Foto: Javier del Real / Teatro de la Zarzuela

Por Raúl Chamorro Mena
Aix-en-Provence, 12-VII-2026, 22 horas. Teatro del Arzobispo. Espectáculo ideado por Romeo Castellucci que incluye como base el Réquiem en Re Menor K. 626 de Wolfgang Amadeus Mozart junto con fragmentos de otras composiciones de Mozart y otros autores. Mélissa Petit, soprano. Beth Taylor, mezzosoprano. Duke Kim, tenor, Alex Rosen, bajo. Ramy Lazreq, voz blanca.  Coro y Orquesta Ensemble Pygmalion. Dirección musical: Raphäel Pichon. Dirección de escena, escenografía, decorados e iluminación: Romeo Castellucci. Coreografía: Evelin Facchini.

   El protagonismo omnímodo de los directores de escena en el teatro lírico actual ha abonado inmensos egos, que creen situarse por encima de cualquier otro talento incluidos los propios autores de las obras. Romeo Castellucci, que es uno de los considerados más “vanguardista” o “rompedor”, toma como base en este espectáculo que data de 2019 y que se ha podido ver en diversos lugares -incluido el Liceo de Barcelona- una misa de difuntos destinada a interpretarse en ámbito sacro o en su defecto, en una sala de conciertos, para crear una dramaturgia que, nada menos, pretende realizar una reflexión sobre la vida, la muerte y el desarrollo de la humanidad con gran carga simbólica y visual. Como sabemos, el Réquiem de Mozart es una obra inacabada, que concluyó su alumno Franz Xavier Süssmayr, al cual se le suma más música, de Mozart y de otros, incluido canto gregoriano, para llegar a una duración asumible para una velada en un teatro de ópera. En definitiva, aunque el espectáculo se anuncia como Réquierm de Mozart y es su “gancho”, lo que vemos es otra cosa y con una cantidad limitada de música del genial Salzburgués. 

Por Raúl Chamorro Mena
Aix-en-Provence, 12-VII-2026, 17:00 horas. Gran Teatro de la Provenza. Festival de Aix-en-Provence 2026. Die Frau ohne shatten - La mujer sin sombra (Richard Strauss). Vida Mikneviciuté (La emperatriz), Michael Spyres (El Emperador), Brian Mulligan (Barak, el Tintorero), Ambur Braid (La Tintorera), Nina Stemme (La nodriza), Jean-Sebastian Bou (el mensajero de los espíritus), Héloïlse Mas (Una voz desde lo alto), Ella Taylor (la voz del halcón). Coro y Orquesta de París. Director musical: Klaus Mäkkelä. Director de escena: Barry Kosky.

   La suspensión por inclemencias del tiempo de La flauta mágica que debía representarse la noche anterior en el Teatro del Arzobispo pone en valor la iniciativa de Stephan Lissner, a finales de los noventa, de construir para el Festival un teatro bajo techo y con mayores capacidades para óperas de gran formato.

   Un ejemplo de gran formato es, sin duda, La mujer sin sombra, cuarta ópera y especie de modelo culminante de la fructífera colaboración entre Richard Strauss y el libretista Hugo von Hofmansthal. Se trata de un texto de profunda complejidad y carga intelectual y simbólica, -quizás demasiada - en la búsqueda de una "moderna flauta mágica", que consagra el triunfo del amor después de diversas pruebas, así como la compleja evolución de, especialmente, los dos personajes femeninos protagonistas. Asimismo, la combinación entre el mundo psicológico - Freudiano, el fabulesco y el real junto a la que probablemente sea la orquestación más fascinante de la historia de la ópera, dan como resultado una creación singular, grandiosa, irresistible.

   El jovencísimo y talentoso Klaus Mäkkelä está dando sus primeros pasos en la ópera y para ellos ha elegido obras nada fáciles y con orquestaciones tan complejas como suntuosas. Lo cierto es que, tanto en El castillo de Barbazul de ayer como en La mujer sin sombra que aquí se reseña, el finlandés me ha causado mucha mejor impresión que en sus dos conciertos sinfónicos de Madrid en el ciclo Ibermúsica.

Por Alba María Yago Mora
Valencia, 10-VI-2026. Palau de la Música. Orquesta de Valencia. Martín Baeza-Rubio, director. Jacquelyn Wagner, soprano. Obras de Vincenzo Bellini, Giuseppe Verdi, Manuel de Falla, Fco. Asenjo Barbieri, Amadeo Vives, Pablo Luna, Richard Wagner y Richard Strauss. 

   No siempre la abundancia juega a favor. Reunir en un mismo programa algunas de las páginas más célebres de Bellini, Verdi, Falla, Wagner o Richard Strauss parecía, sobre el papel, una apuesta difícil de rechazar. Sin embargo, el atractivo individual de cada obra no terminó traduciéndose en una experiencia de concierto plenamente cohesionada. 

   La sensación de asistir a una sucesión de números independientes se vio reforzada por los constantes cambios de plantilla entre unas obras y otras. Más allá de la logística, estas interrupciones fragmentaron el desarrollo natural del concierto y acabaron afectando a su continuidad. La primera parte transcurrió con ligereza, pero la segunda terminó prolongándose más de lo deseable, no tanto por su duración como por la dificultad de mantener una tensión dramática sostenida en un programa concebido desde la yuxtaposición de estilos tan diversos.

   Jacquelyn Wagner fue el principal atractivo de la velada y confirmó una trayectoria vocal de indudable solidez. Sin embargo, el propio programa permitió comprobar con bastante claridad cuál es el repertorio en el que su voz encuentra hoy una expresión más plena. Tanto Casta Diva como el Ave Maria de Otello fueron abordados con seguridad técnica y musicalidad, aunque sin la naturalidad idiomática que exige el gran repertorio italiano. Algo parecido ocurrió en las páginas españolas, correctamente resueltas, pero menos orgánicas desde el punto de vista estilístico. Fue con Richard Strauss donde el concierto encontró su verdadero centro de gravedad. Tanto la escena final de Arabella como, especialmente, el desenlace de Salomé situaron a Jacquelyn Wagner en un territorio plenamente reconocible. Strauss exige una voz capaz de sostener una enorme tensión dramática sin renunciar al lirismo, y fue precisamente ahí donde la soprano desplegó sus mejores recursos. El timbre ganó en riqueza, el fraseo adquirió una libertad mucho mayor y la construcción del personaje alcanzó una intensidad que apenas había aparecido en las páginas anteriores. 

Por Raúl Chamorro Mena
Aix-en-Provence, 11-VII-2026. Grand Théâtre de Provence. Festival de Aix-en-Provence 2026. A kékszakállú herceg vára - El castillo del duque Barbazul, op. 11, Sz. 48 (Béla Bartók). Gerald Finley (Barbazul), Irene Roberts (Judit). Orchestre de París. Director: Klaus Mäkkelä. Versión concierto.

   Después de la magnífica experiencia del pasado año, me esperaba, en principio, un programa intensivo en mi regreso al Festival de Aix-en-Provence. Un total de cuatro eventos musicales en dos días consecutivos. Si bien, las condiciones atmosféricas redujeron los espectáculos a tres.

   Aunque en sus inicios, este prestigioso Festival estuvo centrado en las obras de Mozart, con los años se fue abriendo a otros repertorios. Incluido el siglo XX al que pertenece El castillo de Barbazul, la única ópera de Béla Bartók estrenada en 1918. El libreto de Béla Balasz se basa en el cuento de Perrault, pero especialmente en la adaptación de Maurice Maeterlinck que dota a la historia de enormes dosis de simbolismo. Judit ha dejado a su prometido y su familia por amor al Duque Barbazul. Fascinada por el misterio que le rodea y la leyenda que afirma ha asesinado a sus anteriores esposas, le acompaña a su lóbrego castillo, que carece de ventanas y balcones, sólo hay siete puertas totalmente cerradas. La mujer, curiosa, rebelde y resolutiva, además de enamorada y fascinada por la idea de redimir al Duque, exige que le entregue las llaves, seis de plata y una de oro. Te amo y por tanto, ábreme las puertas.

Bien cuidada recuperación

Por Raúl Chamorro Mena
Aranjuez, 10-VII- 2026, Teatro Real Carlos III. Festival Ópera a quemarropa de la CAM. Pericca e Varrone - La dama spagnola e Il cavalier romano (Alessandro Scarlatti). Sandra Ferrández (Pericca), César San Martín (Varrone). La Madrileña. Dirección musical y clavecín: José Antonio Montaño. Dirección de escena: Ignacio García.

   El muy interesante ciclo Ópera a quemarropa de la Comunidad de Madrid alcanza su tercer año de actividad dedicado a piezas de teatro lírico de cámara, que se ofrecen en bellos y coquetos recintos de Alcalá de Henares, Aranjuez y San Lorenzo de El Escorial. Ciudades, todas ellas, declaradas Patrimonio Mundial por la UNESCO.

   El Intermezzo fue un género muy popular en el barroco italiano. Se trataba de breves piezas cómicas de tono paródico, que se insertaban en los intervalos de las largas óperas serias y que servían para contrastar la tensión dramática con la intervención, además, de personajes sencillos, procedentes de la vida cotidiana.

   Pericca e Varrone sobre texto atribuido a Niccolò Serino obró originariamente de Intermezzo en la ópera seria de Alessandro Scarlatti Scipione nelle Spagne estrenada en Nápoles el año 1714. La música de Scarlatti posee la belleza, empaque y refinamiento marca de la casa, de lo que son buena muestra los hermosos tres interludios, particularmente el segundo de ellos. La ópera seria a la que complementa este Intermezzo cuenta la campaña militar del famoso general Escipión en su conquista de la Hispania, mientras Pericca - dama de compañía de Sofosniba, prometida del general - y Varrone -criado de este último - intentan imitar, más bien parodiar, en su farsa, la historia de amor, elegante y sofisticada, de sus amos. Ella, lanzada, con carácter y tomando la iniciativa, exhibe su españolidad durante la obra, incluido el tratamiento musical y uso del idioma en algunos pasajes, lo cual pone aún más en valor este estreno en España de este Intermezzo.

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OPINIÓN: «ENCOMIO DE ANTONIO GANDÍA». POR AURELIO M. SECO.

   El próximo 19 de julio David Afkham, que deja el cargo de director musical de la OCNE en manos de Kent Nagano, volverá a ponerse al frente de la Orquesta Nacional de España en el Royal Albert Hall de Londres para su primera participación en los BBC Proms con un programa que incluirá partituras de Ravel, Rodrigo y Falla. 

Una entrevista de Agustín Achúcarro
Hablamos con Jesús Herrera, el pianista linarense que acabó dirigiendo su carrera hacia la dirección artística de uno de los más importantes conjuntos de Reino Unido, la Orquesta Filarmónica de Londres. Su paso en la Agencia Intermusica le facilitó llegar a la gerencia de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL), donde en poco tiempo demostró sus elevadas capacidades. Era inevitable que volara pronto y lo hizo de vuelta a Intermusica hasta que un día le llegó la llamada de la Filarmónica de Londres, de la que es actualmente director artístico. Buen reflejo de su valía es esa anécdota que él mismo contaba desde su despacho vallisoletano en la que otros gerentes de diversas orquestas le preguntaban cómo conseguía llevar a la OSCyL a Elin Chang como directora asociada, cuando era casi imposible contratarla. No aclaraba las razones, pero su silencio dejaba entrever que Herrera era un valor diferencial en el mundillo musical. Ahora nos relata cómo vive esa experiencia londinense, con el propósito de que la música transcienda, vaya más allá, y que eso le llegue al espectador.

Fotografía: François Sechet & K. Mihura

Por Álvaro Cabezas
Sevilla, Teatro de la Maestranza. 2-VII-2026. Daniela Iolkicheva (arpa), Marina Heredia (cantaora), Lucas Macías (dirección), Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Programa: El castillo de Almodóvar, suite para orquesta y arpa solo, op. 65 de Joaquín Turina; El amor brujo de Manuel de Falla; y suites nº 1 y nº 2 de El sombrero de tres picos de Manuel de Falla.

   El Consejo de Ministros declaró hace un año la celebración del 150 aniversario del nacimiento de Manuel de Falla «Acontecimiento de Excepcional Interés Público». Precisamente en la web falla150.manueldefalla.com puede encontrarse, con detalle, la información concerniente a todos los actos englobados en esta efeméride (muchos desarrollándose en simultáneo y con evidentes duplicidades), lo que da idea de la vigencia de la que goza la música de Falla actualmente. En ese sentido la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, que lo ha interpretado muchísimo y con éxito, dedicó ayer el primero de sus homenajes al compositor (el segundo y más galano será el doble concierto que ofrecerá en el patio de la Montería del Real Alcázar en octubre), coincidiendo con la clausura de su ciclo de abono. Pero, en un provechoso intento de encuadrar la producción fallera en un ambiente musical consecuente, el programa se abría con un concierto de Joaquín Turina, amigo y discípulo del maestro gaditano, con lo que se clausuraba, también, la II Ruta Turina, un proyecto del Ayuntamiento de Sevilla que ha conseguido la participación de numerosas entidades entre las que se incluyen la propia Sinfónica y el Teatro de la Maestranza. Era, además, una tarde en la que se despedía a tres importantes músicos de la orquesta, a los que se rindió merecido homenaje nada más terminó el tiempo de la afinación: Nonna Natsvishvili (violonchelo) y Marius Mihail Gheorghe Dinu y Alexandru Mihon (violines), dejarán de ocupar sus atriles en la ROSS, después de tantos años de esfuerzo, dedicación y enseñanza. Para despedirse del público maestrante tenían tres piezas puramente españolas, pero que, como ellos, se habían proyectado a la esfera internacional.

   Entre 1705 y 1713, Barcelona vivió una transformación extraordinaria. El archiduque Carlos de Austria, pretendiente al trono español durante la Guerra de Sucesión, instaló en la ciudad su corte real. Barcelona dejó de ser una capital periférica para convertirse en el epicentro de una monarquía con aspiraciones europeas. Este hecho propició una notable internacionalización del ambiente musical, gracias a la presencia de músicos procedentes de diversos lugares —especialmente italianos— que colaboraron con los maestros de capilla locales. La derrota militar, la represión borbónica y el Decreto de Nueva Planta acabaron con las instituciones y la  corte, pero la nueva estética musical no desapareció. El gusto por la música italiana, la ópera y las nuevas formas pervivió en las capillas eclesiásticas y en las casas de la aristocracia. La música que conforma este programa sobrevivió a guerras, a cambios dinásticos y al paso del tiempo: se preservó en los archivos de las capillas y en las partituras de los aristócratas que la apreciaron. Hoy, gracias a esta producción propia del FeMAP, sale de nuevo a la luz para permitirnos escuchar el eco de aquella Barcelona que, por unos años, fue capital de Europa. Se interpretan obras de F. Chelleri, J. Picanyol, F. Valls y autores anonimos.

   La otra propuesta planteada para el fin de semana inaugural en esta edición de su decimoquinto aniversario corre a cargo del trío Caranzalem, conformado por Pilar Almalé [viola de arco, viola da gamba y voz], Elena Escartín [flautas de pico y voz] y Ariana Barrabés [percusión y voz]. Ofrecen el programa titulado Pan y rosas. Más allá de la dualidad. Mujer y música en la Edad Media, que interpretan en las localidades de Tragó y Pesillà de la Ribera los días 4 y 5 de julio. Este programa con repertorio medieval cristiano, sefardí y andalusí explora la figura de la mujer medieval, tan venerada en algunos contextos como temida en otros. En las culturas islámica y judía, la mujer tuvo un papel destacado: en el mundo islámico, las cantoras recibían una formación vocal e instrumental muy elaborada como intérpretes de laúd; en el mundo judío, la mujer vivía más relegada al hogar, lo que no impidió la aparición de poetisas sefardíes que cantaban a la vida con canciones de cuna, de boda o de amor. El programa rinde homenaje y da voz a todas estas mujeres anónimas, fuera cual fuese el papel que se les permitió desarrollar o que les tocó vivir. Todas ellas forman parte de nuestras raíces y de un pasado a menudo injustamente olvidado.

 Foto: Jiyang Chen

Por Pablo Sánchez Quinteiro
Sábado, 30 de mayo de 2026 – Auditorio Fuxan os Ventos, 20:30 h. 53.ª Semana de Música del Corpus – Festival Ciudad de Lugo. Orquesta Barroca Vigo 430. Rachell Ellen Wong, violín y dirección. Amarilis Dueñas, violonchelo. Partituras de Purcell, CPE Bach, Durante y Vivaldi.

   La clausura de la Semana de Música del Corpus - Festival de Música Ciudad de Lugo, nos llevó de vuelta al flamante auditorio Fuxan os Ventos para disfrutar de la participación de la Orquestra Barroca Vigo 430, dirigida desde el violín por Rachell Ellen Wong y con Amarilis Dueñas como solista de violonchelo. La presencia de ambas intérpretes otorgaba al concierto un atractivo añadido: Wong, violinista formada en instituciones como la Universidad de Indiana y la Juilliard School, se ha consolidado como una de las figuras más interesantes de la interpretación históricamente informada en el ámbito internacional, hasta el punto de convertirse en la primera violinista barroca en recibir una Avery Fisher Career Grant. A su lado, Amarilis Dueñas, nacida en Valladolid en 1998, representa una de las voces españolas más interesantes en el terreno del violonchelo histórico y la viola da gamba, con una trayectoria que la ha llevado a colaborar con conjuntos de referencia como Akademie für Alte Musik Berlin, Concerto Köln, B’Rock Orchestra u Holland Baroque. 

   Bajo el título Metamorfosis barrocas, el programa enlazaba una amplia selección de músicas escénicas de Purcell con el Tercer concierto para violonchelo de Carl Philipp Emanuel Bach, el Segundo concierto para cuerdas de Francesco Durante -parcialmente intercalado como segunda obra de la noche-, la Sinfonía en si menor del propio CPE Bach y el Concierto para violín en mi menor RV 278 de Vivaldi. Un prolijo banquete musical que, sin embargo, con los cambios introducidos respecto al programa que se facilitó al público, complicó el poder identificar y seguir con precisión las obras interpretadas.

   La 430 ofreció a lo largo de toda la velada una interpretación llena de sutilezas, contrastes y vitalidad rítmica. Wong dirigió desde el arco con gestualidad clara y comunicativa, integrada plenamente en el conjunto. En las páginas de Purcell destacó la variedad de afectos y la ligereza de la articulación, mientras que Durante y Carl Philipp Emanuel Bach permitieron explorar un lenguaje más nervioso, cambiante y expresivamente audaz. 

   El último concierto de David Afkham al frente de la Orquesta Nacional será en el Royal Albert Hall de Londres el próximo 19 de julio, cita en la que la formación nacional debutará en los famosos conciertos ‘Proms’ de la BBC. La Orden Civil de Alfonso X el Sabio, que se regula por el Real Decreto 954/1988, se destina a premiar a las personas físicas y jurídicas y a las entidades, tanto españolas como extranjeras, que se hayan distinguido por los méritos contraídos en los campos de la educación, la ciencia, la cultura, la docencia y la investigación o que hayan prestado servidos destacados en cualquiera de ellos en España o en el ámbito internacional. El ingreso en la Orden de Alfonso X el Sabio se realiza por iniciativa o decisión del Ministro de Educación y Ciencia y/o a propuesta motivada de los órganos de las Administraciones Públicas, de Entidades, Centros docentes y autoridades o personas individuales. 

Foto: Kaothicalice

Una entrevista de Agustín Achúcarro
«Trabajo, decisiones acertadas y también una cierta dosis de suerte» son para Llorenç Caballero el resumen de las razones por las que se mantiene en IBERMÚSICA, desde que accediera a dirigirla en 2015. Pero, sin duda, detrás tiene que haber otros valores que sustenten su labor en una fundación privada capaz de mantener durante tanto tiempo su proyecto, que implica el que hayan contado con grandes compositores orquestas y solistas. En 1970, Alfonso Aijon fundó IBERMÚSICA en una España con demasiadas carencias culturales, particularmente en la música, y Llorenç Caballero ha sido su continuador, el encargado de seguir esa estela. Sin duda, le habrá ayudado el ser cocinero antes que fraile, el haber pasado como instrumentista por diversas orquestas, y ejercer el puesto de director artístico de la Orquesta de Cadaqués y de la Joven Orquesta Nacional de España. 

De flautista de orquesta a la dirección artística de la Orquesta de Cadaqués ¿Cómo se vive ese cambio? ¿De qué forma varía la manera de ver las cosas?.

Un cambio que llegó sin buscarlo y, de hecho, casi sin darme cuenta. Pasé de ser músico a dedicarme a la gestión. Como era nuevo en ese ámbito y tenía pocos contactos, tuve que invertir mucho tiempo en desarrollarlo. Poco a poco, me fui alejando del oficio de músico y acercándome cada vez más a la gestión musical. 

Llegó a ser delegado de los músicos en la JONDE ¿no es estar de alguna manera en el otro lado de la trinchera?

Fui el primer delegado de la JONDE y representaba a los músicos. No estaba al otro lado, sino con ellos. Esa experiencia me ha acompañado y me ha servido durante toda la vida. 

¿Qué recuerdos tiene de su labor en la JONDE?. 

Tocar en una joven orquesta es una experiencia que te acompaña toda la vida. Recuerdas las obras y los programas que interpretaste como pocos otros. Quizá el hecho de disponer de tiempo, preparar las cosas con calma y ensayar tanto hace que los recuerdes con un cariño especial. 

Por José Antonio Cantón
Murcia, 19-VI-2026. Auditorio Regional ‘Víctor Villegas”. Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia (ÖSRM). Solistas: Javier Perianes (piano). Director: Manuel Hernández-Silva. Obras de Manuel de Falla y Maurice Ravel.

   Coincidiendo con el último concierto de temporada, la Fundación Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia ha nombrado nuevo Director Musical y Artístico de la ÖSRM al maestro hispano-venezolano Manuel Hernández-Silva para las próximas temporadas a resultas de los éxitos obtenidos en su mutua colaboración durante los dos últimos años, hecho que está generando la máxima expectación como se pudo apreciar en los comentarios unánimes al respecto de los aficionados, y que además tuvo su refrendo en el resultado de esta actuación, una de las más brillantes de este ciclo, sustentado en un programa con obras de alto virtuosismo orquestal.

   La noticia significó todo un estímulo para el resultado final de la actuación, en la que se pudieron disfrutar de las afinidades estilísticas de dos de los más relevantes compositores del siglo XX como fueron Falla y Ravel. Para esta ocasión se contaba con la participación del pianista onubense Javier Perianes, con el que Hernández-Silva se entiende a la perfección desde que convergieran sus carreras hace cinco lustros en Córdoba. En este sentido la expectación era máxima dada la identificación artística y musical entre ambos en un repertorio de alto virtuosismo técnico y conceptual, que llevó a que se pudiera disfrutar del arte de la concertación musical en alto grado de distinción.

   Observando el enfoque armónico libre y los ricos efectos orquestales que contiene Noches en los jardines de España, Perianes desde el teclado y Hernández-Silva desde el pódium afrontaron su interpretación con ese enfoque impresionista que hace de esta obra una de las más sensitivas en melancolía que se han escrito evocando los sentimientos nazaríes de Granada, acentuando el delicado cromatismo de la orquesta contrastado con llamadas lejanas de trompa y efectos “sul ponticello” en las cuerdas que embellecía la vibrante línea del piano en el primer movimiento, En el Generalife, dedicado a describir la placidez sensual de sus hermosos jardines. En Danza lejana, que le sigue, la orquesta generó una atmósfera rítmica en la que Perianes se acompasaba a los enérgicos rasgueos de la cuerda generando cierta agitación sobre delicados y sombríos solos de los vientos. La inspiración gitana estuvo siempre presente en la lectura del último movimiento, En los jardines de la Sierra de Córdoba, en el que el pianista onubense discurrió sin esfuerzos ni especiales efectismos y con máxima eficacia musical entre la trama orquestal perfectamente urdida por el director, dejando la mejor sensación raveliana, expresión que iba a tener una consecuente confirmación en el preciso y precioso Concierto para piano y orquesta en Sol del gran compositor francés nacido en la localidad vascofrancesa de Ciboure.

   Por su parte, Gustavo Dudamel ha emitido el siguiente comunicado:

«Con profunda decepción, nos vemos obligados a posponer una vez más nuestra gira por España con la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil de Venezuela. En este momento, nuestra responsabilidad es con el pueblo venezolano tras los terremotos ocurridos a principios de esta semana. A medida que la crisis humanitaria continúa desarrollándose, nuestros esfuerzos —y los de toda la familia de El Sistema— están totalmente centrados en apoyar a los más afectados. Para ayudar a cubrir estas necesidades urgentes, me he asociado con el Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo (PNUD) para brindar ayuda inmediata y apoyo fundamental. Agradecemos a todos aquellos que puedan contribuir a través del siguiente enlace. Esperamos volver a programar la gira por España tan pronto como las circunstancias lo permitan, pero por ahora, agradecemos la comprensión y la solidaridad de todos durante este difícil momento», concluye Dudamel.

Por Aurelio M. Seco | @AurelioSeco
Qué pena no vivir en Las Palmas de Gran Canaria para poder disfrutar de su próxima temporada lírica, la número 60, una temporada organizada por Amigos Canarios de la Ópera y dirigida en lo artístico por Ulises Jaén, que ya avanzado parte de lo que se ofrecerá el año que viene en el Teatro Pérez Galdós, una atractiva programación que, además de contar con destacadas voces nacionales e internacionales, apuesta con criterio por interesantes directores de orquesta. Es el caso de Ramón Tebar, extraordinario maestro cuyo nombre suena desde hace años en el Metropolitan de Nueva York, que ya anunciado que dirigirá allí La bohème el próximo curso lírico y que, sorprendentemente, cuesta ver dirigiendo en algunas de las más importantes temporadas operísticas y sinfónicas de España, pero no en Las Palmas de Gran Canaria, donde sí se sabe valorar su talento y donde el próximo año los aficionados podrán disfrutar de la que a nuestro juicio es una de las batutas más fulgurantes y profundas del presente. Se unen a Tebar nombres como el del joven Giulio Cilona, músico al que hay que prestar atención, el consolidado director español Guillermo Garcia Calvo, el refinado Francesco Ivan Ciampa y Rafael Sánchez Araña, director de la tierra que cada vez suena con más fuerza en nuestro país.

   La temporada 2027 servirá, de alguna forma, para rendir homenaje a Alfredo Kraus, y comenzará en febrero con Werther, de Massenet, título en el que el propio Kraus, genio entre los genios, se convirtió en referencia absoluta y que los Amigos Canarios de la Ópera ofrecerán con tres voces de referencia en el presente, Piotr Beczala, artista ya familiar en Gran Canaria, Ekaterina Semenchuk y  el gran barítono español Carlos Álvarez, que acaba de venir de Nueva York y que el año pasado dejó buena muestra de su magisterio artístico en Pamplona, en una Tosca inolvidable por su alto nivel lírico. El director musical será el elegante Francesco Iván Ciampa. Fausto de Gounod llegará en marzo, bajo la dirección de Giulio Cilona, músico de talento que se pondrá al frente de un reparto en el que encontramos a Iván Ayón Rivas, ganador del concurso Operalia, Claudia Pavone y Michele Pertusi. Rafael Sánchez Araña tendrá protagonismo por partida doble, al hacerse cargo de la direccion musical de Lucrezia Borgia en abril, con las voces de Yolanda Auyanet, Ismael Jordi y Caterina Piva, además de dirigir una gala lírica en abril con Nadine Sierra y Xabier Anduaga. Guillermo Garcia Calvo se pondrá al frente de otro de los títulos que Kraus convirtió en inolvidable, Los pescadores de perlas de Bizet, que la temporada de Gran Canaria oirá en las voces de Javier Camarena y Pia Vitale. Como hemos dicho, vuelve Ramón Tebar al Teatro Pérez Galdós para ofrecer su version de Lucia di Lammermoor, con un reparto en el que encontramos otra vez a Xabier Anduaga.

Un artículo de Nuria Blanco Álvarez | @miladomusical
Los sobrinos del capitán Grant es una zarzuela bufa de gran espectáculo, en cuatro actos, con música de Manuel Fernández Caballero y libreto de Miguel Ramos Carrión, estrenada en el Teatro Príncipe Alfonso de Madrid el 25 de agosto de 1877. Esta zarzuela de aventuras, basada en la novela de Julio Verne Los hijos de capitán Grant, cuenta las absurdas e increíbles peripecias de un pintoresco grupo, con el subteniente Mochila a la cabeza, que prácticamente dan la vuelta al mundo en un navío en la búsqueda del desaparecido capitán Grant, que ha naufragado en una isla junto a un gran tesoro que repartirá con quien vaya a rescatarle.

El pobre Mochila -arquetipo del antihéroe-, a punto del desahucio y cansado de que todos le tomen por loco, encuentra el mensaje del capitán dentro del besugo que iba a cenar y pone en marcha el proyecto de ir en su búsqueda con la ayuda del adinerado escocés Sir Clyron y su sobrina Miss Ketty, quien patrocina la expedición, acompañados de su joven vecina Soledad y su pretendiente Escolástico. Inesperadamente se une a la expedición el profesor Mirabel, un sabio tremendamente despistado, vecino de Mochila -interpretado en su estreno por Francisco Arderíus, padre de los bufos madrileños-.

Por José Amador Morales
Sevilla, 23 y 24-VI-2026.  Teatro de la Maestranza. Giuseppe Verdi: Aida, ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi con libreto de Antonio Ghislanzoni y Camille du Locle. Manuel Fuentes (El Rey), Ketevan Kemoklidze/María Luján Mirabelli (Amneris), Marigona Qerkezi/Chunxi Stella Hu (Aida), Alejandro Roy/Joan Laínez (Radamès), Insung Sim/Inho Jeong (Ramfis), Ernesto Petti/Fabián Veloz (Amonasro), Néstor Galván (Un mensajero), Patricia Calvache (Gran sacerdotisa). Coro Teatro de la Maestranza (Íñigo Sampil, director del coro). Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Daniele Callegari y Dominic Limburg, dirección musical. Paco Azorín, dirección escénica, escenografía e iluminación. Coproducción del Teatro de la Maestranza en coproducción con ABAO Bilbao Ópera, Auditorio de Tenerife, Teatro Municipal de Santiago de Chile y Teatro Nacional de São Carlos de Lisboa. 

   La temporada lírica del Teatro de la Maestranza se despidió con una nueva producción de Aida, uno de los títulos más representativos de Giuseppe Verdi y paradigma de una concepción operística capaz de aunar el espectáculo propio de la grand opéra con un intenso drama de carácter íntimo. Bajo el esplendor de las ceremonias religiosas, los desfiles triunfales y las grandes escenas corales late, en realidad, una tragedia sustentada sobre el conflicto entre el deber, el amor y la razón de Estado en un equilibrio siempre delicado que constituye uno de los principales retos para cualquier propuesta escénica.

   La producción de Paco Azorín afrontó ese desafío trasladando la acción a un espacio deliberadamente abstracto y atemporal, con la violencia inherente a la guerra como principal eje conceptual.  La propuesta destacó por la notable fluidez con la que se desarrolló la acción, enlazando las distintas escenas con naturalidad hasta completar una representación de tres horas, incluido el único descanso. Sin embargo, tras ese indudable acierto, la dramaturgia terminó ofreciendo una sensación de escasa profundidad, apoyándose con frecuencia en recursos visuales que apenas trascendían lo ornamental. Las videoproyecciones de paisajes egipcios, las espadas luminosas o la insistente presencia de un actor-trapecista, concebido como una especie de alter ego de los protagonistas, acabaron componiendo un entramado visual de indudable impacto estético pero de limitada incidencia dramática. Antes al contrario, la continua acumulación de estímulos escénicos, muchas veces antimusicales, acabó emborronando momentos de gran enjundia musical, desde el preludio hasta el dúo final, en los que la presencia del equilibrista llegó a molestar y distraer de la acción principal.

   El viernes 26 llegará el programa The Celebrated Sammartini, de Echo et Dulce, un conjunto de música antigua fundado y dirigido por la flautista de pico Tamar Lalo. Este programa ofrece un viaje sonoro al corazón del Barroco tardío, rindiendo homenaje a la maestría de Giuseppe Sammartini, el virtuoso milanés que revolucionó la escritura para instrumentos de viento en Londres. La selección alterna cuatro de sus sonatas, caracterizadas por una elegancia italiana que ya anticipa el estilo galante, con piezas clave de sus contemporáneos. El diálogo se establece con la precisión técnica de Willem de Fesch y la monumentalidad de George Frederic Handel, cuya célebre aria «Lascia ch’io pianga» aporta el contrapunto emocional y lírico a la energía rítmica de los allegros de Sammartini. En conjunto, el repertorio celebra el virtuosismo y la expresividad de una época donde la música de cámara alcanzó su máxima sofisticación.

   Panamericana, la nueva propuesta de Andreas Prittwitz/Lookingback, podrá verse el sábado 27 de junio. El programa plantea un viaje sonoro por el continente americano a partir de la música antigua de los siglos XVI al XVIII, recuperando piezas que viajaron hacia América durante la conquista y poniéndolas en diálogo con elementos folclóricos mediante la incorporación de instrumentos tradicionales y ritmos populares. Con el enfoque interpretativo de Lookingback, la propuesta crea un encuentro entre tradición europea y culturas americanas, ofreciendo una lectura actual de un patrimonio musical en constante transformación.

   El festival se cierra el domingo 28 con The Filippo Dalla Casa Collection, un programa que recorre las últimas sonatas escritas para archilaúd y tiorba, dos instrumentos de la familia del laúd que tuvieron su gran apogeo en Europa durante el Barroco, en los siglos XVII y XVIII. Sin embargo, ambos instrumentos desaparecieron después de 1750. El programa, de la mano de los hermanos Pablo y Daniel Zapico, recupera su último repertorio de manera inédita procedente del legado de Filippo Dalla Casa (1759) y Antonino Reggio (1770), cuyas colecciones revelan un estilo que marcaría el tránsito del Barroco al Clasicismo. Se trata de un retrato sonoro del último gran capítulo de la música para laúd.

   Como es habitual, en los minutos anteriores a los conciertos, los músicos participantes introducirán los aspectos artísticos, históricos, culturales y escénicos del repertorio que se escuchará a continuación. La duración aproximada de esta actividad será de diez a quince minutos y se realizará en el mismo escenario a la hora prevista de inicio de los conciertos. Además, al concluir los conciertos, los integrantes de los grupos se reunirán con el público interesado, en encuentros informales en la entrada del teatro, para un contacto directo e intercambio de opiniones.

Fotografía: BREZZA.

Foto: Gisela Schenker

Por Óscar del Saz | @oskargs
Madrid, 22-VI-2026. Madrid. Teatro de la Zarzuela. XXXII Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). Recital 8. Obras de Johannes Brahms (1833-1897), Josephine Lang (1815-1880), Gustav Mahler (1860-1911), Ralph Vaughan Williams (1872-1958), Herbert Norman Howells (1892-1983), Bertha Frensel Wegener-Koopman (1874-1953), Ivor Gurney (1890-1937), Edward Elgar (1857-1934). Catriona Morison (mezzosoprano), Malcolm Martineau (piano).

   Fue en junio de hace dos años cuando conocimos a la debutante -en ese momento- mezzosoprano escocesa Catriona Morison (1986), que con Katharina Konradi y junto al pianista israelí Ammiel Bushakevitz (1986), cerraron brillantemente el XXX Ciclo de Lied del CNDM. Con toda justeza, y dado el éxito previo, se la convoca merecidamente en solitario en esta velada, aportando una muy buena combinación de canto textual, flexibilidad tímbrica y densidad expresiva, junto a otro grande al piano, que no es otro que el experimentado Malcolm Martineau (1960), con una visión de 360 grados, «orquestal», del acompañamiento y una técnica que le permite «muellear» sobre las teclas administrando ágiles digitaciones que sobrevuelan sobre el teclado.

   El programa que presentaron ambos intérpretes trazó un hilo conductor muy expresivo, abarcando desde el Lied romántico alemán en su apogeo (Brahms y Lang, como olvidada enseña femenina del Lied) hasta la canción británica de raíz popular con refinamiento postromántico, pasando por el universo mucho más simbólico y desgarrado de Mahler. O lo que es lo mismo, la puesta en voz y piano de un intimismo contemplativo, sublimado, complejo en la ejecución, que transitó en la segunda parte hacia un entorno marino de la tradición del Reino Unido, siempre dentro de coordenadas sensibles, poéticas, aunque menos comprometidas vocalmente hablando, destacando una sola pieza del corpus compositivo de Vaughan Williams y los pictogramas acuáticos de Elgar.

   El Brahms de Morison fue elegante y recatado reflejando memoria, muerte y naturaleza, con la primacía puesta en el texto, con un Martineau tejiendo un sonido que lo envuelve todo y que fue más allá del acompañamiento. Como ejemplos, en «Die Mainacht [La noche de Mayo]», pausada y lánguida, se desplegó un buen control del ‘legato’ y una regulación dinámica extrema, con ‘pianissimi’ sostenidos. En la amorosa «Meine Liebe ist grün [Mi amor es verde]», demostró vitalidad primaveral, con voz articulada y emitida muy limpiamente. En la trágica «Auf dem Kirchhofe [En el cementerio]», disfrutamos del bonito registro grave de Morison, así como de la ‘coralidad’ en acordes administrada por Martineau.

   En 2026 habrá un total de cincuenta conciertos, seis de los cuales se enmcarcan dentro de los ya tradicionales y exitosos Conciertos con Gusto, en los que al concluir la actuación musical se ofrece una degustación de productos de km. 0. Completan la programación más de cuarenta actividades complementarias, desarrollando uno de los propósitos principales del FeMAP, ofrecer una experiencia completa que haga vivir el Pirineo al visitante en toda su riqueza, como espacio cultural, natural y social. Todo ello tendrá lugar en treinte y seis municipios repartidos por el Pirineo catalán, Andorra y Cataluña del Norte.

   Dos citas destacan este año por su especial interés. El concierto inaugural será una producción propia, Pequeñas joyas de la catedral de Barcelona, a cargo del Ensemble Barcelona Comtal. Por otro lado, destaca la presencia de unos de los conjuntos más destacados del panirama internacional, Gli Incogniti, liderado por la violinista barroca Amandine Beyer, con un programa dedicado a Handel y Telemann. Además, como en otras ediciones, se han programado conciertos de música antigua de otras tradiciones culturales. «FeMAP ha demostrado en estos catorce años que la gestión cultural debe, y puede, ser uno de los factores a manejar en la ordenación del territorio, aspirando al desarrollo sostenible y equilibrado de los espacios, mejorando la calidad de vida de los ciudadanos que en ellos habitan y protegiendo el medio ambiente. Ejemplo de ello es un pilar básico del proyecto del Festival, el FeMAP social, que, a lo largo de 24 conciertos, acercará la cultura a residencias de gente mayor y altodependientes». Entre otras de sus propuestas, destaca la presencia de agrupaciones como Ayres Extemporae, Bachcelona Consort, Cordis in Custodia, La Caccia o La Spagna, entre muchos otros.

   Ya se pueden adquirir las entradas y consultar la programación completa de esta nueva edición de FeMAP a través de la página del festival. Destacan, además, los packs turísticos –sesenta y uno esta edición– que ofrece el FeMAP, facilitando a los visitantes la organización de sus vacaciones, con ofertas culturales y turísticas [hotel + concierto], a precios especiales.

   La Floreta es una compañía de danza histórica dirigida por Diana Campóo. Su objetivo es acercar al público de hoy a la danza que se bailó en cortes, teatros, salones y espacios festivos de Europa entre los siglos XV y XVIII. Entre sus producciones más recientes cabe mencionar la presentación en diversos festivales de música antigua en Brasil en 2025 de Do Tento à Tentaçâo, creado en 2022 en colaboración con el Ensemble Portingaloise y el organista Miguel Jalôto. Además, ha creado Un Sarao Barroco, estrenado en 2023 junto a Concierto de Violines, Danzas para dos Reinas (2021-2024), por encargo de Patrimonio Nacional, en colaboración con Delirivm Musica, y La Spagna en Danza, por encargo de la Fundación Juan March (2019), en colaboración con el ensemble La Danserye.

   Dirigido por Manuel Minguillón, Collegium Musicum Madrid se crea en 2013 con la idea de recuperar y difundir el patrimonio histórico musical de los siglos XVI, XVII y XVIII con criterios historicistas. El conjunto trabaja un amplio repertorio que abarca diferentes periodos estilísticos, desde renacimiento hasta el barroco con muy variadas formaciones, desde el dúo con solistas como Carlos Mena, María Espada o Filippo Mineccia, hasta las producciones operísticas. 

Foto: Facebook La Floreta

Por Agustín Achúcarro
Valladolid, 19-VI-2026. Auditorio de Valladolid, Sala Sinfónica Jesús López Cobos Orquesta Sinfónica de Castilla y León. Sinfonía nº9 en re menor, op. 125 «Coral». Thierry Fischer, director. Louise Foor, soprano, Carmen Artaza, mezzo, Werner Güra, tenor y José Antonio López, barítono. 

   La temporada 2025-26 de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León concluyó a lo grande, con la interpretación de la Novena sinfonía de Beethoven, bajo la dirección del titular de la orquesta Thierry Fischer. Se cumplía así el proyecto del director de dirigir en varias temporadas todas las sinfonías de Beethoven, si bien no pudo hacerlo con la octava, por enfermedad. El ímpetu, el vigor fueron elementos determinantes en el primer movimiento, y en cierta forma durante toda la obra, dejando de lado cierto sentido de expectativa, que surge en su inicio. Fischer dominó los aspectos formales de la obra, lo que le permitió sacar adelante los contrastes, pero el clímax se alcanzó de manera tan rápida, que al faltar cierta pausa y preparación de lo que habría de venir, el resultado final pareció que ya estaba alcanzado de antemano.

   El Scherzo fue uno de los momentos culminantes de la obra, con la tensión y energía precisas, respondiendo director y orquesta con claridad al complejo entramado contrapuntístico. El tercer tiempo sonó vibrante más que lírico e íntimo, aunque siempre ajustado, en lo que se refiere a la relación dinámica entre las distintas secciones de la orquesta. Y con el final llegó el momento de los contrabajos, que estuvieron excelsos, con un sonido poblado de armónicos, rotundo, decisivo, admirables en sus recitativos, en el fraseo, y en un canto emotivo, con una facilidad pasmosa para apianar. Ellos, sin olvidarse de los violonchelos, se convirtieron en protagonistas. El canto del barítono concitó a todos de manera intensa, en la voz de José Antonio López. Después, llegaron las intervenciones del coro, en este caso formado por miembros del Coro de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León y el Orfeón Pamplonés, exigidos en sus capacidades hasta el extremo, con continuos staccatos muy marcados, y un ritmo tan rápido que dejó no pocos pasajes de solemnidad en el aire, al margen de provocar algunos leves desequilibrios. En todo caso, las voces de ambos coros se plegaron y entregaron a la propuesta del director, con gran eficacia.

   La respuesta de éstos estuvo por encima de lo sugerido por Fischer, que anuló parte de su expresividad en raudos fortísimos y pronunciados acentos. Claro que existen esos acentos en la obra, pero no continuadamente, sin descanso. Poco tiempo hubo para la espiritualidad y la emoción. Por qué no dejar espacio a esos momentos inconmensurables, como «Seid umschlugen Millionen», de carácter extremadamente lírico. O admirar el momento en que las voces son llevadas al límite de su tesitura, con lo que eso significa. Fischer se volcó en lo impetuoso, bajo un dominio técnico que le permitió ahormarlo, y se dejó fuera casi todo lo demás. El tempestuoso final dio pasó al éxito del concierto, con un público volcado, que llenaba la sala, y aplaudió largamente. El cuarteto de voces solistas, a los que también les faltó algo de pausa, estuvo a la altura de lo que de ellos podía esperarse, en unas intervenciones nada sencillas, y en las que empastaron bien sus voces, como demostraron la mezzo Carmen Artaza, la soprano Louise Foor, el tenor Wener Güra y el barítono José Antonio López.

Por Raúl Chamorro Mena
Madrid, 20-VI-2026, Auditorio Nacional. Temporada Orquesta y Coro Nacionales de España. War Requiem - Réquiem de guerra (Benjamín Britten). Nicole Heaston, soprano. Andrew Staples, tenor. Stéphane Degout, barítono. Coro Nacional de España, Dtor: Miguel Ángel García Cañamero. Coro de la Comunidad de Madrid, Dtor: Javier Carmena. Pequeños cantores de la ORCAM, Dtora: Ana González. Orquesta Nacional de España. Director: David Afkham.

    En alguna de mis recensiones de interpretaciones del Réquiem de Verdi, comenté su carácter de Misa de difuntos ante morten, para los vivos, en lugar de post morten como otros de los existentes en la literatura musical. En el caso del singular e impresionante de Benjamin Britten, se trata de un Réquiem de reconciliación y reflexión pacifista destinado a una Europa devastada por dos Guerras incruentas, especialmente la Segunda Guerra Mundial, en la que la maquinaria de muerte y destrucción ideada por el ser humano alcanzó cotas particularmente mortíferas. Britten planteó la intervención de tres cantantes pertenecientes a otros tantos paises enfrentados en la conflagración para el estreno de la obra de 1962 y que tenía como fin la consagración de la Catedral de Coventry, destruida por un bombardeo alemán en 1940. Finalmente, las autoridades soviéticas no otorgaron el permiso a la soprano Galina Visnehskaya y fue la británica Heather Harper quién acompañó en el evento a su compatriota Peter Pears y al alemán Dietrich Fischer -Dieskau.

   El ciclo comienza el martes 23 de junio con el espectáculo De Roma al mundo, de la joven formación El Gran Teatro del Mundo, que lidera desde el clave Julio Caballero, un programa que parte de la convicción de que una interpretación sincera y coherente con la estética de la época es capaz de despertar las emociones universales que encierra el repertorio barroco y, de esta manera, llegar con fuerza al público de hoy. Este programa se fundamenta en la versatilidad instrumental en la escuela de Arcangelo Corelli y sus seguidores. Los contrastes, el virtuosismo y la emoción se suceden de forma trepidante, explorando la variedad instrumental –poco frecuente hoy día– que caracterizó el estilo corelliano y, por extensión, el de compositores que bebieron directamente de él como George Frideric Handel o Georg Muffat. Junto a Caballero, conforman la formación para esta ocasión: Alice Julien-Laferrière y Yoko Kawakubo [violines barrocos], Miriam Jorde [oboe barroco], Michael Form [flautas de pico] y Bruno Hurtado [violonchelo barroco]. Este primer concirto estará precedido por una de las actividades complementarias del festival, la charla Corelli y su legado, que impartirá Rodrigo Guerrero.

   El festival continúa apostando por la recuperación del patrimonio musical universal, con la participación de grupos y solistas especializados en músicas históricas y con repertorios poco habituales. Con esta nueva edición, se consolida como un punto de encuentro entre tradición y actualidad, ofreciendo una programación que invita a reflexionar sobre la vigencia y el valor de la música antigua en el mundo contemporáneo. El ciclo incluye seis únicos conciertos, que se podrán disfrutar desde el 23 hasta el 28 de junio en el escenario de la Sala Jardiel Poncela, a las 19:30 horas.

   El miércoles 24 será el turno del programa Barroco del Perú, en el que el grupo Camerata Iberia recreará las músicas que se escuchaban en el Virreinato del Perú en el Barroco y que tiene como epicentro la actividad musical desarrollada por compositores que viajaron con sus obras desde España a la capital del virreinato a finales del siglo XVII y durante el XVIII y cuya obra se conserva en archivos de Cuzco, Lima, Sucre y Guatemala. Este concierto completa los primeros días de esta cita madrileña con las músicas históricas, quer continuará hasta el 28 de junio.

   «Desde sus inicios, el festival ha trabajado con un doble objetivo: recuperar y difundir repertorios esenciales de los siglos XVII y XVIII, y presentarlos de forma accesible y cercana a públicos diversos. Cada edición propone un diálogo entre épocas, estilos y geografías, revelando la riqueza de un patrimonio musical que se construyó a través del viaje, el intercambio y la convivencia de tradiciones», comenta Mónica Herández, directora artística del festival.

   En los minutos anteriores a los conciertos, los músicos participantes introducirán los aspectos artísticos, históricos, culturales y escénicos del repertorio que se escuchará a continuación. La duración aproximada de esta actividad será de 10 a 15 minutos y se realizará en el mismo escenario a la hora prevista de inicio de los conciertos. Además, al concluir los conciertos, los integrantes de los grupos se reunirán con el público interesado, en encuentros informales en la entrada del teatro, para un contacto directo e intercambio de opiniones.

Fotografía: May Zircus.

Por Aurelio M. Seco | @AurelioSeco
La música despierta el tiempo. Daniel Barenboim. Editorial Acantilado. Barcelona, 2023. 217 páginas. Traducción de Francisco López Martín y Vicent Minguet.

  ¿Qué es la música? ¿Y el tiempo? ¿Qué entendemos por esencia? ¿Y sustancia? Cuando nos hacemos estas preguntas estamos hablando de Filosofía, un campo propio e inmanente que, desde la Grecia clásica y hasta el presente, ha ido desarrollándose a través de dichas Ideas, determinadas por filósofos como Platón, Aristótéles, Santo Tomás, Descartes... Los músicos no han sido ni son ajenos a este campo. Todo músico, en realidad todo hombre, filosofa sin saberlo. Todos somos filósofos de alguna forma, igual que todos somos músicos. Pero hay filósofos cuyas Ideas están engranadas dentro de un Sistema y filósofos que van filosofeando de aquí y allá tomando lo que más interesa de cada sito para explicarse las cosas y encontrar algún sentido al misterioso Mundo. También se puede ser músico y filósofo en sentido estricto, aunque es difícil que ambas naturalezas no entren de alguna forma en conflicto, hasta el punto de darse el fenómeno de que hay músicos que cuando tocan hacen filosofía y filósofos que cuando se explican parecen estar haciendo música. 

   En La música despierta el tiempo, libro escrito por Daniel Barenboim para la editorial Acantilado, nos encontramos de lleno la dialéctica mencionada, la de un genio de la música hablando de filosofía y también de poética artística. Un genio de la música y, a nuestro juicio, el más importante del presente por la potencia de su mensaje. En la publicación, Barenboim nos sorprende con sus conocimientos filosóficos, citando ideas de Shopenhauer, Aristótéles y Platón, que engarza en un discurso fundamental, dando respuesta a preguntas trascendentales del hacer musical de siempre y regalándonos algunos de sus secretos creativos.

   En línea con Sergiu Celibidache, maestro que sin duda le influyó, Barenboim reconoce no encontrar definición para «la música». Es imposible hablar de música, nos dice a través del genio rumano, citando de paso la generalísima y oscura definicion de Busoni: la música es «aire sonoro». Qué simpleza la de Busoni.

   ¿Cuál es el contenido de la música? Se nos habla sabiamente del melos citado por Wagner, del concepto de tempo musical y de las ideas que de él tenía el gran Wilhelm Furtwängler, el maestro que sirve a Daniel Barenboim como referencia. «Furtwängler está por encima de todos los demás», nos dice Barenboim. «es un modelo para todo», concluye.

   Todas las páginas, sin excepción, resultan de alguna forma reveladoras, al mostrarnos cómo oye y escucha el más destacado músico del presente. Así, Barenboim nos habla del silencio, de multitud de partituras y de las ideas que transmiten. Destacamos este aspecto, que Barenboim explica magistralmente ejercitando una especie de catarsis musical, mostrándonos cómo se puede hablar de música. Hay partituras, nos dice, que comienzan dando la sensación de nacer comenzadas y otras cuyos sonidos proceden del silencio previo. También nos habla de la importancia de la concentración y la necesidad de saber escuchar, de la «crisis de la música clásica» (Barenboim está inmerso en la dicotomia «música clásica/música popular») y, cómo no, del conflicto entre Palestina e Israel, que tanto le ocupa y preocupa. Critica a «los puristas» que consideran que, por ejemplo, la música de Bach o Mozart sólo tiene sentido cuando se hace con el número de músicos de su época. Él nos dice que no, que el propio Mozart se sorprendió gratamente cuando vio interpretada sus partituras por más músicos de los habituales. 

Por Magda Ruggeri Marchetti
Bolonia, 14-VI-2026. Teatro Comunale Nouveau. Napoli milionaria [Nino Rota / Eduardo De Filippo]. Paolo Bordogna [Gennaro Jovine], Carmen Giannattasio [Amalia, su mujer], Mariam Battistelli [Maria Rosaria, hija], Marco Miglietta [Amedeo, hijo], Matteo Falcier [Errico “Settebellizze”], Giulio Iermini [Peppe “’o Cricco”], Luca Park [Riccardo Spasiano, contable], Michele Patti [Federico/Johnny, sargento americano], Michele Gianquinto [“’O Miezo Prevete”], Xin Zhang [Pascalino “’o Pittore”], Yuri Guerra [El brigadier Ciappa], Benedetta Mazzetto [Adelaide Schiano], Eleonora Filipponi [Assunta, su nieta], Chiara Salentino [Donna Peppenella], Maria Adele Magnelli [Donna Vincenza], Vittoria Liguori [Rituccia, la ultima hija de Gennaro], Sandro Pucci [El brigada], Francesco Amodio [Un guardia], Fanny Eszter Fogel [Una mujer del pueblo], Enrico Picinni Leopardi [Jefe de la comunidad de vecinos]. Orquesta y Coro del Teatro Comunale. Director de escena: Marcelo Lombardero. Director musical: James Feddeck.

   La ópera deriva de la comedia homónima de Eduardo De Filippo, quien también escribió después  el libreto. Fue puesta en escena en el Teatro Nuovo de Spoleto el 20 de junio de 1977 en el ámbito del Festival dei Due Mondi con la dirección del propio Eduardo que ha transformado el dialecto napolitano en una lengua mucho más accesible. El público quedó hechizado por la belleza de una música que llega directamente al corazón. Nino Rota había estudiado en el conservatorio de Milán, se había diplomado en composición en la Accademia di Santa Cecilia y perfeccionado en los EEUU. Fue director del conservatorio de Bari y escribió melodías napolitanas muy bellas y boogy-boogy arrolladores. Ganó un Golden Globe, un Grammy Award, un David de Donatello, cinco premios cinematográficos Nastro d’Argento y varios Óscar por bandas sonoras de las que recordamos solo El padrino y El gattopardo. Tras las dos representaciones de Spoleto, acogidas con gran éxito de público, la ópera cayó en el olvido. Solo en 2010 la nueva dirección del Festival della Valle d’Itria de Martina Franca decidió recuperar esta partitura y todos los asistentes a su reestreno tuvieron la impresión de presenciar una obra maestra que se acercaba al neorealismo del cine como Roma città aperta de Roberto Rossellini.  

Por Alba María Yago Mora
Valencia, 18-VI-2026. Palau de les Arts. Orquestra de la Comunitat Valenciana. Gustavo Gimeno, director. Marianne Crebassa, mezzosoprano. Maurice Ravel: Rapsodie espagnole. Manuel de Falla / Luciano Berio: Siete canciones populares españolas. Igor Stravinsky: El pájaro de fuego.

   Algunos programas encuentran su sentido en la afinidad estilística de las obras que los integran. Otros lo construyen a partir de una idea más profunda, capaz de atravesar épocas, lenguajes y contextos históricos. El concierto ofrecido por Gustavo Gimeno al frente de la Orquestra de la Comunitat Valenciana pertenecía claramente a esta segunda categoría. La propuesta permitía contemplar tres formas diferentes de transformar materiales populares, legendarios o imaginados en refinamiento orquestal: Ravel observando España desde París; Falla convirtiendo el folclore en arte culto (y Berio filtrándolo después a través de su propia sensibilidad); y Stravinsky construyendo uno de los cuentos musicales más fascinantes del siglo XX mediante una orquestación revolucionaria.

   La velada se abría con la Rapsodie espagnole, una de las primeras grandes obras orquestales de Maurice Ravel y uno de los ejemplos más refinados de ese fenómeno que la musicología ha denominado tradicionalmente "españolismo francés". Ravel nunca pretendió reproducir el folclore real. Su interés se dirigía hacia una España estilizada, soñada e imaginada, convertida en atmósfera sonora. Desde el misterioso Prélude à la nuit hasta la explosión festiva de Feria, el director valenciano encontró el equilibrio ideal entre sensualidad tímbrica y claridad estructural. La OCV respondió con una calidad sonora extraordinaria, desplegando una paleta de colores prácticamente inagotable y una gestión de las dinámicas que permitía apreciar cada detalle de la escritura raveliana.

   Fue precisamente en esa atención al detalle donde comenzó a manifestarse una de las grandes virtudes de la noche. Gimeno posee una elegancia poco frecuente sobre el podio. Su gesto, siempre preciso y contenido, rehúye cualquier forma de efectismo visual. No necesita grandes movimientos ni teatralidad para imponer su autoridad. Todo parece surgir desde la naturalidad, desde una comprensión profunda de la partitura y desde una confianza absoluta en los músicos que tiene delante. El resultado fue una dirección de una claridad admirable, capaz de obtener transparencia incluso en las texturas más densas.

Por Raúl Chamorro Mena
Madrid, 17 y 18-VI-2026, Teatro de la Zarzuela. El Gato Montés (Manuel Penella). Miren Urbieta-Vega/Mane Galoyan (Soleá), Rafael Humberto Rojas/Rodrigo Garull (Rafael, El macareno), Borja Quiza/David Oller (Juanillo, el Gato montés), Milagros Martín/María Rodríguez (Frasquita), María Luisa Corbacho/Carol García (Gitana), Manel Esteve (Padre Antón), Gerardo Bullón (Hormigón), Pablo Gálvez (Caireles). Pequeños cantores de la ORCAM. Coro y Orquesta titulares del Teatro de la Zarzuela. Director musical: José Miguel Pérez-Sierra. Director de escena. Christof Loy.

   Manuel Penella fue todo un personaje polifacético en la línea de Manuel García, del que se ha podido ver esta temporada en el Teatro de la Zarzuela su ópera El gitano por amor. Al igual que el sevillano, el músico valenciano tuvo un paso por América con tintes de aventurero y en el que afrontó las más diversas actividades. 

   A pesar de sus propias afirmaciones y quizás por su aparente falta de pretensiones sumado a la popularidad que gozó durante décadas, el valenciano siempre ha sufrido la inquina de cierta intelligentsia, la siempre implacable estulticia filosnobista. 

   La creación musical de Penella, magnífico compositor a pesar de todo, contiene un amplio catálogo de obras líricas entre óperas, zarzuelas y revistas. Destacan su ópera de cámara, para orquesta de cuerda, Don Gil de Alcalá (1932), una auténtica delicatesen, y su ópera popular española El Gato Montés (1917). La composición gozó de fama en la primera fase de su andadura, ganando la eternidad con su célebre pasodoble, que, prácticamente, simboliza el arte de Cúchares. Después de caer en el olvido, regresó con fuerza a los escenarios a principios de los años 90 merced, fundamentalmente, al impulso de Plácido Domingo con diversas representaciones, incluida una serie en Los Ángeles, que cuenta con video comercial y un registro discográfico -sobre la revisión orquestal de la partitura realizada por Miguel Roa- para el mítico sello Deutsche Grammophon. Por cierto, que Plácido Domingo presenció la función del día 18 de junio desde un palco y la “dirigió” con gestos de las manos conforme avanzaba la música.

   Los conciertos están programados mayoritariamente en horario vespertino y nocturno y se celebrarán al aire libre y en escenarios representativos del patrimonio urbano y cultural de la Comunidad. Los programas artísticos de los conciertos ofrecen un repertorio que incluye partituras de Mozart, Beethoven, Puccini, Mendelssohn, Debussy, Holst y Manuel de Falla. El ciclo contará con la participación de los directores españoles Óliver Díaz, David Fernández Caravaca, Jorge Yagüe y el mexicano Carlos Miguel Prieto, que estarán al frente de la OSCyL y de la OSCyL Joven.

   La gira «Plazas Sinfónicas»  se inicia, el jueves 25 de junio a las 21:30 horas, con el concierto que ofrece la Orquesta Sinfónica de Castilla y León en la plaza de Eduardo de Castro, en Astorga (León) y continuará con los dos conciertos que ofrece esta misma formación el sábado, 27 de junio a las 21:30 h, en la plaza Mayor, en Salamanca y el domingo, 28 de junio a las 21:30 h, en la plaza de San Pablo en Valladolid. La OSCyL estará conducida en estos conciertos por el director Jorge Yagüe.

   En julio, la gira continúa con la participación de la OSCyL Joven liderada por Jorge Yagüe en el podio. La formación debutará en Ávila, el domingo 5 de julio a las 21:30 h en la plaza del Mercado Chico y a este concierto le seguirán los que ofrecerá el lunes 6 de julio, a las 21:30 horas, en la plaza Mayor de Palencia; el martes, 7 de julio a las 21:00 horas, en la iglesia de San Nicolas, en Villafranca del Bierzo (León) y el miércoles, 8 de julio a las 21:30 h, en la plaza de San Marcelo, en León.

   En este periplo musical la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, bajo la dirección de David Fernández Caravaca, toma el relevo con los conciertos que ofrecerá el jueves, 9 de julio a las 21:30 h en el parque de la Alameda, en Soria y el viernes, 10 de julio a las 21:00 horas, en la plaza de San Juan, en Burgos. El programa de los dos conciertos fusionará la música sinfónica con imágenes astronómicas de gran formato dentro del espectáculo multimedia ‘Armonía Eclíptica’, organizado por el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) y la Junta de Castilla y León, con el objetivo de acercar al público los próximos eclipses solares que podrán observar en España.

   La OSCyL Joven culmina su gira por la Comunidad con el concierto que ofrecerá el jueves, 16 de julio a las 22:00 horas, en los jardines de Zuloaga, de Segovia, bajo la dirección de Carlos Miguel Prieto y con la pianista Judith Jauregui.

   La Orquesta Sinfónica de Castilla y León cerrará la gira con el concierto que se celebrará el viernes, 24 de julio a las 21:30 horas, en la plaza de la Catedral de Zamora, bajo la dirección de Oliver Díaz y con la participación de la soprano Vanessa Goikoetxea y el tenor Andeka Gorrotxategui, en el marco de la gala lírica que inaugura el XI Festival Internacional de Ópera de Cámara Little Ópera Zamora.

   El Consejo Artístico ha destacado del proyecto presentado por Cerveró su visión plural de la música española, entendida como un patrimonio diverso que abarca tradición, creación contemporánea y otros «géneros específicamente vinculados a la cultura de nuestro país», explica la información facilitada por el INAEM. «Su apuesta defiende un equilibrio necesario entre la música histórica y la actual, integrándolas como partes de un mismo legado vivo. Desde este punto de partida reivindica el papel de la cultura musical española en el contexto global y su presencia en todo el territorio, pero también como tarjeta de presentación en otros países. Su propuesta plantea un CNDM que siga afrontando sus compromisos fundacionales, pero la vista puesta en la evolución y ampliación de horizontes de la institución», añade el comunicado, que aclara que el proyecto de Cerveró «tiene el objetivo de mantener y mejorar la calidad, sostenibilidad y transparencia en la programación. Para ello, fomentará una escucha continua al sector, asumiendo de una manera activa la presencia de la música española dentro y fuera de nuestras fronteras. También buscará atender a los repertorios más especializados sin descuidar los genéros y estilos mayoritarios, y concebirá la música como un espacio de unión, formación, conocimiento y disfrute compartido».

Por Raúl Chamorro Mena
Valencia, 12-VI-2026, Palau de la música. Don Giovanni (Wolfgang Amadeus Mozart). Thomas Chenhall (Don Giovanni), Marco Saccardin (Leporello), Francesca Pia Vitale (Donna Anna), Arianna Venditelli (Donna Elvira), Juliette Mey (Zerlina), Marco Ciaponi (Don Ottavio), Louis Morvan (Masetto/Comendador). Coro de la Comunidad de Madrid. Orquesta de Valencia. Dirección musical: Francesco Corti. Concepción escénica: Benoit de Leersnyder. Versión semiescenificada.

   La ópera ha tenido tradicionalmente un importante espacio en la programación del Palau de la música de Valencia. En esta ocasión, la Orquesta de Valencia se enfrentaba en este concierto extraordinario a una de las más fascinantes óperas del repertorio, Don Giovanni de Wolfgang Amadeus Mozart. La obra maestra que combina magistralmente lo trágico con los elementos cómicos de la ópera buffa. Todo desde la atalaya de la ambigüedad, elegancia y refinamiento mozartianos. 

   A Francesco Corti le he visto buenas direcciones musicales en óperas barrocas, pero en esta ocasión me decepcionó un tanto. No le faltó pulso a su labor, pero fue alterno, y faltaron aristas, contrastes, en un discurso orquestal que resultó plano, más bien anodino y con un sonido orquestal gris y poco transparente. Le faltó empaste, brillo y tersura a la cuerda. Buena prestación del Coro de la Comunidad de Madrid. Se interpretó una versión completísima, que incluyó el dúo de Zerlina y Leporello “Per queste tue manine”.

   Nada mejor que los representantes del canto italiano para cantar Mozart y, efectivamente, fueron dos italianos los que dieron lustre a una interpretación un tanto plomiza de esta gran ópera. En primer lugar, la joven soprano Francesca Pia Vitale en una muy estimable Donna Anna. Su centro resultó algo débil, pero en la zona alta gana mucho brillo, timbre y proyección. Por ello, la soprano nacida en Maddaloni interpoló variaciones al agudo, además de demostrar buena escuela canora y dominio de la agilidad. Magnífica fue “Non mi dir” por sentido del legato, canto refinado, ascensos brillantes y notable coloratura. Previamente, la soprano italiana se había lucido en unos rutilantes ascensos en “Or sai che l’onore”. Por su parte, el tenor Marco Ciaponi dio lustre a Don Ottavio, personaje tantas veces descuidado, con magnífica línea canora, incluidas medias voces, fraseo musical y bien torneado. No se trata de una voz de gran caudal, pero el timbre es grato y bien emitido. Destacó una muy apreciable Aria “Il mio tesoro” con destacable agilidad y estupendas variaciones. 

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Foto: Borja Arrizurieta

Por Pablo Sánchez Quinteiro
Lugo, 21-V-2026. Círculo de las Artes. 53.º Festival de Música Ciudad de Lugo. Trío Amatis. Partituras de Schubert y Mendelssohn

   La presentación del Amatis Trio en el Festival de Música Ciudad de Lugo fue uno de los momentos camerísticos estelares de esta edición. Formado por la violinista Lea Clara Hausmann, el violonchelista Samuel Shepherd y el pianista Mengjie Han, el conjunto ofreció un programa de gran coherencia poética bajo el título «Canciones sin palabras», articulado en torno a la idea de una música capaz de cantar sin necesidad de texto. La propuesta unía el Trío en si bemol mayor nº1, op.99, D.898, para piano de Schubert con una transcripción de una de las célebres piezas homónimas de Mendelssohn y el Segundo trío op.66 del propio compositor, estableciendo así un sugerente arco expresivo entre el lirismo juvenil schubertiano y la plenitud romántica mendelssohniana.

   Desde los primeros compases del Trío nº1 de Schubert se percibió una energía realmente estimulante. El Amatis posee la capacidad de impulsar el discurso sin precipitarlo, de hacer que la música avance con una fuerza casi incontenible y, al mismo tiempo, conservar la claridad de cada línea. Hubo en su interpretación una mezcla convincente de frescura, tensión interna y naturalidad expresiva, evitando cualquier tentación de convertir a Schubert en un ejercicio de mera delicadeza. La música respiró con amplitud, pero nunca perdió el rumbo; cada transición pareció surgir de la anterior con lógica propia, como si el conjunto pensara la obra en grandes arcos y no en episodios aislados.

Por José Antonio Cantón
Murcia, 05-VI-2026. Auditorio Regional ‘Víctor Villegas’. Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia. Solista: Esther Yoo (violín). Directora: Johanna Malangré. Obras de Béla Bartók, Zoltán Kodály y Sergéi Prokófiev.

   Una de las particularidades que han llamado la atención del décimo concierto de temporada de la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia (ÖSRM) es que ha sido protagonizado por dos jóvenes intérpretes que se encuentran en un momento óptimo de progresión en la trayectoria de su carrera artística: la violinista norteamericana de origen coreano, Esther Yoo, y la alemana Johanna Malangré en la dirección musical, obteniendo ambas un gran éxito en esta oportunidad, conseguido con dos muy características composiciones de Prokófiev; la Primera Sinfonía en Re, Op. 25 “Clásica” y el Primer concierto para violín en Re, Op.19, y las Danzas folclóricas rumanas, Sz. 68 de Béla Bartók además de las Variaciones del pavo real de Zoltán Kodály, obras bien escogidas por su complementariedad que completaban la segunda parte del programa.

   Lo primero que se percibía fue la serenidad del tempo adoptado por la directora en la sinfonía, que sólo cambió a más determinante ritmo en el movimiento final en el que resaltó su espíritu popular ruso desde sus arpegios y acordes quebrados que favorecían de manera especial su forma de rondó, lo que permitió que la orquesta brillara en todas sus capacidades técnicas, después de la nitidez métrica que ofreció en la gavota anterior ante la definida cinética de la directora, cualidad de su importante función impulsora que puso siempre al servicio de un eficaz y coherente resultado musical, actitud que, consecuentemente, reportaba en todo momento claridad a la lectura de la obra.

   A este efecto se añadía la incorporación de Esther Yoo en el concierto de violín constituyéndose un resolutivo tándem concertante en su diálogo con Johanna Malangré. Así destacaron el lirismo del primer tema del Andantino que lo abre, contrastándolo con el cromatismo dado al segundo antes del pasaje de recapitulación. La conjunción entre las dos intérpretes se puso más de manifiesto en el virtuosismo que requiere el movimiento central con sus numerosos y repentinos cambios de articulación y acento. En él, la poderosa expresividad de la solista trascendía manifestándose en todas sus posibilidades, dejando las sensaciones de un sarcasmo burlón envuelto en ciertas fuerzas siniestras previo al ponderado planteamiento que asumió para desarrollar el tercer tiempo al retomar de nuevo el carácter tranquilo y lírico del primero, pero aderezado con un color armónico añadido resultante de la ingeniosa integración temática que supo distinguir y se volvía a producir en la proporcionada coda con la que se cierra la obra, que provocó unos más intensos aplausos del público, a los que la solista respondió con la interpretación de uno de los movimientos más líricos, pacíficos y bellos de toda la producción de Juan Sebastián Bach para violín solo, que permitió al auditorio disfrutar en toda su plenitud del extraordinario sonido de su instrumento construido por el mítico lutier Antonio Stradivari el año 1704 y que es conocido con el sobrenombre de “Prince Obolensky”.

Por Raúl Chamorro Mena
Valencia, 11-VI-2026, Palau de les Arts Reina Sofía. Turandot (Giacomo Puccini, concluida por Franco Alfano). Ekaterina Semenchuk (Princesa Turandot), Gregory Kunde (Calaf), Carolina López Moreno (Liù), Liang Li (Timur), Josep Fadó (Emperador Altoum/Príncipe de Persia), Jan Antem (Ping), Pablo García-López (Pang), Mikeldi Atxalandabaso (Pong). Escola coral veus juntes -Directoras : Marta Mármol y Roser Gabaldó- .Escolania de la Madre de Déu Dels Desamparats -Director: Luis Garrido-. Coro de la Generalitat valenciana -Director: Jordi Blanch- Orquesta de la Comunidad valenciana. Dirección musical: Mark Elder. Dirección de escena: Alex Ollé.

   "Sí me sucediera algo, no abandones mi Turandot" encomendó Giacomo Puccini a Arturo Toscanini. La relación de amistad entre ellos sufrió altibajos, pero nadie puede dudar del afecto y admiración mutua que se profesaban. La obra maestra inconclusa del genio de Lucca -sobre libreto de Giuseppe Adami y Gilberto Simoni- había quedado varada después de la muerte de Liù, personaje ajeno a la fábula de Carlo Gozzi en que se basa el argumento y creación genuina pucciniana. Mujer a la que el profundo sentimiento amoroso le lleva a la muerte. El Maestro no terminaba de perfilar ese gran dúo final entre los protagonistas con el que culminar está creación que se apartaba de la tradición del melodrama italiano y de su propia estética teatral hasta el momento. En lugar del realismo emotivo - sentimental, una trama fantástico-fabulesca con factura simbólica y en la que Puccini afrontaba los caminos de la redención por el amor, propios de la obra wagneriana. En lo musical, la siempre fascinante y suntuosa orquestación pucciniana da un paso más allá combinando la expresión del exotismo Oriental con las influencias del impresionsmo francés, ya presentes en obras anteriores como Suor Angelica, y demás vanguardias europeas.

Por Óscar del Saz | @oskargs
Madrid. 11-VI-2026. Teatro Monumental. Orquesta Sinfónica de RTVE. Concierto en el Día Mundial del Cáncer de Próstata. Obras de Ludwig van Beethoven (1770-1827). Gustavo Dudamel, director.

   En este concierto extraordinario de la Orquesta Sinfónica de RTVE el atractivo, sin duda, fue ver -y disfrutar trabajando juntos- al afamado director venezolano Gustavo Dudamel (1981) y a la Orquesta de la sede del Teatro Monumental, empresa que -nos consta- ha llevado al menos un año de negociaciones y que ha encontrado en este día especial, enfocado a la prevención de esta enfermedad, una ocasión única que esperemos se repita todas las veces en que sea posible.

   Dudamel viene de dirigir -mayo/junio, en el fin de su etapa de la Filarmónica de Los Ángeles- obras de  Adams, Estévez (estreno de su «Cantata Criolla»), 2.ª de Mahler, 3.ª de Beethoven, otros estrenos contemporáneos…, y en este verano afrontará de nuevo Beethoven (La «Eroica», La 6.ª, La 7.ª, La 9.ª), La 7.ª de Shostakovich y la 2.ª de Mahler, antes de su inicio como director titular de la New York Philharmonic, en septiembre 2026 (5.ª de Prokofiev, como plato principal), dedicando noviembre a la «Tosca» (Carnegie Hall).

   A los veinticuatro años, Petr Popelka se convirtió en ayuda de solista de contrabajo de la Staatskapelle de Dresde. Diez años después, renunció al puesto para dedicarse a la dirección de orquesta, un campo que ha venido desarrollando simultáneamente con el de la composición. Desde 2024 es director musical de la Sinfónica de Viena y de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Praga.

   Nacida en Cali, Lina González-Granados debutó en 2008 con la Orquesta Juvenil de Bellas Artes. Estudió dirección orquestal en la Universidad de Boston y ha estudiado con Charles Peltz, Erica Washburn y Riccardo Muti. Nombrada Solti Conducting Apprentice y asistente de Riccardo Muti entre 2020 y 2023 es, desde 2022, directora residente de la Ópera de Los Ángeles. Ha sido también Conducting Fellow de la Orquesta de Filadelfia y de la Sinfónica de Seattle, y ha dirigido la Orquesta de Minnesota, la Filarmónica Real de Estocolmo y las Sinfónicas de Phoenix, Nueva Jersey y Dublín.