Crítica: Masaaki Suzuki con la Sinfónica de Castilla y León

Entre la precisión formal y la emotividad 

Por Agustín Achúcarro
Valladolid, 7-V-2026. Sala Sinfónica Jesús López Cobos del Auditorio. Orquesta Sinfónica de Castilla y León. Dirección: Masaaki Suzuki. Obras: Suite para orquesta nº3 en re mayor, BWV 1068, Sinfonía nº25 en sol menor, K.183 de Mozart y la Sinfonía nº5 en re mayor, op. 107, «Reforma» de Mendelssohn.

   Masaaki Suzuki dirigió a la Orquesta Sinfónica de Castilla y León después de dos lustros, y lo hizo con obras que conoce perfectamente, y que han sido la base de su carrera, especialmente en lo que se refiere a la de Juan Sebastián Bah. Este compositor ha sido fundamental para Suzuki desde que fundó el Bach Colegium Japan, allá por el año 1990. 

   El director mantuvo durante todo el concierto un sonido afinado, transparente, diáfano, con una articulación siempre dúctil, y un pulso inquebrantable y constante. Bazas que le permitieron realizar versiones exitosas, tanto de la Suite para orquesta nº3 en re mayor de J.S. Bach, como de la Sinfonía nº25 de Mozart, y la de la Reforma de Mendelssohn.

   Su Bach consiguió adaptarse a los requisitos de una orquesta actual, sin las características propias de las formaciones historicistas, y lo consiguió con una acentuación bien sustentada en los timbres del metal. Se puede argüir que hubo ciertos sonidos algo excesivos, en particular en la Obertura inicial, de la misma forma que se puede argumentar que no repercutió en el equilibrio de la interpretación, y que ésta ganó en timbre y coloración. En todo caso una participación relevante, empezando por el solista de trompeta Roberto Bodi, con un segundo tema en el que director e instrumentistas pusieron en valor su carácter fugado. Expresiva la cuerda en el Aria, que tanta fama le han dado fuera de su ámbito diversas transcripciones, no siempre logradas. Muy equilibrado el jovial ritmo de las Gavotte I y II, y espléndidamente articulado el contrapunto de la Bourrée. Magnífica la labor desempeñada por el contrabajo Tiago Rocha, algo que fue una constante.

   En la Sinfonía nº25 de Mozart, el cambio de sociedad, la manera de entender la música, el peso del ideario ilustrado, es evidente; y en particular, en lo que se refiere a sus movimientos extremos. En el primer tiempo, Allegro con brio, surgen las emociones por encima del canon sujeto a los limites formales, y Suzuki supo captarlo en su justa medida, sin caer en la idea de hacer una suerte de versión exagerada, pero aplicando una tensión continua y continuada, con una articulación vivaz. Durante toda la obra, director y orquesta se mantuvieron atentos al resultado colectivo, sin por eso minimizar el protagonismo de las diversas secciones, con una conjunción clara en los diálogos de las maderas. El Andante se interpretó como una voz que canta, y a los Minuetos se les otorgó esa chispa que evita que puedan resultar convencionales o triviales. En el movimiento conclusivo, orquesta y director volvieron al ámbito generado en el movimiento inicial.

   Con la Sinfonía nº 5 de Mendelssohn, Suzuki llevó la música a un alto nivel, en base a esa idea que mantuvo todo el concierto, no solamente de equilibrar fondo y forma, sino de sustentar la una en la otra y que se retroalimentaran. Unido esto a muchos detalles, como la manera de abordar ciertos crescendi en el inicio, la forma de insertar el Amen de Dresde, afrontar pasajes plagados de contrastes o estar pendiente de la coloración orquestal. En el final, cómo no, reseñar el solo de flauta que realizó Pablo Sagredo. La base del Coral luterano llevó a un final de conjunción y poderío orquestal total. 

   En general, los logros de la dirección de Suzuki en la sinfonía de Mendelssohn pasan por su manera de articular el carácter solemne con otros valores de la partitura, sin que los mencionados anulen al resto. Logros del director que hablan también de una orquesta capaz de transmitirlos.

Fotos: OSCyL