El acto en Madrid contará con la participación de Francina Armengol, presidenta del Congreso de los Diputados; Jordi Pardo, director general de la Fundación Pau Casals; Ana Belén, cantante; Iñaki Gabilondo, periodista; Ettore Pagano, violonchelista (que usará el Matteo Goffriller de 1733 que usaba el propio Casals), y Yoko Suzuki, pianista. Ana Belén e Iñaki Gabilondo presentarán el acto, que incluye un recital de Pagano y Suzuki, con el siguienter programa: Preludio, Zarabanda y Giga de la Primera Suite para violonchelo de Juan Sebastián Bach, el Intermezzo de la ópera Goyescas, de Enrique Granados, la Nana y la Jota de la Suite popular española, de Manuel de Falla y El Cant dels Ocells, «la melodía popular catalana que Pau Casals convirtió en un símbolo universal de paz». Durante el acto también se podrá escuchar la voz de Pau Casals a través de fragmentos de la declaración por la paz que pronunció en las Naciones Unidas en 1958, uno de los momentos que mejor reflejan el compromiso que mantuvo durante toda su vida con la paz y los derechos humanos.

Por Álvaro Cabezas
Sevilla, Teatro de la Maestranza. 18-9-2026. Masabane Cecilia Rangwanasha, soprano; Silvia Tro Santaffé, mezzosoprano; Enea Scala, tenor; Marko Mimica, bajo; Lucas Macías, dirección; Coro del Teatro de la Maestranza; Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Programa: Messa da Requiem de Giuseppe Verdi.

   Abrir una temporada sinfónica con el Réquiem de Verdi es, ante todo, un acto de máxima responsabilidad y valentía. Estamos hablando de una partitura de un peso monumental, de una obra tan densa y exigente que reta a cualquier institución. Curiosamente, no es la primera vez que el coliseo sevillano la escoge para alzar el telón de un curso: ya lo hizo Pedro Halffter en 2012 y ahora Lucas Macías ha querido replicar aquella gesta. En esa ocasión, Halffter optó por imprimir un sentido profundamente religioso a la obra, consiguiendo un sonido cercano al propio de la paz conventual, si exceptuamos el momento en el que el bajo Egils Silins se salió de esa línea con un aparatoso manoteo que dotaba a su intervención de un dramatismo puramente operístico.

   Cabe aquí el debate que acompaña a esta obra maestra: ¿es una pieza litúrgica o es ópera disfrazada de misa? ¿Funciona para abrir o cerrar una temporada o puede programársela en medio de un ciclo de abono? ¿Va siempre asociada con un momento especial? Stricto sensu, el Réquiem no es una pieza religiosa destinada a tocarse en un funeral de cariz tradicional, pero tampoco es una ópera escenificada sobre las tablas. Sin embargo, Giuseppe Verdi era, por encima de todo, el mayor genio operístico de su tiempo, un creador incapaz de renegar de su instinto teatral y esa naturaleza dramática impregna cada compás de su Messa da Requiem. Sin poder olvidar todo eso, Lucas Macías hizo sonar la partitura con los códigos de la gran escena, transportándonos de manera irremediable a los universos de Aida o Don Carlo. Era, sin dudarlo, la misma tinta orquestal la utilizada en aquello y en esto, enlazando casi las últimas representaciones del drama del Nilo –con el que se cerró la temporada pasada–, con estos acordes que inauguran la presente, algo que resultó interesante como efecto.

Por Nuria Blanco Álvarez | @miladomusical
Oviedo. Teatro Campoamor. 16-IX-2026. Kindertotenlieder (Mahler). Jaques Imbrailo. Suor Angelica (Puccini). Beatriz Díaz (Sor Angélica), Ana Ibarra (La tía princesa), María Heres (La abadesa), Anna Tobella (La hermana celadora), Marina Pardo (La maestra de las novicias), Montserrat Seró (Sor Genoveva), Ángeles Rojas (Sor Osmina), Anna Cabrera (Sor Dolcina), Andrea Jiménez (La hermana enfermera), Vilma Ramírez (La novicia). Coro titular de la Ópera de Oviedo (Coro Intermezzo). Coro Infantil Escuela de Música Divertimento. Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias. Dirección musical:  Diego Martín-Etxebarría. Dirección de escena: Joan Anton Rechi.

   Comienza una nueva temporada en la ópera de Oviedo con un programa un tanto particular y es que se ha puesto en escena la brevísima ópera de Puccini Suor Angelica, que forma parte de su Tríptico junto a Il Tabarro y Gianni Schicchi -ambas piezas ya las pudimos ver en el Campoamor en 2023-, todas ellas son alegorías de la Divina Comedia de Dante, siendo la que ahora nos ocupa la que representa el purgatorio. Nos habla del dolor de una madre que, tras dar a luz a un hijo fuera del matrimonio, es obligada por su familia a recluirse en un convento para expiar su culpa, que se hace insoportable cuando después de siete años descubre que el niño había fallecido hacía dos. Para ampliar la duración del programa no se le ha ocurrido otra cosa al director de escena Joan Anton Rechi que añadir una obra con la temática de la muerte de un hijo sin importarle que fueran unos lieder, género diferente al operístico -no se entiende que esta ópera no se realizara con el resto de Il Trittico hace tres temporadas-. Así se interpretaron en primer lugar los Kindertotenlieder de Mahler pretendiendo formar una unidad con la ópera pucciniana, ejecutado todo sin solución de continuidad, bajo el neotítulo Sorrow (Tristeza). Aun así, apenas se llegó a un total de 80 minutos de duración por lo que esta licencia -solo válida en lo semántico-, no se sostiene de ninguna manera y menos para una entidad de la solera de la Ópera de Oviedo, que firma la nueva producción.

   «La acción de La verbena de la Paloma se desarrolla en la calurosa noche de fiesta del 15 de agosto, en la que propios y extraños celebran la festividad de la virgen de la Paloma, y en la que los devaneos y los celos afloran a la vuelta de cada esquina. Todo está teatralizado, musicado de forma perfecta en una dramaturgia que hace de esta obra breve una de las más valiosas joyas de nuestro repertorio; que posee la virtud que ineludiblemente va unida a los grandes títulos: nunca dejan de sorprender y siempre emocionan. Desde la dirección de escena, Nuria Castejón explica que su propuesta cuenta con el prólogo cómico-lírico «Adiós, Apolo», escrito por Álvaro Tato, “como homenaje a los muchos artistas que hicieron del Teatro de Apolo la catedral del género chico”; se trata, en dicho preludio, de escenificar lo que vivieron los intérpretes en su última función de 1929. Por eso, la directora dedica su espectáculo, con un elocuente y emocionado “¡Va por ellos!”, a los artistas y trabajadores de aquel histórico edificio tan lleno de vida, arte y raíces; lo ofrece al teatro de entonces, y, cómo no, a sus padres —los inolvidables héroes de la zarzuela Pepa Rosado y Rafael Castejón—, herederos de la tradición del Apolo», explica el teatro en nota de prensa. Para ilustrar el prólogo y el sainete, la producción cuenta con la escenografía de Nicolás Boni, el vestuario de Gabriela Salaverri y la iluminación de Albert Faura.

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Foto: Elena del Real

    Perteneciente a la Escuela de Filosofía de Oviedo, Vidal Peña deja tras de sí una labor referencial como profesor universitario o articulista. «Vidal Peña fue uno de los mejores profesores que tuve. Conocedor como pocos de la historia de la filosofía medieval y moderna, asignaturas que impartía en la Universidad. Experto en Spinoza, tradujo y prologó su Ética para la editorial Alianza, en una de las más brillantes ediciones que se conocen de esa obra. Con Vidal Peña, muchos fuimos los que aprendimos a leer a Spinoza con una profundidad inusual. Era además un profesor amable, austero, poco vanidoso y de talante introvertido. Escucharle en clase era un placer hasta el punto de que en ocasiones los alumnos dejábamos de tomar apuntes para simplemente deleitarnos con su oratoria», explica Andrés Huergo Porta, profesor de filosofía y Jefe de Estudios del IES Santa Cristina de Lena.

   Catedrático de filosofía de la Universidad de Oviedo, ciudad en la que nació el 1 de enero de 1941. Estudiante de la Universidad de Oviedo, se licenció en Derecho en 1962, y en Filosofía y Letras (sección de Filología Románica) en 1967 –en ambas carreras, que culminó con la calificación de sobresaliente, obtuvo, además, el Premio extraordinario de licenciatura–. Durante cinco años –curso 1962-63 a curso 1966-67– fue profesor ayudante de clases prácticas de Derecho Romano, en la Facultad de Derecho de la Universidad de Oviedo, cada vez más interesado por las cuestiones filosóficas –desde el curso 1960 era catedrático de filosofía en esa universidad el profesor Gustavo Bueno–. A partir del primero de octubre de 1967 se incorpora, como profesor adjunto interino de Fundamentos de Filosofía e Historia de los Sistemas Filosóficos, a la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Oviedo, en el Departamento de Filosofía.

   Se doctoró en Filosofía en 1972 por la Universidad de Oviedo, con la tesis El materialismo de Espinosa, dirigida por Gustavo Bueno Martínez teniendo como miembros del tribunal a Carlos París Amador, Emilio Lledó Iñigo, Emilio Alarcos Llorach y Carlos Clavería Lizana. Dos años más tarde fue publicada por la editorial de la Revista de Occidente: El materialismo de Spinoza. Ensayo sobre la Ontología spinozista.

   En septiembre de 1975 se convirtió en funcionario del Estado, al ocupar en propiedad la plaza de profesor adjunto de Fundamentos de Filosofía que venía desempeñando. En diciembre de 1978 fue nombrado Profesor Agregado, y a partir del 20 de julio de 1982, Catedrático de Filosofía en la Universidad de Oviedo, donde ejerce hasta su jubilación, en el curso 2010-2011. Fue miembro del consejo editorial de la revista Los Cuadernos del Norte, ha sido colaborador del suplemento cultural del diario ABC, y, muy aficionado a la música, ejerce la crítica de ópera y ha pronunciado diversas conferencias sobre temas musicales, colaborando con frecuencia con escritos en los programas de diversas temporadas de ópera (Oviedo, Madrid, Granada). Profundo conocedor de Espinosa, sus cuidadas traducciones al español –particularmente las de Descartes y Espinosa– gozan de un merecido prestigio.

   El concierto adquiere una especial significación al plantearse también como un homenaje a Venezuela tras el terremoto que ha afectado recientemente al país. «De esta manera, el Palau y la Orquesta de Valncia quieren expresar su solidaridad y la de su público con las personas afectadas», añade el Palau de la Música en su nota pública. Con este objetivo, el Palau habilitará una Fila Cero para facilitar la participación y colaboración de los ciudadanos y canalizar las aportaciones económicas. Christian Vásquez, director asociado de la Orquesta de Valencia esta temporada, participará en este proyecto como asistente de Dudamel. El director gerente del Palau de la Música, Vicente Llimerá, ha destacado que «este concierto reúne muchos de los elementos que queríamos que estuvieran presentes en la celebración de nuestros 40 años: una Orquesta de Valencia en un gran momento artístico, un director del magisterio y de la dimensión internacional de Gustavo Dudamel, y músicos tan estrechamente vinculados a nosotros como Pacho Flores y Christian Vásquez».

   El Ayuntamiento de Soria y la Junta de Castilla y León coorganizan esta cita musical que se extiende del 10 al 30 de septiembre –con un concierto extraordinario el 11 de noviembre– y reúne dieciséis citas, un estreno absoluto, el homenaje a Falla en su 150º aniversario, el tradicional Maratón Musical Soriano y cuatro preconciertos ofrecidos por grupos de cámara de la Banda Municipal en los porches del Palacio de la Audiencia. 

Una entrevista de Aurelio M. Seco | @AurelioSeco
Estudió derecho y es clavecinista, ha trabajado en un banco, ha ejercido la crítica musical y conoce la docencia como profesor..., Iñigo Alberdi desborda el perfil típico de un gestor musical con una rica complejidad que sin duda es fundamental para entender sus ideas gestoras. Director general de la Orquesta Sinfónica de Bilbao [BOS], Alberdi habla para Codalario de sus ideas y algunos de los objetivos de la orquesta para esta temporada 2026-27, de Juanjo Mena, del ejercicio de la crítica musical, que conoce de primera mano, de la Idea de bosque como marco alegórico inspirador de la temporada, y de su trabajo al frente de entidades como la Sociedad Coral de Bilbao, la Semana de Música Antigua de Estella o la Sinfónica de Euskadi.

 Tiene usted un currículo importante y no demasiado frecuente en el mundo de la gestión musical. 

Antes, ciertos estudios, como el derecho y la música, se podían compaginar. La carrera de música me llevó más tiempo que la de derecho. Primero hice Pedagogía y después Clave… También trabajé en un banco, en Kutxabank, durante años. Esa parte financiera me ha servido de ayuda para mi trabajo y para tratar cuestiones legales y de gestión general. En cualquier caso, mi primer trabajo fue de profesor, en el colegio de la Compañía de María, en Bergara. Daba clase a alumnos de enseñanza secundaria. Pero siempre ha estado relacionado con el mundo de la música bien como músico o como organizador.

También estuvo al frente de la Sinfónica de Euskadi y de la Sociedad Coral de Bilbao. 

Sí, con la sinfónica entre 2006 y 2014 y 9 años con la Sociedad Coral de Bilbao. Además, entre 2017 y 2019 fui director artístico de la Semana de Música Antigua de Estella.

Por Álvaro Cabezas
Sevilla, 2-IX-2026. Teatro de la Maestranza.  Nicholas Brownlee (Wotan), Klaus Florian Vogt (Sigmund), Pablo Heras-Casado (dirección), Orquesta del Festival de Bayreuth. Programa: "Entrada de los dioses al Valhalla" de El oro del Rin; "Ein Schwert verhieß mir der Vater" y "Leb wohl, du kühnes, herrliches Kind!" de La valquiria; y El murmullo del bosque de Sigfrido, de Wagner.

   El maestro granadino Pablo Heras-Casado sale por el lateral derecho del escenario del Teatro de la Maestranza de Sevilla mientras recibe los aplausos del respetable. Sube al podio y, tras intercambiar alguna broma con uno de los primeros atriles, espera a que se haga el silencio antes de acometer la interpretación del pasaje del Acto II de Sigfrido conocido como El murmullo o Los murmullos del bosque, más o menos la sección de la Tetralogía en que Wagner, algo falto de ideas compositivas y argumentales, tiene que hacer una pausa de varios años, desde 1857 a 1869. Hay que aguardar algunos segundos a que se disuelvan esporádicas toses y carraspeos, a que se silencie algún móvil y a que los espectadores acaben de acomodarse en sus localidades, a pesar de ser la cuarta pieza que se interpreta esa noche. Luego, como surgida de la bruma propia de una fresca mañana entre el follaje que dibuja la cuerda –como si se estuvieran desbrozando unas matas o apartando hojarasca–, el clarinete expone el tema de la madre del héroe, no exento de inquietud y nostalgia. Le responden con la misma nana las cuerdas, muy tupidas y, asemejando el efecto de la luz matutina venciendo la sombra boscosa, emerge el dúo evocador de los dos violines que utiliza Wagner para personificar a Fricka en El oro del Rin y que vuelve a aparecer aquí, a pesar de no tener relación con el héroe, sino con el locus amoenus que describe esa melodía y en el que se solaza Sigfrido. A continuación viene la interacción de los pájaros: clarinetes y flautas imitando su canto de forma verdaderamente encantadora, sincronizada, natural y selvática, con su pizca de gracia y flexibilidad. Justo después del crescendo orquestal, a los cuatro minutos de haber comenzado la pieza, el coliseo sevillano se hunde –parafraseando a San Juan de la Cruz–, en la noche oscura del alma wagneriana. Solo quedan encendidas las luces de emergencia próximas a los ingresos de la sala. El escenario entero queda a oscuras, pero los músicos siguen tocando aunque de manera algo más ralentizada, de memoria, quizá entendiendo que lo ocurrido no pretende más que un golpe de efecto, como tantas veces ocurre en los teatros contemporáneos, a la espera, quizá de que salga Sigfrido de un lateral iluminado por un foco. Pero, claro está, nada de eso está preparado y el director, tomando conciencia de que se trata de un accidente, va relajando el movimiento de los brazos mientras mira a ambos lados.

Por Gonzalo Gálvez Espinoza
Santiago de Chile, 25 y 27-VIII-2026. Teatro Municipal de Santiago. Temporada de ópera 2026. Romeo y Julieta. Ópera en prólogo y cinco actos (Charles Gounod). Yaritza Véliz / Isabela Díaz (Julieta), Ben Reisinger / Leonardo Sánchez (Romeo), Ramiro Maturana / Ismael Correa (Mercutio), Evelyn Ramírez / Pamela Zavala (Gertudris), Matías Moncada (Fray Lorenzo), Nicolás Noguchi / David Rojas (Tebaldo), Arturo Espinosa / Sergio Gallardo (Capuleto), Vanessa Rojas (Stéphane), Fabián García (Paris), Pedro Alarcón (Duque de Verona), Rodrigo Quinteros (Gregorio), Cristóbal Álvarez (Benvolio).  Orquesta Filarmónica de Santiago y Coro del Municipal de Santiago.  Director musical:  Patrick Fournillier / Christian Lorca. Director de escena: Alonso Torres.

   En un controvertido ensayo titulado La muerte de la tragedia, George Steiner da a entender que la recepción de la obra de William Shakespeare en Francia ocurrió tardíamente, recién hacia la segunda mitad del siglo XIX. Hasta entonces, influidos, entre otros, por Voltaire, los franceses veían en el dramaturgo inglés un mero «bárbaro hirsuto». Solo en 1827, una compañía inglesa llegó a París para representar, entre otros, el drama Romeo y Julieta (1597). Entre los asistentes a ese debut teatral se encontraba el francés Hector Berlioz, quien hacia 1839 compondría una sinfonía coral basada en esa obra de Shakespeare. Se dice que en los ensayos de esa pieza musical habría estado presente un joven Charles Gounod, el mismo que, casi treinta años después, en 1867, estrenaría en la capital francesa su ópera homónima sobre los enamorados de Verona. 

   Dos décadas después, en 1886, la Romeo y Julieta de Gounod tuvo su debut en Chile. Desde entonces, cinco producciones más se han realizado en este país: 1897, 1983, 2000, 2013 y, ahora, 2026. La presente temporada del Teatro Municipal de Santiago de Chile, en efecto, incluyó seis funciones de la obra, las que tuvieron lugar entre el 21 y 29 de agosto recién pasados. 

   Francisco Lorenzo ha señalado que «una de las virtudes de este ciclo es su apuesta por el talento musical español. La música de cámara vive un momento extraordinario en nuestro país. Contamos con intérpretes y agrupaciones españolas de primer nivel, con carreras internacionales y con una capacidad enorme para dialogar con las grandes tradiciones musicales y, al mismo tiempo, generar nuevos repertorios. Y en este ciclo podremos disfrutar de todo ello». 

   Por su parte, Díaz Pico ha destacado cómo «este ciclo responde a un firme compromiso con la excelencia artística, ofreciendo al público propuestas de la más alta calidad interpretativa y reuniendo sobre el escenario a figuras de reconocido prestigio nacional e internacional. La presencia de grandes solistas y conjuntos camerísticos de referencia confirma la vocación de este proyecto por acercar a los ciudadanos lo mejor de la creación y la interpretación musical».

   Se trata de una coproducción del CNDM que forma parte de su Programa Circuitos, que integra los conciertos, actividades pedagógicas, ciclos y festivales que la unidad organiza a lo largo de toda la geografía española y parte del extranjero. En Castilla y León, el CNDM estará presente en su temporada 26/27 en las ciudades de Salamanca, Segovia y León. 

Una entrevista de Óscar del Saz
Josep Pons (1957), reciente exdirector musical del Gran Teatre del Liceu (desde 2012), fue elegido Director Titular y Artístico de la «Deutsche Radio Philharmonie» en la temporada 2025-26. A lo largo de estos años ha dirigido una cuarentena de títulos, con especial atención a las grandes obras del repertorio de los siglos XIX y XX, como el ciclo del Anillo del Nibelungo, Tristán e Isolda, Parsifal o Lohengrin de Wagner, Elektra de Richard Strauss, Wozzeck de Alban Berg o Pelléas et Mélisande de Debussy, y también de otros estilos como la trilogía Da Ponte de Mozart o Rodelinda de Händel, además de varias estrenos. Es Director Honorífico de la Orquesta y Coro Nacionales de España (OCNE), donde fue director titular y artístico de 2003 a 2012, y también de la Orquesta Ciudad de Granada (1993-2003). Fue fundador de la Orquestra de Cambra Teatre Lliure, de la que fue director titular de 1985 a 1997, y de la JONC (Jove Orquestra Nacional de Catalunya), de la que es «Director fundador». En 1992 fue Director Musical ejecutivo de las ceremonias de los Juegos Olímpicos «Barcelona-92».

Por Pablo Sánchez Quinteiro
Vigo, 14-VIII-2026. Auditorio Mar de Vigo. X Concurso Internacional de Piano Ciudad de Vigo. Gran final. Jacky Xiaoyu Zhang, Yang Gao y Hyo-Eun Park, piano. Orquesta Sinfónica de Galicia. José Trigueros, director. Concierto para piano nº 3 en re menor, op. 30 de Serguei Rachmaninov; Concierto para piano nº 2 en sol menor, op. 16 de Serguei Prokofiev; Concierto para piano nº 4 en sol mayor, op. 58 de Ludwig van Beethoven.

   El Concurso Internacional de Piano Ciudad de Vigo llegó a la gran final de su décima edición dejando la sensación de haber alcanzado una auténtica mayoría de edad. No sólo por la dimensión de los nombres que han conformado su jurado ni por unas cifras de participación difíciles de imaginar cuando nació el certamen, sino porque además, a lo largo de una semana evidenció una personalidad propia construida alrededor de no pocos aspectos que lo distinguen de buena parte de las competiciones pianísticas tradicionales.

   Las impresiones que había dejado el excepcional concierto inaugural, con Martha Argerich, Pablo Galdo y Jeremy Irons, aquí reseñado, se confirmaron durante las jornadas siguientes. Estas fueron el fruto de la candidatura de cuatrocientos pianistas procedentes de 77 países a una edición que terminó reuniendo en Vigo una amplia representación de escuelas, generaciones y maneras de entender el piano. A lo largo de las tres rondas que precedieron a la gran final, los pianistas se enfrentaron al constante escrutinio de un jurado de lujo. Junto a Argerich y al propio Galdo se sentaron figuras de la dimensión de Paul Lewis, Robert Levin, Mauricio Vallina y Valerian Shiukashvili. Particularmente extraordinaria resultó la implicación de Argerich. A sus ochenta y cinco años asistió a la totalidad de unas sesiones que algunos días comenzaron a primera hora de la mañana y terminaron bien entrada la madrugada, siempre con una curiosidad y una energía que desmentirían cualquier prejuicio acerca de lo simbólico de su presencia.

   Nacida en Galaţi el 9 de junio de 1939 en el seno de una familia de músicos, Ileana Cotrubaş inició su trayectoria artística a los nueve años en el Coro Infantil de la Radio Rumana. Tras instalarse en Bucarest en 1952 para cursar estudios en la Escuela Especial de Música, debutó en el escenario de la Ópera de Bucarest en 1964, antes de conquistar los grandes escenarios del mundo. Galardonada en prestigiosos concursos internacionales, Ileana Cotrubaş actuó en las Óperas Estatales de Viena, Hamburgo y Berlín, así como en el Festival de Salzburgo, Glyndebourne, la Royal Opera House (Covent Garden), La Scala de Milán y el Metropolitan Opera de Nueva York. Su actuación de 1975, cuando sustituyó a última hora a Mirella Freni en el papel de Mimì en La Bohème en La Scala, sigue siendo un momento icónico de su carrera. Admirada por la singularidad de su voz, la inteligencia de su fraseo y la fuerza expresiva de sus interpretaciones, Ileana Cotrubaş colaboró ​​con directores de orquesta legendarios y dejó una huella profunda en el repertorio operístico, abarcando desde Mozart y Verdi hasta Puccini, Bizet y Offenbach. Tras retirarse de los escenarios, siguió contribuyendo al arte del canto a través de la enseñanza y las clases magistrales, formando e inspirando a generaciones de artistas. Cotrubas también dejó parte de su magisterio artístico en España como profesora. En Madrid ofreció clases magistrales de la mano de Alfredo Kraus, en la Escuela Reina Sofía, entre otros, al tenor español Antonio Gandía. 

  Plácido Domingo se ha mostrado, esta misma tarde, «Profundamente entristecido por el fallecimiento del gran soprano rumana Ileana Cotrubaș. Ileana y yo fuimos colegas cercanos durante tantos años, como Violetta y Alfredo en La Traviata, Mimì y Rodolfo en La Bohème, Gilda y el Duque en Rigoletto, Antonia y Hoffmann en Los cuentos de Hoffmann, y Nedda y Canio en Pagliacci, etc. Con Ileana, gran cantante y actriz como compañera de escenario, creíamos en los personajes que retratábamos y pudimos crear actuaciones memorables que llegaron al corazón de nuestro público. Mi querida Ileana, descansa en paz», concluye Domingo en sus redes sociales.

   Los primeros conciertos finales tendrán lugar en La Seu d’Urgell el miércoles 19 de agosto, y en Berga el jueves 20, respectivamente. Gli Incogniti, en formato de cámara, interpretará un programa dedicado a George Frideric Handel y Georg Philipp Telemann titulado De una exquisita singularidad, un programa celebra la amistad y el respeto que unía a estos dos genios del Barroco alemán. Si FeMAP cumple en 2026 quince años, Gli Incogniti cumple veinte, desde que en 2006 Beyer reuniera a un grupo de amigos para hacer música juntos. Hoy es uno de los conjuntos europeos de referencia en la interpretación históricamente informada, explorando un repertorio que va desde el Barroco (Vivaldi, Bach, Pachelbel, Biber) hasta el periodo clásico con Haydn, C.P.E. Bach o Mozart.

   Los dos últimos conciertos de FeMAP 2026 correrán a cargo de Bach Collegium Barcelona, quienes tocarán el sábado 22 de agosto en La Seu d’Urgell y el domingo 23 en Camprodón, poniendo así punto final a esta 15.ª edición. Esta agrupación catalana [fundada en 2018], formada por un coro y orquesta, tiene la flexibilidad de convertirse, como en esta ocasión, en un grupo de cámara de cuatro músicos, liderado por Adriana Alcaide. Con su programa Stylus Phantasticus, ofrecerá música de Johann Sebastian Bach, Dieterich Buxtehude, Georg Muffat, Johann Pachelbel, Johann Adam Reincken y Johann Rosenmüller.

   Un año más, y con mayor orgullo en este 2026 en que cumple quince años, el Festival de Música Antiga dels Pirineus ha ofrecido todo tipo de propuestas musicales relacionadas con las músicas históricas, desde obras de autores canónicos hasta compositores mucho menos conocidos o menos habituales en conciertos sobre los escenarios catalanes, pasando por las músicas de otras tradiciones culturales, sin olvidar la recuperación patrimonial de autores como F. Chelleri, J. Picanyol, F. Valls y algunos anónimos –en el marco de la producción propia de FeMAP de este año–.

   Ximo Clemente Riera comienza sus estudios musicales en el Conservatorio de Buñol. «Tener que despedirnos de nuestro contrabajista Ximo Clemente Riera nos deja hoy muy tristes y consternados. Se nos va demasiado pronto y solo podemos mandar todo el cariño y fuerza a su hermano Abel y al resto de su familia en unos momentos tan difíciles de parte de todos los que formamos esta Sociedad. Descanse en paz», explicaba La Sociedad Musical «La Artística» de Buñol ayer en sus redes sociales. En 2000 recibe el título Superior de Contrabajo en el Conservatorio Superior de Valencia. Continua sus estudios en Guildhall School of Music & Drama. Fue ayuda de solista de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León desde 2003 a 2015, profesor del Conservatorio Superior de Salamanca. Colaboró con conjuntos como la Orquesta Nacional de España, Sinfónica de Madrid, Orquesta Municipal de Valencia y Orquesta Sinfónica de Galicia.  También trabajó como Ayuda de Solista en la Nederlands Kamerorkest, siendo ademas profesor en el Conservatorio Superior de Zaragoza.

Foto: Facebook OFGC

Por Raúl Chamorro Mena
San Lorenzo de El Escorial, 15-VIII-2026. Festival Escena Escorial. Teatro Auditorio. Recital Grigory Sokolov, piano. Obras de Ludwig van Bethoven, Franz Schubert. Johannes Brahms, Fryderyk Chopin, Alexander Skriabin y Johann Sebastian Bach. 

   Recuerdo el concierto inaugural, tanto del Teatro Auditorio como del Festival Internacional de San Lorenzo de El Escorial, el día 3 de julio de 2006 con presencia de los Reyes de España y actuación de Riccardo Muti al frente de la orquesta y coro del Maggio Musicale Fiorentino.

   La idea originaria era en convertir este ciclo en una prestigioso Festival veraniego a semejanza del de Salzburgo aprovechando el turismo estival en la Comunidad de Madrid. El hecho es que el asunto no se consolidó y el nivel de los programas fue bajando hasta convertirse en algo irrelevante con la excepción de algunos muy puntuales eventos.   

   La Comunidad de Madrid confiere al Festival un nuevo impulso con la denominación de Escena Escorial, Festival Internacional de artes escénicas bajo el manto de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid [ORCAM] y con su directora musical y artística al frente. La propia Alondra de la Parra presentó micrófono en mano este nuevo certamen, que tendrá como base la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid más la actuación de dos leyendas como Grigory Sokolov y Daniel Barenboim. 

   Como prólogo a esta primera edición de esta refundación del Festival de El Escorial se programó un recital del ya legendario pianista Grigory Sokolov. Hace tiempo que renunció a los conciertos con orquesta y ofrece sólo recitales anuales basados en un mismo programa trabajado con minuciosidad, intensidad y profunda disciplina.  

Una entrevista de Pablo Sánchez Quinteiro
Hay artistas cuya sola presencia modifica la dimensión de un acontecimiento. Martha Argerich pertenece desde hace décadas a esa categoría excepcional. Su llegada a Vigo para la X edición del “Concurso Internacional de Piano Ciudad de Vigo” ha trascendido a la habitual visita de una gran figura invitada. Argerich inauguró el certamen compartiendo piano con Pablo Galdo, director y alma mater de la competición, y a continuación permaneció durante toda la semana entregada a una intensa sucesión de audiciones como presidenta del jurado que culminaron en la gran final con la participación de la Sinfónica de Galicia.

El concierto inaugural, celebrado en el Auditorio Martín Códax, permitió escuchar a Argerich y Galdo en un programa dedicado a Ravel, Debussy, Schubert y Shostakovich, al que se sumó posteriormente “El carnaval de los animales de Saint-Saëns”, con el ilustre oscarizado Jeremy Irons como narrador. Fue el comienzo de una edición particularmente ambiciosa de un concurso que ha conseguido reunir en Vigo como jurados de la presente edición a nombres tan ilustres como Paul Lewis, Robert Levin, Valerian Shiukashvili y Mauricio Vallina junto a la propia Argerich y Galdo.

Argerich habla como si cada pregunta pudiera llevarla inesperadamente hacia otro lugar. Sus respuestas pueden ser brevísimas y, de repente, una asociación abre una historia: Friedrich Gulda, Scaramuzza, Michelangeli, el Concurso Chopin, la desaparición de las tiendas de partituras, los niños absortos ante el teléfono móvil o la necesidad de que el intérprete no se sitúe nunca por delante de la música. Y aparece Nelson Freire. Entonces las palabras se hacen más difíciles.

Pablo Galdo ocupa en esta conversación una posición singular. Es uno de los pianistas españoles con mayor proyección internacional, comparte teclado con Argerich y es, al mismo tiempo, creador y responsable de un certamen que, en apenas diez ediciones, ha conseguido situar Vigo durante una semana en el centro del mundo pianístico.

   El 22 de agosto Delirivm Musica ofrecerá un concierto en la Iglesia de la Purísima Concepción, en Bustarviejo, con sonatas italianas para flauta de pico y bajo continuo, con Rocío López al violonchelo Diego Fernández al clave y Juan Portilla tocando la flauta de pico y asumiendo la dirección artística. El Euskal Barrok Ensemble ofrecerá dos conciertos, el 15 y 16 de agosto, en la Iglesia Asunción de Nuestra Señora, en Robledo de Chavela, y en Soto del Real, en la Iglesia de la Inmaculada Concepción. «Dances & Fantasies propone un recorrido por la música europea del Renacimiento y el Barroco en el que se difumina la frontera entre lo culto y lo popular. A través de formas como alemandas, pavanas, correntes, sarabandas y gigas, junto a bailes españoles e italianos como jácaras, marionas o pasacalles, el programa muestra el continuo intercambio entre la música de palacio y la de la calle, con especial presencia de los bassi ostinati como base de la improvisación. Estas estructuras, presentes incluso en Bach, revelan una cercanía con tradiciones que hoy asociamos al blues o a músicas populares. El recorrido se enriquece con la figura de Dimitrie Cantemir, príncipe ilustrado y músico otomano, cuya obra ofrece una visión singular del Barroco en el Imperio Otomano, hoy recuperada y reinterpretada», explica el festival. El conjunto está formado por Miren Zeberio (violín barroco y rabel), David Rodriguez (percusión) y Enrike Solinís (laudes y guitarras)

Foto: Web Opera Omnia

Por Pablo Sánchez Quinteiro
Tui, 5-VIII-2026. Catedral de Santa María de Tui. Música no Claustro. Eugenia Boix, soprano. Silvia Márquez Chulilla, órgano. Obras de Francisco Correa de Arauxo, John Dowland, Thomas Tallis, Georg Friedrich Händel, Johann Sebastian Bach, Johannes Brahms, Felix Mendelssohn y autores anónimos del Libro de órgano de la Catedral de Tui.

   En uno de los rincones más fascinantes de Galicia, por su geografía, su historia y la extraordinaria riqueza de su patrimonio artístico y cultural, se celebra desde hace ya veinte años un festival que ningún aficionado a la música debería pasar por alto. Música no Claustro ha alcanzado en 2026 su vigésima edición, una cifra nada menor para una iniciativa surgida en 2005 casi de manera espontánea, a partir de dos conciertos ofrecidos por la flautista Patricia González y el guitarrista Samuel Diz.

   El proyecto nació por iniciativa del canónigo Ricardo García Fernández, con la voluntad de abrir a la sociedad el magnífico claustro medieval de la Catedral de Tui a través de la música y, al mismo tiempo, prestar una atención especial a los jóvenes intérpretes y al tejido cultural del entorno. Bajo el impulso y la dirección artística de Samuel Diz, aquella experiencia inicial fue creciendo hasta consolidarse como un festival de personalidad muy definida, articulado en torno a tres ejes fundamentales: música, patrimonio y creación.

   Celebrada del 1 al 7 de agosto, la edición de este año ha adquirido además una significación especial al coincidir con el octavo centenario de la consagración de la Catedral de Tui. Siete conciertos gratuitos, siempre a las nueve de la noche, han trazado un recorrido estilístico particularmente amplio, desde la música antigua y el repertorio organístico hasta la creación contemporánea, el flamenco, el jazz, la canción de autor y la música de cámara. La programación se ha completado con las actividades del Espacio Lutier, dedicado a la construcción, conservación, restauración y estudio de los instrumentos musicales.

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Foto: Codalario/Jorge Alvariño

Por Pablo Sánchez Quinteiro
Vigo, 7-VIII-2026. Auditorio Martín Códax del Conservatorio Superior de Música de Vigo. X Concurso Internacional de Piano Ciudad de Vigo. Concierto inaugural. Martha Argerich y Pablo Galdo, piano. Jeremy Irons, narrador. Conjunto instrumental. Obras de Claude Debussy, Franz Schubert, Maurice Ravel, Dmitri Shostakovich y Camille Saint-Saëns.

   Hay artistas cuya sola presencia modifica la dimensión de un concierto, por significativo que este sea. Martha Argerich pertenece desde hace décadas a esa categoría excepcional. No necesita presentación ni, probablemente, demasiada biografía: desde aquella niña prodigio nacida en Buenos Aires en 1941, formada primero con Vincenzo Scaramuzza y trasladada en 1955 a Europa, donde estudiaría, entre otros, con Friedrich Gulda, hasta la vencedora del Concurso Chopin de Varsovia en 1965, transcurre una de las trayectorias fundamentales del piano de nuestro tiempo. Reducirla a premios, grabaciones o conciertos sería olvidar lo esencial: su inagotable curiosidad musical, su pasión por compartir escenario y su decisiva labor de transmisión hacia varias generaciones de intérpretes.

   Que una artista de semejante dimensión estuviese el viernes en el Auditorio Martín Códax del Conservatorio Superior de Música de Vigo no podía considerarse un concierto más. Argerich inauguraba junto a Pablo Galdo la décima edición del Concurso Internacional de Piano Ciudad de Vigo, certamen que Galdo, uno de los pianistas españoles más internacionales, ha creado y dirige y que ha alcanzado este año cerca de cuatrocientas candidaturas procedentes de 77 países. La incorporación de la Orquesta Sinfónica de Galicia a la final del próximo viernes 14 de agosto es una prueba más de la pujanza de la presente edición y de la ambición con la que el concurso afronta una nueva etapa. A ello se suma un jurado de excepcional categoría internacional integrado por la propia Argerich, Galdo, Paul Lewis, Robert Levin, Valerian Shiukashvili y Mauricio Vallina.

   Las cinco finalistas, Louise Acabo, Olga Davnis, Anastasiia Egorenkova, Hilda Huang [segundo premio] y la propio Irene Roldán, se enfrentaron en la última sesión celebrada la tarde-noche del 6 de agosto, declarando triunfadora a la española, que en esta última ronda interpretó el siguiente programa: Passacaglia Ungehrese, de György Ligeti; Polonesas nº. 7, 8 y 1, de las Zwölf Polonaisen de Wilhelm Friedmann Bach; y Concierto para clave n.º 2 en mi mayor, BWV 1053 de Johann Sebastian Bach. El primer premio incluye también la oportunidad de un concierto en la edición de 2027 del propio MA Festival, e incluye el llamado el Premio Outhere, que permite al vencedor de cada edición llevar a cabo una grabación para el sello belga Ricercar, perteneciente al grupo de sellos que da nombre al premio.

   Roldán ha protagonizado recientemente la portada de CODALARIO correspondiente al mes de julio de 2026, y está considerada una de las jóvenes clavecinistas con mayor proyección a nivel mundial. Roldán será una de los cinco intérpretes que protagonizarán el nuevo ciclo que el Centro Nacional de Difusión Musical [CNDM] dedicará a este instrumento a solo, bajo el título En clave de concierto, junto a figuras de la talla de jean Rondeau, Benjamin Alard, Céline Frisch y Diego Ares.

Fotografía: Eduardus Lee.

Foto: Facebook de la directora

Foto: La Scala

Foto: Katie Peters

Foto: Steven Harris

Una entrevista de Pablo Sánchez Quinteiro y Miguel Pazos Otón
No es frecuente que una trayectoria tan joven alcance, en tan poco tiempo, uno de los destinos más exigentes y simbólicos del panorama orquestal internacional. Desde hace un año, Raquel Areal se encuentra en periodo de prueba -trial- con la Orquesta Filarmónica de Berlín, un logro que la sitúa no solo entre las intérpretes españolas con mayor proyección de su generación, sino también dentro de un selectísimo grupo de músicos que han superado uno de los procesos de selección más duros y transparentes del mundo musical.

Natural de Tui, Raquel Areal encarna una combinación poco habitual de talento, rigor y determinación. Su incorporación a la Filarmónica de Berlín es la culminación lógica de un recorrido sólido, forjado en una formación de altísimo nivel y en una comprensión profunda del oficio orquestal. En un contexto donde el acceso a las grandes orquestas europeas es cada vez más competitivo, su presencia en Berlín invita a reflexionar sobre los caminos reales de la excelencia musical, el papel de la formación internacional y el lugar que hoy ocupan los músicos españoles en la élite interpretativa.

Esta entrevista propone, adentrarse en ese recorrido: los orígenes, las decisiones clave, la experiencia desde dentro de una orquesta mítica y la mirada crítica de una intérprete que, pese a haber alcanzado una meta soñada por muchos, sigue concibiendo la música como un proceso en permanente construcción.

Foto: Web Festival Peralada

Por Aurelio M. Seco | @AurelioSeco
Hay que distinguir entre los artistas irreverentes, a los artificiosos que van de revolucionarios pero que no lo son y a los originales por esencia. Es difícil, a veces imposible, encontrar las diferencias entre la impostura y una visión poética natural. Pero, al fin y al cabo, ¿qué es natural? Tenemos, por un lado, a los artistas más o menos respetuosos con las partituras y, por otro, los que se apoyan en ellas con intención de ofrecer cierta novedad o simplemente ofrecerse. Hay peligros en ambas posiciones: lo rutinario o lo excéntrico. Lo fundamental, como observadores, es acertar con la visión poética, no malinterpretarla ni desvirtuarla, corriendo el riesgo de faltar al respeto a algo valioso, o al contrario, de potenciar el pianismo vacuo, o sea, la impostura y la vulgaridad tomándola como canon virtuoso, algo que también encontramos, a veces encumbrado, en nuestras salas de conciertos.

   Hoy hablamos de Leonid Egorov, pianista poco conocido en las grandes salas, por ser un criterio interesante a la hora de calibrar el mundo del piano del siglo XXI, un mundo en el que se repiten casi siempre los mismos nombres fetichizados, artistas en muchas ocasiones interesantes, en otras no. Lo que nos preguntamos ahora es el porqué de la dificultad del sistema de conciertos de dar su lugar a ciertos pianistas especiales, artistas cuyas redes sociales no están llevadas por el profesional o agente de turno con las características de «seriedad» y equilibro al uso para los malos tiempos que corren, artistas que, cuando hablan o escriben, casi era mejor que no hablasen ni escribieran y que se limitasen a tocar, pero no porque no posea valor su semántica, sino porque ésta se malinterpreta desde la más vulgares y extendidas categorias.

   Cuando observamos la trayectoria de Egorov, entendemos cuando toca de dónde puede venir su perspectiva poética. El pianista ruso aprendió con  Valentina Pavlova y Anna Pavlovna Kantor, famosa profesora de Evgeny Kissin cuyas lecciones Egorov entendió en un sentido diferente, yendo en la dirección de Horowitz y Cortot. Hay, en el mundo del piano, como dos corrientes poéticas, la una más exitosa que la otra. Exitosa en un sentido sociológico-administrativo cuantitativo, porque no podemos decir que Horowitz haya tenido menos éxito que, por ejemplo, Michelangeli. Más bien al contrario. Pero ambos podrían tomarse como artistas geniales representativos de dos perspectivas poéticas distintas. La primera da la impresión de proponerse como elemento actualista de la partitura, la segunda, como una especie de mediun entre el plano y el artista. Es una distinción equivocada, porque ambas perspectivas son mediatas, pero desde la perspectiva de los segundos, el arte de de Alfred Cortot, Vladimir Horowitz, Kemal Gekic y Leonid Egorov, parece de una originalidad excéntrica, incluso de falta de reverencia hacia «el mensaje del compositor», anhelo vacuo de la mayoría de los artistas del presente, secundario en cualquier caso, independientemente de que en las partituras se pueda llegar a reconocer cierta adherencia al mensaje divino.

Foto: Facebook Delirivm Musica

Foto: Web Kent Nagano

Por Óscar del Saz | @oskargs
Barcelona. 24-VII-2026. Gran Teatro del Liceo. Octava Sinfonía de Gustav Mahler (1860-1911), Sinfonía de los mil. En el marco del 150.º Aniversario del nacimiento de Pau Casals. Magna Peccatrix (Elisabeth Teige) (soprano dramática), Poenitentium (Jacquelyn Wagner) (soprano), Mater Gloriosa (Elena Villalón) (soprano), Mulier Samaritana (Beth Taylor) (mezzosoprano), Maria Aegiptiaca (Mihoko Fujimura) (mezzosoprano), Doctor Marianus (Michael Spyres) (tenor), Pater Ecstaticus (Nicholas Brownlee) (bajo-barítono), Pater Profundus (Albert Dohmen) (barítono dramático). Orquesta Sinfónica del Gran Teatro del Liceo, Coro del Gran Teatro del Liceo (Pablo Assante, director), Coro Nacional de España (Miguel Ángel García Cañamero, director), Polifónica de Puig-reig (Emmanuel Niubò, director), Cor Vivaldi-Pequeños Cantores de Cataluña (Pilar Paredes, directora). Josep Pons i Viladomat, director.

   Resulta especialmente interesante destacar que la obra que nos ocupa, la Octava Sinfonía de Mahler, podría funcionar como una metáfora del legado del propio Josep Pons (1957). El maestro arribó al Liceu en 2012, con la misión de reforzar el nivel musical de la Casa. Una de sus aportaciones más reconocidas de su impronta ha sido precisamente la mejora y consolidación de las formaciones estables, especialmente la Orquesta y el Coro. 

   Que la despedida -más bien, legado- se produzca con esta partitura, que exige el máximo rendimiento de todas esas fuerzas -incluidas las ayudas vocales externas-, y es tan afín a su concepción de la completitud musical, puede interpretarse como una demostración pública del camino recorrido, de un bonita rememoración de su paso por la OCNE (2003-2012) y de la significación de su Patria Chica, Puig-reich, de la que proviene. Obviamente, la historia de debuts musicales del maestro Pons procede de mucho más atrás y data de 1985 cuando fue fundador y director titular de la Orquestra de Cambra Teatre Lliure, su primer gran proyecto profesional. Su debut en el Gran Teatre del Liceu fue en la temporada 1993-1994 con «El amor brujo», de Manuel de Falla.

   El sucesor de Josep Pons será el director británico Jonathan Nott (1962), que asumirá el cargo a partir de la temporada 26/27, con un contrato inicial de cinco temporadas, habiendo sido director titular de la Tokyo Symphony Orchestra y director musical y artístico de la Orchestre de la Suisse Romande. El propio Josep Pons respaldó públicamente el nombramiento, calificándolo como «un gran acierto» para el Liceu y para la vida musical española. Afortunadamente, Josep Pons no romperá completamente su vínculo con el teatro: desde la temporada 26/27 pasará a ser Director Musical Honorario del Liceu. 

Por Aurelio M. Seco | @AurelioSeco
Asistir a un concierto dirigido por Daniel Barenboim es uno de los mayores privilegios que se pueden tener, el ofrecido por un gigante cuya poética se ha desarrollado a hombros de gigantes. Al analizar La música despierta el tiempo, pusimos de relieve la profundidad filosófica y musical de un mensaje que se nutre de algunos de los más destacados filósofos y músicos que han existido. Y como nada sale de la nada, Barenboim se ha ido desarrollando como un genio, teniendo algunos modelos presentes.

   Algo querrá decir que los más prestigiosos músicos de cada época citen siempre los mismos nombres. Hablando del campo pianístico, Vladimir Horowith, por ejemplo. Ahí tenemos a Martha Árgerich y su virtuosísmo preciosista y magnético como testimonio de reverencia al gran Horowitz. Más difícil es concretar las virtudes de los grandes artistas. Hay, en el campo de las artes, un misterio sagrado fetichizado y un misterio divino fetichizante, cuyo enigma sin duda existe pero que también admite certezas que obligatoriamente hay que poner sobre la mesa si es que se quiere entender algo en lo que a «valor artístico» se refiere. 

   En el terreno de la dirección orquestal, se observa en Barenboim una obvia influencia del director de orquesta rumano Sergiu Celibidache, no sólo por la búsqueda de cierta lentitud en algunas ocasiones, una característica frecuente en los más grandes, pero que el genial maestro rumano entendió como una postura límite normalizada en su manera de hacer música. Pero no es la lentitud una característica que idenfique el estilo de Barenboim. La técnica conductora de Celibidache se siente en él palpitando en el fondo, al igual que su idea de Autoridad ante la orquesta y en su forma de hacer algunas partituras.

   No todo en la vida es triturable ni destructible. Tener esta perspectiva como precepto nos parece un error salvo que lo aplique un verdadero genio filosófíco. Así, cabe reivindicar la figura de Heinrich Schenker a través de Celibidache, no porque la estructura schenkeriana esté detrás de la conciencia musical de los compositores sino porque, pudiendo estarlo en algún caso excéntrico, creemos que dicho marco conceptual ha podido contribuir a dotar de mayor claridad algunos pasajes orquestales tradicionalmente borrosos. Así, al final del primer movimiento de la preciosa Sexta sinfonía de Bruckner, Celibidache da la impresión de haberse embebido del concepto de Urlinie para clarificar ciertas líneas que, en la mayoría de los directores, o no se muestran, o lo hacen desdibujadas, como en un desorden poco reconfortante. Nos parece que la divinidad de Karajan o la de Bernstein no llegó a entrever, o quizás compartir, el potencial del hallazgo celebidachiano en esta obra, pero sí lo encontramos en Barenboim, maestro que en esta partitura creemos apreció su aportación, sobre todo en la versión de 1978, cuando un joven Daniel Barenboim la grabó con la Sinfónica de Chicago.

   De la misma forma, vemos que la poética de Furtwangler, no siempre bien entendida por numerosos críticos, posee un potencial artístico singular, una mezcla de pasión y entrega a la Idea de Arte musical, de conciencia poética trascendental, de humildad ante el hecho artístico, que no tiene que ver con dar más peso a lo estructural o a lo técnico, a lo alegórico y moral, sino con cierto hallazgo o actitud general ante el proceso, capaz de generar momentos musicales inesperadamente sublimes.

Foto: Miquel González – Shooting

   Esta singularidad en cuanto a las localizaciones tiene esta semana su correlación en las poco habituales propuestas musicales que nos presenta el festival en los próximos días:

   Los días 24 [en Campdevànol] y 25 [en Ger] de julio el Ensemble Contratemps presentará su programa Orishas Música espiritual cubana. Uniendo el tres cubano,  el trombón y la percusión al órgano de mano, el violone y la  viola de arco, junto con chirimías y salterio,  este conjunto internacional ofrecerá obras de Juan Arañés, Hernando Franco, Marin Marais, Cayetano Pagueras, Santiago de Murcia, Gaspar Sanz y autores anónimos. Los cantos dedicados a los orishas –divinidades de origen africano presentes en la religiosidad afrocubana– y las obras de compositores que hicieron dialogar la espiritualidad cubana con el lenguaje musical del Renacimiento hispánico invitan a un viaje sonoro que celebra la fuerza del mestizaje cultural como fuente inagotable de creatividad.

   Los mismos días 24 y 25, pero en Arboló [Soriguera] y Santa Coloma [en Andorra la Vella], respectivamente, será el turno del programa titulado Vivo contento per cruda beltà. Música italiana del Seicento. Con el canto de José Hernández Pastor, el arpa de Laura Puerto y la viola da gamba de Calia Álvarez, se escuchará música de Francesco Cavalli, Antonio Cesti y Claudio Monteverdi, autores de de un nuevo lenguaje sonoro en el que la palabra se convierte en protagonista.

   Acabando el mes de julio y entrando ya en agosto, FeMAP sigue presentando una variada propuesta, que comienza el viernes 31 en la Casa Restany de Els Banys [Els Banys i Palaldà, el sábado 1 en Sant Joan de les Abadesses y el domingo en la  Sala Congesta de Portbou] con el grupo Cordis in Custodia, que ofrecerá  su programa A dúo y a solo. Voces, silencios y diálogos interiores. Dos contratenores, dos tiorbas y un violonchelo barroco ejemplifican la idea de intimidad en la música de cámara del barroco italiano mediante la alternancia de perspectivas musicales: dos voces en diálogo, una sola voz.

   En Berga el día 31 de julio y en Organyà el 1 de agosto, el violín barroco de Adrián Linares y el órgano y clave de Juan de la Rubia se unen para presentar Venetia. Música de la República Veneciana y su huella en Europa, un programa con piezas de Giovanni Bassano, Claudio Merulo, Francesco Rognoni, Dario Castello, Giovanni Maria Trabaci, Philipp Friedrich Böddecker, Girolamo Frescobaldi, Heinrich Ignaz Franz von Biber y Antonio Vivaldi. Un gozoso recorrido por uno de los momentos más fascinantes de la historia de la música, con la Venecia de los siglos XVI y XVII como escenario. Nuevas formas de hacer sonar la música veían la luz: diálogos entre voces e instrumentos, contrastes de luz y sombra, efectos de eco, una rica paleta tímbrica y una expresividad cada vez más intensa.

   Para todos estos conciertos, y los que aún se presentarán en este FeMAP, se pueden conseguir las localidades a través de la venta on-line o directamente en taquilla antes de cada concierto. Visitando su página web también se puede acceder a la propuesta de packs turísticos (hotel, entrada concierto y visita guiada en un solo click).

Foto: Web Josep Pons

Por Pablo Sánchez Quinteiro
La Coruña, 2-VII-2026. Paraninfo de la Universidade da Coruña. Concertos de Verán de la Orquestra de Cámara Galega y la Fundación Rogelio Groba. Diana Tishchenko, violín; José Gallardo, piano. Maurice Ravel: Sonata para violín y piano n.º 2 en sol mayor. Eugène Ysaÿe: Sonata para violín solo n.º 3 en re menor, op. 27, «Ballade». George Enescu: Sonata para violín y piano n.º 3 en la menor, op. 25, «dans le caractère populaire roumain»; 

   Aunque su denominación pudiera sugerir una programación más ligera o amable, los «Concertos de Verán» promovidos por la Orquestra de Cámara Galega y la Fundación Rogelio Groba son un ejemplo de una ambición artística que aleja cualquier asociación entre el verano y una relajación de los criterios musicales. La iniciativa cubre, además, dos carencias importantes de la vida cultural coruñesa: la escasa presencia estable de la música de cámara y la posibilidad de escuchar en la ciudad a intérpretes de verdadera dimensión internacional en un registro mucho más cercano y menos formal que los conciertos sinfónicos. Todo ello con entrada gratuita, un aspecto que no debería considerarse secundario cuando se trata de ampliar el acceso a propuestas de esta categoría.

   El recital ofrecido en el Paraninfo de la Universidade da A Coruña por la violinista ucraniana Diana Tishchenko y el pianista argentino José Gallardo, ambos afincados en Berlín, constituyó una muestra particularmente elocuente. Ni el programa -Ravel, Ysaÿe y Enescu- ni la exigencia de sus planteamientos interpretativos permitían concesión alguna a una escucha superficial. Por el contrario, se trataba de una propuestas cohesionada, en las que las obras tendieron puentes entre sí por sus afinidades, pero también por sus contrastes: la sofisticación tímbrica francesa, el virtuosismo entendido como exploración expresiva y la asimilación de elementos populares dentro de un lenguaje musical de extraordinaria elaboración.

Por Aurelio M. Seco | @AurelioSeco
El Palau de la Musica de Valencia acaba de presentar su impresionante temporada de conciertos 2026-27, una programación marcada por la reciente noticia de la renovación de contrato de Alexander Liebreich como director musical de la Orquesta de Valencia. La temporada está repleta de grandes nombres, resultando llamativa la presencia de obras sinfónicas tan difíciles de interpretar como atractivas de oír, destacando la de Daniele Gatti y su Staatskapelle Dresden, que pondrá sonido a la integral sinfónica beethoveniana.

   La temporada comienza en octubre con Liebreich y la Orquesta de Valencia tocando partituras de Wagner y Strauss. El mismo mes visita el templo del Palau la Sinfónica de Dusseldorf de la mano de Adam Fischer, maestro serio y experimentado que ofrecerá su versión de la Sinfonía nº 3 de Mahler con la voz de la mezzo Catriona Morison, la Coral Juan Bautista Comes y el Orfeón Universitario de Valencia. El 23 de octubre le llegará el turno a otro gran conjunto, la Orquesta Nacional de España, de la mano de David Afkham, que acompañará al violinista Frank Peter Zimmermann en el Concierto de Walton y ofrecerá su versión de la preciosa Sinfonía nº 2 de Rachmaninov. Precisamente la ONE debuta hoy, de su mano, en los famosos Proms de Londres.

   El 30 de octubre, artistas tan brillantes como la violinista Julia Fischer y el chelista Daniel Muller-Schott ofrecerán su version del Doble concierto de Brahms, de la mano de Edward Gardner y nada menos que la Filarmónica de Londrés, dejando para la segunda parte la Sinfonía Manfred de Tchaikovksy, en lo que es uno de los conciertos más atractivos del inicio de temporada. El pianista virtuoso Andrey Gugnin ofrecerá su version del poco frecuentado Concierto para piano nº 3 de Prokofiev el 31 de octubre, el mismo día que Timur Zangiev interpretará El pájaro de fuego de Stravinsky.

   Rinaldo Alessandrini y sus preceptos «historicistas» se pondrán al servicio de partituras de Bach, entre ellas el Magnificat en re mayor y la Cantata Meine Seel erhebt den Herren. Como solistas cantarán Emoke Barath, Teresa Iervolino, Cameron Shahbazi, Jorge Navarro Colorado y Benjamin Appl junto a la Orquesta de Valencia. El 11 de noviembre, la Sinfónica SWR de Stuttgart visitará la ciudad con Francois Xavier Roch e Isabelle Faust para hacer el Concierto para violín en re mayor de Beethoven y Una vida de héroe de Strauss. Otra conocida orquesta europea, la Gustav Mahler Jugenochester llegará el 12 de noviembre con Cristian Macelaru y Julia Hagen haciendo el Concierto para chelo de Dvorak, que sonará dos veces esta temporada, y la  emocionante Sinfonía nº 6 de Tchaikovsky.

Foto: Javier del Real / Teatro de la Zarzuela

Por Raúl Chamorro Mena
Aix-en-Provence, 12-VII-2026, 22 horas. Teatro del Arzobispo. Espectáculo ideado por Romeo Castellucci que incluye como base el Réquiem en Re Menor K. 626 de Wolfgang Amadeus Mozart junto con fragmentos de otras composiciones de Mozart y otros autores. Mélissa Petit, soprano. Beth Taylor, mezzosoprano. Duke Kim, tenor, Alex Rosen, bajo. Ramy Lazreq, voz blanca.  Coro y Orquesta Ensemble Pygmalion. Dirección musical: Raphäel Pichon. Dirección de escena, escenografía, decorados e iluminación: Romeo Castellucci. Coreografía: Evelin Facchini.

   El protagonismo omnímodo de los directores de escena en el teatro lírico actual ha abonado inmensos egos, que creen situarse por encima de cualquier otro talento incluidos los propios autores de las obras. Romeo Castellucci, que es uno de los considerados más “vanguardista” o “rompedor”, toma como base en este espectáculo que data de 2019 y que se ha podido ver en diversos lugares -incluido el Liceo de Barcelona- una misa de difuntos destinada a interpretarse en ámbito sacro o en su defecto, en una sala de conciertos, para crear una dramaturgia que, nada menos, pretende realizar una reflexión sobre la vida, la muerte y el desarrollo de la humanidad con gran carga simbólica y visual. Como sabemos, el Réquiem de Mozart es una obra inacabada, que concluyó su alumno Franz Xavier Süssmayr, al cual se le suma más música, de Mozart y de otros, incluido canto gregoriano, para llegar a una duración asumible para una velada en un teatro de ópera. En definitiva, aunque el espectáculo se anuncia como Réquierm de Mozart y es su “gancho”, lo que vemos es otra cosa y con una cantidad limitada de música del genial Salzburgués. 

Por Raúl Chamorro Mena
Aix-en-Provence, 12-VII-2026, 17:00 horas. Gran Teatro de la Provenza. Festival de Aix-en-Provence 2026. Die Frau ohne shatten - La mujer sin sombra (Richard Strauss). Vida Mikneviciuté (La emperatriz), Michael Spyres (El Emperador), Brian Mulligan (Barak, el Tintorero), Ambur Braid (La Tintorera), Nina Stemme (La nodriza), Jean-Sebastian Bou (el mensajero de los espíritus), Héloïlse Mas (Una voz desde lo alto), Ella Taylor (la voz del halcón). Coro y Orquesta de París. Director musical: Klaus Mäkkelä. Director de escena: Barry Kosky.

   La suspensión por inclemencias del tiempo de La flauta mágica que debía representarse la noche anterior en el Teatro del Arzobispo pone en valor la iniciativa de Stephan Lissner, a finales de los noventa, de construir para el Festival un teatro bajo techo y con mayores capacidades para óperas de gran formato.

   Un ejemplo de gran formato es, sin duda, La mujer sin sombra, cuarta ópera y especie de modelo culminante de la fructífera colaboración entre Richard Strauss y el libretista Hugo von Hofmansthal. Se trata de un texto de profunda complejidad y carga intelectual y simbólica, -quizás demasiada - en la búsqueda de una "moderna flauta mágica", que consagra el triunfo del amor después de diversas pruebas, así como la compleja evolución de, especialmente, los dos personajes femeninos protagonistas. Asimismo, la combinación entre el mundo psicológico - Freudiano, el fabulesco y el real junto a la que probablemente sea la orquestación más fascinante de la historia de la ópera, dan como resultado una creación singular, grandiosa, irresistible.

   El jovencísimo y talentoso Klaus Mäkkelä está dando sus primeros pasos en la ópera y para ellos ha elegido obras nada fáciles y con orquestaciones tan complejas como suntuosas. Lo cierto es que, tanto en El castillo de Barbazul de ayer como en La mujer sin sombra que aquí se reseña, el finlandés me ha causado mucha mejor impresión que en sus dos conciertos sinfónicos de Madrid en el ciclo Ibermúsica.

Por Alba María Yago Mora
Valencia, 10-VI-2026. Palau de la Música. Orquesta de Valencia. Martín Baeza-Rubio, director. Jacquelyn Wagner, soprano. Obras de Vincenzo Bellini, Giuseppe Verdi, Manuel de Falla, Fco. Asenjo Barbieri, Amadeo Vives, Pablo Luna, Richard Wagner y Richard Strauss. 

   No siempre la abundancia juega a favor. Reunir en un mismo programa algunas de las páginas más célebres de Bellini, Verdi, Falla, Wagner o Richard Strauss parecía, sobre el papel, una apuesta difícil de rechazar. Sin embargo, el atractivo individual de cada obra no terminó traduciéndose en una experiencia de concierto plenamente cohesionada. 

   La sensación de asistir a una sucesión de números independientes se vio reforzada por los constantes cambios de plantilla entre unas obras y otras. Más allá de la logística, estas interrupciones fragmentaron el desarrollo natural del concierto y acabaron afectando a su continuidad. La primera parte transcurrió con ligereza, pero la segunda terminó prolongándose más de lo deseable, no tanto por su duración como por la dificultad de mantener una tensión dramática sostenida en un programa concebido desde la yuxtaposición de estilos tan diversos.

   Jacquelyn Wagner fue el principal atractivo de la velada y confirmó una trayectoria vocal de indudable solidez. Sin embargo, el propio programa permitió comprobar con bastante claridad cuál es el repertorio en el que su voz encuentra hoy una expresión más plena. Tanto Casta Diva como el Ave Maria de Otello fueron abordados con seguridad técnica y musicalidad, aunque sin la naturalidad idiomática que exige el gran repertorio italiano. Algo parecido ocurrió en las páginas españolas, correctamente resueltas, pero menos orgánicas desde el punto de vista estilístico. Fue con Richard Strauss donde el concierto encontró su verdadero centro de gravedad. Tanto la escena final de Arabella como, especialmente, el desenlace de Salomé situaron a Jacquelyn Wagner en un territorio plenamente reconocible. Strauss exige una voz capaz de sostener una enorme tensión dramática sin renunciar al lirismo, y fue precisamente ahí donde la soprano desplegó sus mejores recursos. El timbre ganó en riqueza, el fraseo adquirió una libertad mucho mayor y la construcción del personaje alcanzó una intensidad que apenas había aparecido en las páginas anteriores.