro Real, pero dado que este ha sido sin duda el año Charpentier, no podía obviar la excepcional Medée que el ya octogenario William Christie llevó a cabo al frente de sus legendarios Les Arts Florissants. Se trata de su única ópera conservada, una absoluta obra maestra que debería estar en cartel en los diversos teatros del mundo cada temporada. Acudió Christie rodeado de una de esas orquestas tan imponente como pocas veces pueden escucharse en repertorio barroco en nuestro país, pero sobre todo con un elenco absolutamente impresionante liderado por una Véronique Gens en estado de gracia –¡qué Médée la suya!–. La acompañó una pléyade de cantantes de probada calidad y buenos conocedores del repertorio, como el haute-contre Reinaud van Mechelen, el barítono Marc Mauillon, la soprano Emmanuelle de Negri o las voces grandes de Lisandro Abadie y Cyril Costanzo, entre otros, ademas de jóvenes talentos como la excelente soprano portuguesa Ana Vieira Leite. Una versión semiescenificada en la que, contando con apenas unos pocos recursos, la escena de Marie Lambert-Le Bihan y el trabajo de iluminación impresionante de Fiammetta Baldiserri, lograron construir un entorno dramatúrgico tan eficaz como descriptivo. Una versión plena de dramatismo la confeccionada por Christie, con una sonoridad orquestal imponente y un coro verdaderamente impecable en sus intervenciones. Sin cortes innecesarios, regalaron a los asistentes más de tres horas de pura tragédie-lyrique barroca.
§ Grabación | Cuando uno escucha más de cuatrocientas grabaciones cada año, sin duda este apartado se convierte en el más exigente a la hora de confeccionar una elección tan reduccionista. Por eso, no puedo menos que seleccionar al menos dos grabaciones de entre las muchas que podrían resultar merecedoras de estar entre lo más destacado de este 2024.
Bajo el nada enigmático título de Music in Golde-Age Florence: 1250-1750, dos agrupaciones como La Morra y Theatro dei Cervelli, dirigidas por Corina Marti y Michał Gondko y Andrés Locatelli, respectivamente, confeccionan este recorrido por buena parte de la historia musical de una ciudad tan relevante para la misma como Firenze. Una visión tan interesante como enjundiosa, de buena parte de la magníficencia creadora de esta ciudad, tan destacada como lo fue en períodos como el Trecento y el Quattrocento, pero no sólo. Agrupaciones muy especializadas ambas, que conocen muy bien el repertorio, se dividen las interpretaciones, quedando La Morra para las obras medievales y del Renacimiento temprano, mientras que Theatro dei Cervelli se encarga del pleno Renacimiento y del período barroco. Por su parte, el excelente clavecinista Francesco Corti se encarga de tocar a solo algunas piezas para clave y órgano, una aportación tan necesaria como substanciosa. Ramée, sello de enorme calidad artística –perteneciente al grupo Outhere– que cuida mucho el diseño y su contenido, añade un excelente y extenso texto de Anthony M. Cummings que ayuda a comprender la historia musical florentina a lo largo de cinco siglos.
La música para consort de violas sigue siendo un nicho poco valorado por la discografía. Por eso, la reciente grabación del Ricercar Consort, agrupación belga liderada por el violagambista Philippe Pierlot, para el preciosista sello Mirare supone una excelente aportación y una plasmación brillante de la enorme calidad que dentro de estos repertorios presenta uno de los más imponentes, el consort of viols desarrollado en las islas británicas en el Renacimiento tardío y a principios del Barroco. Obras de autores como Thomas Tomkins, Charles Coleman, John Bull, John Ward, Thomas Brewer y, sobre todo, William Lawes, una de las figuras más destacadas del repertorio, transitan por esta grabación en la que Pierlot se rodea de una pléyade de excelentes mujeres gambistas, jóvenes talentos como Lucile Boulanger, Myriam Rignol, Anna Lachegyi o Clémence Schiltz, muchas de las cuales están llamadas a liderar la interpretación violagambística en los próximos años, a quienes acompaña Mathias Ferré, además del órgano de Maude Gratton. Hay en este Distracted Tymes –maravilloso título, tomado de una Pavan de Tomkins– un excelso recorrido por el consort de violas inglés en tiempos de los Estuardo, impecablemente traducido a sonido por estos intérpretes y nítidamente grabado por Aline Blondiau en la ingeniería de sonido y dirección artística. Muy interesantes notas al programa, además de una exquisita portada de corte prerrafaelita, completan un disco tan refinado como necesario.
§ Libro | El caso Furtwängler. Un director de orquesta en el Tercer Reich. Audrey Roncigli. Traducción de Gabriela Torregrosa. Editorial Fórcola.
De entre los libros que he leído en 2024 destaca éste por la relevancia del tema y su calidad. Furtwangler es uno de los más importantes directores de la historia de la música por su influencia. Que sepamos, es la única biografía completa en español sobre este genial maestro de la orquesta sinfónica y compositor, un libro que, de forma amena, con rigor y cierta profundidad filológica, se ha convertido en una publicación crucial que todo gran aficionado a la música debería tener en su biblioteca para calibrar la importancia del hombre y del artista.
§ Concierto | Avilés, 26-V-2024, Centro Niemeyer. Ciclo Suena la Cúpula. Misha Dacić, piano. Doce estudios de ejecución trascendental de Franz Liszt.
No es la primera vez que reivindicamos la figura de Misha Dacić como uno de los más importantes artistas vivos. El concierto ofrecido en mayo de 2024 en el Centro Niemeyer de Avilés, en un ciclo modesto, en un espacio de acústica imposible, adquirió a nuestro ojos una relevancia inusitada. El milagro artístico se produjo por varios motivos. El primero es la poética de Misha Dacić ante los famosos Estudios trascendentales de Liszt, partituras sólo al alcance de pocos pianista que, en sus manos, adquieren una imagen sofisticada y atravesada por ciertas ideas universales que nos hablan del hombre desde un púlpito y una grandeza inusuales y de especial valor hoy. Asistir al recital de Avilés, en aquellas circunstancias, con aquella propina, fue, para el que escribe, una experiencia artística muy personal y profunda, reflexiva, reveladora e incomparable.
§ Espectáculo escénico | Desierto.
§ Grabación | András Schiff. Complete Decca Recordings. Decca.
Se trata de una colección de 80 CDs que reúne todas las grabaciones de Andras Schiff para Decca, versiones magistrales de partituras para piano de Bach, Beethoven, Schubert, Schumann, Mozart, Haydn, Brahms, Chopin, Debussy, Ravel y Bartók de un artista histórico.
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