Foto: Facebook Gustavo Dudamel

Por Óscar del Saz | @oskargs
Madrid. 6-X-2026. Madrid. Teatro de la Zarzuela. XXXIII Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). Recital 1 titulado como «Jugendstil Lieder / Belle Époque». Obras de Amy Beach (1867-1944), Claude Debussy (1862-1918), Alban Berg (1885-1935), Arnold Schoenberg (1874-1951), Gustav Mahler (1860-1911), Alma Mahler (1879-1964), Richard Strauss (1864-1949). Christiane Karg (soprano), Malcolm Martineau (piano).

   En la velada que nos ocupa, se inauguró la 33 edición del Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela con la soprano Christiane Karg (1980) -comparece por tercera vez- quien, acompañada del pianista Malcolm Martineau (1960), ofrecieron un programa intitulado como «Jugendstil Lieder/Belle Époque» (referido al clima reinante de la canción en la era del Modernismo y la Belle Époque), y permitió a los asistentes -cantando todo de memoria- descubrir la narración de la transformación del lenguaje musical mismo, pues sitúa al escuchante en el momento exacto en el que el romanticismo tardío comenzaba a agotarse y entonces surgen nuevas formas de expresión que desembocarían en la modernidad musical del siglo XX.

   El arco cronológico -de 1899 a 1908- seleccionado resultó particularmente atractivo: desde el posromanticismo todavía exuberante de Amy Beach y Richard Strauss hasta los umbrales de la emancipación tonal representados por Debussy, Berg y Schoenberg. Podemos hablar, incluso, de que en este recital se propuso una radiografía estética de una Europa muy concreta, alrededor de 1900, inmediatamente antes de la Primera Guerra Mundial, por autores nacidos entre 1860 y 1885, cuando Viena, París y Berlín estaban redefiniendo el lenguaje musical occidental antes mencionado.

   La estadounidense Amy Beach, heredera de Brahms y Wagner -en cuanto a pequeñas piezas se refiere-, constituyó una fresca y singular sorpresa en el programa, con sus «Cuatro Lieder, op. 51», además de que se presentaran por primera vez en el Ciclo. Desde un punto de vista musicológico, estas canciones representan una síntesis singular entre la tradición germánica -heredera de Brahms- y el refinamiento armónico característico de la Belle Époque. 

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Por Raúl Chamorro Mena
Barcelona, 2 y 4-X-2026, Gran Teatre del Liceu. Aida (Giuseppe Verdi). Anna Pirozzi/Anna Netrebko (Aida), Piotr Beczala/Ivan Gyngazov (Radames), Ksenia Dudnikova/Ekaterina Semenchuk (Amneris), Ludovic Tézier/Artur Rucinski (Amonasro), Giorgi Manoshvili/Alexander Köpeczi (Ramfis), George Andguladze (El Rey), Carmen Buendía (Sacerdotisa), Moisés Marín (Mensajero). Orquesta y Coro del Gran Teatro del Liceo. Dirección musical: Antonello Manacorda. Dirección de escena: Shirin Neshat

   Aida (El Cairo, 1871) es la ópera más representada de la historia del Liceo de Barcelona con 468 representaciones, a las que se añadirán las 18 programadas como apertura de la temporada lírica 2026-2027. Sobre un libreto de Antonio Ghislanzoni y como encargo extraordinariamente remunerado del Khedive de Egipto, Aida se erige como una obra maestra, que supone la culminación de la simpar evolución y trayectoria de un Giuseppe Verdi en plena madurez artística. A partir de ese momento, un silencio de 16 años sólo interrumpido por el grandioso Réquiem (1874) y que finalizó con las dos gloriosas obras maestras finales, Otello (1887) y Falstaff (1893). En esta crítica se reseñan las funciones de los días 2 y 4 de octubre de 2026 con dos de los repartos previstos para esta larga serie de representaciones.

   Anna Pirozzi se encardina en la tradición de las sopranos lírico-spinto italianas merced a su voz homogénea, esmaltada, bien emitida, aunque de timbre no especialmente bello, pero sí amplia y potente. No falta el legato genuino, la morbidez, el canto de escuela y fraseo cuidado y musical, si bien carente de fantasía y variedad. El talón de Aquiles de la organización vocal de la soprano napolitana se encuentra en un agudo extremo abierto y destemplado, de lo que fue buen ejemplo el llamado "Do del Nilo"en el tercer acto, que resultó muy comprometido. Cómo intérprete, la Pirozzi ofrece una entrega genérica, pero carece de carisma y temperamento. No le ayudó nada el desinterés por la caracterización de los personajes de la puesta en escena.

Por Pablo Sánchez Quinteiro
París, 21-IX-2026. Opéra Bastille. Ambroise Thomas: Hamlet. John Osborn (Hamlet), Adela Zaharia (Ophélie), Clémentine Margaine (Gertrude), Jean Teitgen (Claudius), Laurent Naouri (Espectro del difunto rey), Julien Henric (Laërte). Dirección escénica: Krzysztof Warlikowski. Escenografía y vestuario: Małgorzata Szczęśniak. Orquesta y Coros de la Ópera Nacional de París. Dirección musical: Michael Schønwandt.

   Convertir Hamlet en ópera supone enfrentarse a un problema casi irresoluble: la grandeza del drama de Shakespeare reside en buena medida en aquello que sucede dentro de la conciencia de su protagonista. Ambroise Thomas y sus libretistas, Michel Carré y Jules Barbier, simplificaron esa dimensión filosófica para adaptarla a las convenciones de la “grand opéra” francesa: cinco actos, grandes efectivos, coro y ballet configuran un espectáculo de considerable extensión, que en esta producción alcanza aproximadamente las tres horas y cuarenta minutos. No todos sus episodios mantienen la misma tensión y Thomas está lejos de alcanzar la insondable profundidad psicológica de Shakespeare. 

   Juzgar la ópera exclusivamente desde esa comparación sería probablemente injusto. La propia Ópera de París reconoce esa pérdida de densidad metafísica frente al original shakespeariano, pero compensada por una partitura de notable riqueza y una orquestación particularmente imaginativa. La función del 21 de septiembre en la Bastille dejó precisamente sensaciones encontradas. Aunque la representación desplegó momentos de enorme impacto, su dimensión trágica no siempre terminó de despegar, instalándose durante amplios fragmentos en una atmósfera oscura, ominosa y deliberadamente áspera.

   El director de orquesta y oboísta François Leleux ocupa desde el año pasado el cargo de director artístico de la Kammerakademie Potsdam y es artista invitado principal de la Hungarian National Philharmonic Orchestra. A lo largo de su carrera, ha desempeñado cargos como el de artista asociado de la Camerata Salzburg, artista asociado de la Orchestre de Chambre de Paris y artista residente de orquestas como la HR-Sinfonieorchester, la Orchestre Philharmonique de Strasbourg, la Berner Symphonieorchester, la Norwegian Chamber Orchestra y la Orquesta Sinfónica de Tenerife. 

   La temporada 2026/27 de François Leleux incluye compromisos como director y solista con la Frankfurt Radio Symphony, Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, Konzerthausorchester Berlin, Gürzenich-Orchester Köln, Bruckner Orchester Linz, City of Birmingham Symphony Orchestra, Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Warsaw Philharmonic, Sinfonia Lahti, Hong Kong Sinfonietta y Singapore Symphony. Con la Kammerakademie Potsdam, realizará giras por Europa y Sudamérica, además de actuar en la Mozartwoche de Salzburgo junto a Rolando Villazón. También volverá a la Bamberger Symphoniker, Dresdner Philharmonie, Philharmonisches Staatsorchester Hamburg, Japan Philharmonic, Gothenburg Symphony, Stavanger Symphony, National Taiwan Symphony Orchestra, y Orchestre Métropolitain de Montréal. Como oboísta, Leleux ha actuado con orquestas como la New York Philharmonic, Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, Budapest Festival Orchestra y las orquestas sinfónicas de la Radio Sueca y la NHK. 

Foto: IMG Artist

   Durante sus investigaciones, el musicólogo e intérprete Federico Maria Sardelli, uno de los principales expertos mundiales en la viva y obra del veneciano Antonio Vivaldi, dio con un retrato inédito del compositor perteneciente a una colección privada. Esta pintura condujo al descubrimiento de otra versión de la misma obra realizada por Giuseppe Nogari, un pintor veneciano de principios del siglo XVIII. Al estudiar ambas obras y sus fuentes, Sardelli pudo rastrear otros dos retratos de los que derivaban las dos pinturas de Nogari: un lienzo de Maggiotto y otro de Giovanni Battista Piazzetta.

   Estos cuatro retratos recién descubiertos de Vivaldi no sólo revelan una imagen nueva y altamente expresiva del compositor, sino que también ofrecen nuevas perspectivas sobre su vida y su círculo artístico. En particular, la tesis de Sardelli sugiere que Vivaldi mantuvo un estrecho contacto con uno de los pintores venecianos más importantes de su época, Giovanni Battista Piazzetta, así como con algunos de sus alumnos, entre ellos Nogari y Maggiotto, algo que hasta ahora se desconocía.

   El Museo de' Medici en Firenze acogió la primera presentación pública, de mano del propio con Sardelli junto a la a profesora Cristina Acidini –una de las historiadoras del arte más destacadas de Italia–, de estas pinturas inéditas que permanecerán expuestas desde el 3 de octubre hasta finales de mes. Se desconoce qué sera de estos retratos a partir de enconces.

   Aprovechando esta ocasión, la editorial Sellerio presentará una nueva edición del ensayo de Federico Maria Sardelli Il volto di Vivaldi [El rostro de Vivaldi], que relata en detalle la historia de este notable hallazgo.

   «El recorrido continúa en el ámbito centroeuropeo con los Sieben frühe Lieder de Alban Berg, escritos entre 1905 y 1908, y los Vier Lieder, op. 2 de Arnold Schoenberg, dos ejemplos de la transformación que experimentó la canción alemana en los primeros años del siglo XX. La figura de Gustav Mahler estará presente a través de tres de sus Rückert-Lieder: Blicke mir nicht in die Lieder, Ich atmet’ einen linden Duft y Liebst du um Schönheit. El programa incorpora también tres canciones de Alma Mahler pertenecientes a sus Fünf Lieder, que permitirán acercarse a la creación de una compositora cuya obra vocal estuvo estrechamente vinculada al ambiente artístico de la Viena de comienzos de siglo. El recital se cerrará con Richard Strauss, otro de los grandes protagonistas de la música centroeuropea de entresiglos, a través de Freundliche Vision, op. 48, y dos canciones de sus Acht Lieder, op. 49: Waldseligkeit y Wir schreiten in goldener Fülle», concluye el CNDM. La cita tendrá lugar el próximo martes 6 de octubre, a las 19:30 horas en el Teatro de la Zarzuela.

Por Pablo Sánchez Quinteiro
París. Opera de la Bastilla, 20-IX-2026. Gioachino Rossini: El barbero de Sevilla. Léa Desandre (Rosina), Jack Swanson (Conde de Almaviva), Huw Montague Rendall (Figaro), Nicola Alaimo (Don Bartolo), Adolfo Corrado (Don Basilio), Isobel Anthony (Berta). Dirección escénica: Damiano Michieletto. Orquesta de la Ópera Nacional de París. Director musical: Jader Bignamini.

   Pocas óperas resisten con tanta naturalidad y frescura el paso del tiempo como El barbero. Rossini construyó un inspiradísimo aparato teatral en la que el ritmo, la palabra y la música se retroalimentan mutuamente. Pero también es cierto que cualquier pérdida de tensión, muy especialmente en su dilatado primer acto, puede comprometer el resultado. La reposición en la Ópera de la Bastilla de la renovada producción de Damiano Michieletto -con la cual se abrió la actual temporada el 12 de septiembre- entendió perfectamente esa necesidad: fue un Barbero dinámico en lo musical, colorista hasta lo indecible y extraordinariamente vivo, sustentado además un gran despliegue escénico y un reparto vocal de primera fila. La función del 20 de septiembre reunió a Léa Desandre, Huw Montague Rendall, Jack Swanson y Nicola Alaimo en los principales papeles.

   La propuesta de Damiano Michieletto deja claras sus cartas incluso antes de que comience propiamente la representación. Con el telón todavía bajado, hace su aparición ante el público un actor inequívocamente caracterizado como guardia civil, que se dedica a imponer silencio en la sala a la vez que esgrime una señal: prohibido móviles, llegando incluso a multar con actitud agresiva a algún músico en el foso. Era un anticipo del tono de toda la producción: descarado, físico, muy visual y dispuesto a convertir cualquier detalle cotidiano en gag. Por si fuera poco, la broma consiguió que en una Bastille prácticamente llena -¡un recinto de unas 2.700 localidades!-, no sonase un solo móvil en toda la función.

Por José Antonio Cantón
Murcia, 25-IX-2026. Auditorio Regional ‘Víctor Villegas’. Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia (ÖSRM). Solista: Johannes Moser (violonchelo). Director: Manuel Hernández-Silva. Obras de Antonín Dvořák y Jean Sibelius.

   Con dos obras estilísticamente referenciales de los repertorios concertante y orquestal, respectivamente, como son el Concierto para violonchelo y orquesta en si menor, op. 104 de Antonín Dvořák y la Primera sinfonía en mi menor, op. 39 de Jean Sibelius, el maestro Manuel Hernández-Silva, director titular de la ÖSRM, ha querido abrir la presente temporada contando con la participación de uno de los más destacados violonchelistas de su generación, el bávaro Johannes Moser, cualidad que quedó refrendada hace más de dos décadas al conseguir ser el primer clasificado del Concurso Tchaikovsky del año 2002, certamen de máxima referencia entre los de mayor prestigio en el mundo.

   Utilizando un muy curioso violonchelo, el otro gran protagonista sonante de la velada, construido en 1694 por el lutier cremonés Adrea Guarnieri, iniciador y primero de la famosa saga de constructores de instrumentos de cuerda que lleva su nombre, y discípulo preferente de Nicolò Amati, el solista dejó todo un ejemplo del arte de la concertación entendiéndose con máximo detalle con el director que, una vez más demostraba conocer con gran eficacia expresiva y seguridad profesional los secretos musicales de la obras que propone y ofrece en sus actuaciones.

   Haciendo gala de la mejor técnica, Moser, gran representante de una familia dedicada a la música desde generaciones, puso ésta al servicio del discurso musical con un perfecto equilibrio de ambos factores, que redundaron en un sonido esplendoroso tanto en proyección como en afinación, destacando un vibrato que estimulaba tensiones en el desarrollo de la obra, generándose esa deseable ponderación expresiva entre los dos elementos concertantes con alto grado de musicalidad. Matices heroicos de gran apasionamiento así como momentos de manifiesta intimidad de corte melancólico, se alternaron en el primer movimiento, para adquirir su recreación un auténtico sentido nuclear en el movimiento central, Adagio ma non troppo, donde el solista proyectó todo su saber y sensibilidad de carácter contemplativo generando un destacado diálogo con la orquesta, que dejaba de manifiesto las mejores esencias de inspiración del compositor, haciendo que el violonchelo adquiriera una especial manifestación vocal en su canto en los momentos de añoranza. Pensemos que esta composición fue escrita durante la estancia del autor en Nueva York desempeñando el cargo de director de su conservatorio, época de su vida en la que tenía constantemente presente su Bohemia natal. 

    La excepcional localización de la románica Iglesia de San Cipriano será, un año más, el escenario de los conciertos programados, en los que el público asistente tendrá la oportunidad de descubrir y escuchar propuestas que van de las rarezas hasta repertorio más conocido, tanto en el ámbito repertorio instrumental como en el vocal. El concierto inaugural del 23 de octubre estará protagonizado por el dúo conformado por la mezzosoprano franco-italiana Lea Desandre y el reconocido laudista francés Thomas Dunford, que presentarán su programa Idylle, un recorrido por la canción de amor en Francia a través de tres siglos, desde el Barroco hasta las carismáticas chansonnières del siglo XX, Barbara y Françoise Hardy.

   Al día siguiente [24 de octubre] habrá una matinée con el conjunto belga de voces femeninas Psallentes, fundado en el año 2000 por el cantante, director, profesor e investigador Hendrik Vanden Abeele; el programa, que lleva por título O splendidissima gemma, estará dedicado a la compositora Hildegard von Bingen, una de las figuras más destacadas del siglo XII, que también fue abadesa, escritora, mística, filósofa, científica y médica. Ese mismo día, la mezzosoprano francesa Lucille Richardot exhibirá su extenso rango vocal y dotes interpretativas en un programa con el mito de Lucrecia como eje central, en el que interpretará sendas cantatas de Bendetto Marcello y George Frideric Handel, acompañada por la agrupación gala Les Paladins y Jérôme Correas, verdadero especialista en estas obras llenas de teatralidad y afectos barrocos.

   Y el día 25 de octubre, el conjunto A nocte temporis, fundado y dirigido por el tenor belga Reinoud Van Mechelen, clausurará el ciclo zamorano con un programa centrado en cantatas de Johann Sebastina Bach, con «Ich habe genug», BWV 82 como obra central, junto a otras obras del propio Bach, así como Johan David Heinichen y Melchior Hoffman.

   El ciclo Músicas Cercadas está organizado por el Ayuntamiento de Zamora, producido por la sociedad Gestión Integral del Patrimonio Intelectual, y cuenta con la colaboración de la Fundación ZamoraArte de la Diócesis de Zamora. Alberto Martín es su director artístico desde su fundación.

Por Raúl Chamorro Mena
Madrid, 29-IX-2026, Teatro Real. Manon Lescaut (Giacomo Puccini). Sondra Radvanvosky (Manon), Michael Fabiano (Renato des Grieux), Lucas Meachem (Lescaut), Pietro Spagnoli (Geronte di Ravoir), Alejandro del Cerro (Edmondo), Mercedes Gancedo (Una cantante), Mikeldi Atxalandabaso (El maestro de baile/El farolero). Orquesta y coro titulares del Teatro Real. Dirección musical: Nicola Luisotti. Dirección de escena: Carlos Wagner.  

   La ausencia de Manon Lescaut (Turín, 1893) sobre el escenario del Teatro Real desde hace 102 años puede tener como disculpa el largo período de ausencia de la lírica del coliseo del Palacio de Oriente. No obstante, en estos 30 años desde su reapertura bien podría haberse programado entre innumerables Toscas, Bohémes y Butterflyes. Pero lo que resulta inadmisible, desde todo punto de vista, es que la ópera que consagró a Giacomo Puccini como heredero de Giuseppe Verdi en el cetro del melodrama italiano faltara de los escenarios madrileños ¡¡¡desde 1978!!!, cuando se representó en el Teatro de la Zarzuela con Eva Marton y Plácido Domingo como protagonistas. La colocación de estas funciones de Manon Lescaut como apertura de temporada no compensan semejante agravio. 

   Puccini demostró valentía y seguridad en sí mismo al volver a poner música a la novela ejemplarizante del Abate Prévost, después de las óperas de Daniel Auber y, especialmente la de Jules Massenet, acompañada desde el primer momento por el éxito e instalada en el repertorio. 

Una entrevista de Óscar del Saz | @oskargs
Los conciertos de inauguración de la temporada 2026-27 de la Orquesta Sinfónica de Bilbao tendrán lugar el 1 y 2 de octubre de 2026 en el Palacio Euskalduna de Bilbao,con el título «Murmullos del bosque». En estos conciertos, la soprano Vanessa Goikoetxea interpretará las Cuatro últimas canciones de Strauss, bajo la dirección del maestro brasileño Eduardo Strausser. El programa se completa con Waldweben, de la ópera Sigfrido de Wagner y la Séptima sinfonía de Prokófiev. Hablamos con Vanessa Goikoetxea sobre los retos vocales y expresivos de este auténtico testamento musical del compositor alemán.

¿Qué significa para Ud inaugurar la temporada de la Sinfónica de Bilbao (BOS) en el Euskalduna cantando las Cuatro últimas canciones de Richard Strauss y qué referencias ha tomado a la hora de prepararlas?

Inaugurar la temporada de la BOS con las Cuatro últimas canciones tiene para mí un significado muy especial. Primeramente es una orquesta a la que adoro y siento un gran respeto por su mágica sonoridad. La obra es de una enorme madurez artística y humana, y quizá por eso posee la capacidad tan extraordinaria de conectar con los intérpretes y oyentes.

Por otro lado, qué paradójico resulta comenzar una temporada con una música que anuncia el final, el paso del tiempo, la naturaleza cansada, la despedida y la posibilidad de encontrar belleza y serenidad ante lo inevitable.

En la preparación he vuelto, naturalmente, a Strauss y a las grandes intérpretes de esta música (como Jessye Norman o Renee Fleming tan dispares, pero a la vez,complementarias), pero también, y de manera muy especial, a los poemas de Hesse y Eichendorff. Para mí era fundamental no acercarme a estas canciones únicamente desde la tradición interpretativa musical, sino descubrir qué me dicen hoy esas palabras. Strauss escribe desde un lugar de enorme libertad y sabiduría haciendo que la orquesta respire con la voz y prolonga aquello que el texto apenas puede decir.

Por Pablo Sánchez Quinteiro
París, 17-IX-2026. Philharmonie de Paris, Grande salle Pierre Boulez. Ludwig van Beethoven: Concierto para piano y orquesta n.º 4 en sol mayor, op. 58; Antonin Dvořák: Sinfonía n.º 8 en sol mayor, op. 88. Seong-Jin Cho, piano. Orchestre de Paris. Samy Rachid, director.

   El concierto de la Orchestre de Paris del 17 de septiembre nació marcado por un importante contratiempo. Robin Ticciati, inicialmente anunciado para dirigir un programa integrado por El bello Danubio azul de Johann Strauss II, el Cuarto concierto de Beethoven y la Octava sinfonía de Dvořák, hubo de cancelar su participación por una lesión en el hombro. Su sustituto, Samy Rachid, asumió el compromiso prácticamente de un día para otro, una circunstancia que inevitablemente debe tenerse presente al valorar el resultado. De entrada, la primera de las obras previstas se cayó del programa, lo cual no dejó de sorprender pues era aparentemente la menos exigente de las tres. Es Rachid un joven director francés, antiguo violonchelista del Quatuor Arod y hasta hace meses asistente de Andris Nelsons en Boston. Dadas las circunstancias, asumió con admirable seguridad un compromiso especialmente delicado.

   Era para este cronista la primera visita a la Philharmonie de Paris, convertida en poco más de una década en uno de los grandes centros musicales europeos. La primera impresión fue, curiosamente, menos impactante de lo esperado. El edificio de Jean Nouvel posee un exterior poderoso, pero algo frío, y en el hall y corredores del interior predomina de manera casi absoluta el negro. En cuanto a la sala, ciertos elementos, como sus llamativas barandillas en amarillo chillón más propias de un polideportivo provocan cierta perplejidad. A ello se añaden las señales que anuncian el acceso a la sala, acompañadas por una música de inequívoco lenguaje contemporáneo, previsiblemente del propio Boulez, detalle que termina por conferir al conjunto un curioso aire retro-futurista. Todo cambia, sin embargo, una vez comienza la música. La Grande Salle Pierre Boulez posee una acústica magnífica, transparente y envolvente, capaz de combinar definición y calidez incluso desde posiciones muy alejadas del escenario.

Por Óscar del Saz | @oskargs
Madrid. 25-IX-2026. Auditorio Nacional de Música. OCNE. Sinfónico 2. Obras de Jean Sibelius (1865-1957), Núria Giménez-Comas (1980), Ludwig van Beethoven (1770-1827). Veronika Eberle (violín). Orquesta Nacional de España. Kent Nagano, director.

   La Orquesta Nacional de España, bajo la dirección de su flamante nuevo titular, Kent Nagano, afrontó en la velada que nos ocupa un programa que proponía un ambicioso arco temporal y estético que comprende el universo nórdico de Sibelius -paisaje sonoro de bosques, hielo y leyendas- hasta la arquitectura clásica de Beethoven -lógica constructiva al servicio de la expresividad-, pasando por la creación contemporánea de Núria Giménez Comas, especialista en música electrónica y espacialización sonora. 

   Empezando precisamente por este punto, su obra, «Nostalgia of Light» (2021), estructurada en cuatro secciones y en poco más de 13 minutos, desplegó una ejecución orquestal basada en el desarrollo tímbrico. Desde el punto de vista compositivo, el esfuerzo de su creadora no lució, aun con el trabajo -sobre el papel- de  evolucionar las texturas y los planos sonoros. La insistencia en los cambios dinámicos, los ‘glissandi’ y las resonancias, se utilizaron para traducir el lenguaje lumínico de la naturaleza a uno exclusivamente sonoro, a través de cambios en los colores orquestales. 

   Nagano y la ONE mostraron en esta obra claridad analítica e interpretativa, ensalzando la afinación y la sonoridad coordinada. La ejecución de metales y percusión colaboraron para dotar a la atmósfera sonora de cierta pulsación y ritmo vital. En cualquier caso, y explicado todo lo anterior, opinamos que el carácter de excesiva e inquietante frialdad implícita en esta obra no la hizo atractiva a la mayoría de los paladares, y pensamos que la idea conceptual no llegó a traducirse en una experiencia musical convincente.

   La violinista alemana Veronika Eberle (1988), de pasmosas facultades técnicas y pureza sonora, asumió el gran reto del «Concierto para violín en re menor», una de las partituras más exigentes del repertorio romántico y de Sibelius, ofreciendo con su Stradivarius «Ries» (1693) -de precioso sonido- una lectura alejada de la espectacularidad o mecanicidad gratuitas. 

Por Raúl Chamorro Mena
Madrid, 24-IX-2024, Teatro de la Zarzuela. La verbena de la paloma o El boticario y Las chulapas o Celos mal reprimidos (Tomás Bretón). Con el prólogo cómico-lírico Adiós, Apolo con texto de Álvaro Tato. Antonio Comas (Don Hilarión), María Rey-Joly (Susana), Milagros Martín (Señá Rita), César San Martín (Julián), Jorge Rodríguez-Norton (Don Sebastián), Ana San Martín (Casta), Gurutze Beitia (Tía Antonia), Sara Salado (Cantaora), Rafa Castejón (Tabernero), Mitxel Santamarina (Sereno).  Coro del Teatro de la Zarzuela. Orquesta de la Comunidad de Madrid. Dirección musical: Carlos Aragón. Dirección de escena: Nuria Castejón.

   Apenas transcurridos dos años y medio de su estreno, el Teatro de la Zarzuela ha repuesto este montaje que combina la obra maestra de Tomás Bretón y Ricardo de la Vega La verbena de la Paloma con el prólogo Adiós, Apolo con texto de Álvaro Tato y música de diversos autores. No es de extrañar, toda vez que esta propuesta se saldó con un merecido éxito, pues presenta la emblemática obra del género chico de manera genuina con una estupenda escenografía a cargo de Nicolás Boni, que presenta, sin ocurrencias extrañas, un barrio de Las Vistillas donde se desarrolla la trama cotidiana, los personajes populares, el mejor costumbrismo y el casticismo de la mejor ley. El éxito volvió a ser clamoroso y demuestra que el público tenía ganas de volver a ver espectáculos de este estilo y no algunos de los que se habían visto en las últimas temporadas en el coliseo de la Calle de Jovellanos. 

Por Magda Ruggeri Marchetti
Bolonia, 17-IX-2026. Auditorio Manzoni. Concierto de la Orchestra Mozart. Obertura Coriolano en do menor op. 62 de Ludwig van Beethoven. Idilio de Sigfrido, poema sinfónico de Richard Wagner. Sinfonía n.3 en mi bemol mayor Renana op. 97 de Robert Schumann. Director: Daniele Gatti.

   La Orchestra Mozart nació en Bolonia en 2004 como proyecto especial de la Accademia Filarmonica de una idea de Carlo Maria Badini y Fabio Roversi Monaco. Claudio Abbado fue su fundador y director artístico durante diez años y colaboró con importantes instituciones musicales entre las cuales el Teatro alla Scala de Milán y la Accademia Nazionale di Santa Cecilia. En 2014, con la desaparición de Abbado, interrumpió su actividad para retomarla en 2016, sostenida por la Accademia Filarmonica de Bolonia y por los propios músicos. 

   Desde 2019 ha estado bajo la prestigiosa guía de Daniele Gatti, que ha incorporado nuevos músicos, y con él la Mozart ha participado en el Ravello Festival. Sería largo citar aquí las actuaciones de esta orquesta y diremos solo que se exhibirá de nuevo en Bolonia el cuatro de diciembre próximo. En cuanto a su actual director, ahora es director principal de la Staatskapelle Dresden y director nacional del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino, del que ha sido director principal de 2022 a 2024.

   El concierto inicia con la Obertura Coriolano de Beethoven, concebida como entrada de una obra teatral inspirada a su vez en la historia de un patricio romano de ese nombre. Es una composición de una veintena de minutos, lenta, tranquila, pero vivaz en algunos momentos, para flauta, fagot, trompas y cuerdas, ampliables para pasar eventualmente del camerismo al sifonismo. 

   El repertorio propuesto por APOLLO5 plantea un viaje a través de diferentes épocas y lenguajes musicales, con obras de Thomas Morley, Claudio Monteverdi, George e Ira Gershwin, Eric Whitacre y Camille Saint-Saëns, junto a piezas de Tom Petty y otros compositores. Una selección que refleja la amplitud de miras de un ensemble capaz de transitar con naturalidad entre la música del Renacimiento, la tradición coral clásica y contemporánea, el jazz, el folk y el pop.

   Integrado por una soprano, una contralto, dos tenores y un bajo, APOLLO5 se ha consolidado en el panorama vocal por su capacidad para establecer una conexión cercana e íntima con el público, combinada con un sonido rico, vibrante y extraordinariamente versátil. Sus cinco voces permiten recorrer cinco siglos de música coral y abordar repertorios de muy diferentes estilos con una personalidad propia.

   Con la llegada de esta nueva temporada, Salón del Ateneo, organizado por Tala Producciones y con la colaboración de la Fundación María de Alvear, continúa construyendo un espacio dedicado a la música de cámara y al encuentro entre artistas y público. El ciclo reafirma así su compromiso con la excelencia artística, la diversidad de repertorios y la difusión de la música como espacio de encuentro cultural.

   La actuación de APOLLO5 será la primera cita de una temporada que busca acercar al público propuestas que aúnen calidad artística junto a diferentes formas de entender y vivir la música de cámara en un espacio emblemático como el Ateneo de Madrid.

Fotografía: Matthew Johnson.

   La iniciativa permitirá ofrecer conciertos al Trío Arbós, uno de los grupos residentes del CNDM en su temporada 2026/27, y la violinista Miriam Hontana junto al organista y clavecinista Daniel Oyarzabal. La presencia del CNDM en Colombia se integra en su Programa Circuitos, a través del cual la entidad desarrolla actividades a lo largo de la geografía española y fuera de nuestras fronteras. 

   En su primer concierto en Bogotá, el miércoles 23 de septiembre en el Museo Nacional de Colombia, el Trío Arbós presentará La luz herida I. Espiritualidad y misticismo en la música para trío con piano. La propuesta se iniciará con Spes de Jesús Torres, partitura de 2020, y continuará con una selección de los Cinque corali per trio, en arreglos de Juan Carlos Garvayo sobre la transcripción para piano de Ferruccio Busoni, a partir de corales de Juan Sebastián Bach. El programa se completará con el Trío con piano en mi bemol mayor «Notturno» de Franz Schubert, y Episodi e canto perpetuo de Pēteris Vasks. Al día siguiente, el jueves 24 de septiembre, en el Centro Cultural y Educativo Español Reyes Católicos, el Trío Arbós ofrecerá una segunda lectura de La luz herida, con un programa que vuelve a explorar las conexiones entre espiritualidad, intimidad y música de cámara. El repertorio reunirá el Nocturne-Trio, op. 55 de Felipe Pedrell; los Seis estudios en forma de canon, op. 56 de Robert Schumann, en arreglo de Theodor Kirchner; Canción callada de Cristóbal Halffter, y el Trío con piano n.º 2 en mi bemol mayor, op. 100 de Franz Schubert.

Por José Antonio Cantón
Murcia, Auditorio Regional «Víctor Villegas». 17-IX-2026. Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia. Solistas: Pacho Flores (trompeta) y Jesús ‘Pingüino’ González (cuatro). Director: Manuel Hernández-Silva. Obras de Arturo Márquez, Alberto Ginastera y Paquito D’Rivera. 

   El estreno del maestro hispano-venezolano Manuel Hernández-Silva como director titular de la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia (ÖSRM) y responsable artístico de la Orquesta de Jóvenes de la Región de Murcia (ÖJRM), nombramientos acaecidos el pasado mes de junio, dirigiendo a esta última ha estado integrado por un programa de música latino-americana de la que es considerado un traductor absoluto, acompañado por uno de los mejores trompetistas en tiempos modernos como es su compatriota Pacho Flores y, para la última obra del concierto, del muy reconocido cuatrista caraqueño Jesús ‘Pingüino’ González Brito que se encuentra de gira internacional con motivo de su cincuenta aniversario.

   La primera obra que se interpretó fue el famoso Danzón núm. 2 del compositor mejicano Arturo Márquez, que el director cuidó al máximo indicando desde el pódium con clara precisión cinética la sugestiva belleza de su movimiento, imprimiendo en todo momento un apasionado ritmo con suma elegancia. La orquesta, renovada en un destacado porcentaje de sus componentes, respondía con enorme atención, lo que justificaba la bondad del resultado musical producto de la conjunción alcanzada por Hernández-Silva, que ha sabido integrar a los nuevos músicos en ese sentido de univocidad de instrumento orquestal que distingue a esta joven formación entre las más destacadas de nuestro país en su clase. Con este proyecto, el maestro quiere asegurar la continuidad instrumental a futuro de la ÖSRM eligiendo secciones tan esenciales como es la del metal entre la que destacó la tubista Sara Oliva Gálvez, todo un prodigio de musicalidad.

Por Raúl Chamorro Mena
Madrid, 18-IX-2026, Auditorio Nacional. Temporada Orquesta y Coro Nacionales de España. Deseo tomó delicia (Mikel Urquiza). Sinfonía núm. 2 "Resurrección" (Gustav Mahler). Jane Archibald, soprano. Christina Bock, mezzosoprano. Orquesta y coro Nacionales de España. Director: Kent Nagano 

   Concluido un importante período para la Orquesta y Coro Nacionales de España (OCNE) con la titularidad de David Afkham, comienza otro con favorables expectativas bajo la égida del experto y prestigioso Maestro californiano Kent Nagano.

   Para inaugurar la temporada y su desempeño como titular, Nagano ha elegido, nada menos, que la Sinfonía resurrección de Gustav Mahler. Una de las creaciones más monumentales y con fuerza trascendental de todo el repertorio. Desde luego, esta Segunda sinfonía constituye un perfecto paradigma de los acusados contrastes mahlerianos y de su pensamiento, según el cual una sinfonía debía ser como el Mundo y contener de todo. Entre ese “todo” emerge con fuerza la voz humana, que adquiere una enorme importancia en un músico que nunca llegó a componer una ópera.

   Un estreno, encargo de la OCNE, abrió el concierto, Deseo tomó delicia, obra de Mikel Urquiza (Bilbao, 1988) para coro, arpa, metales y percusión, que reúne elementos de ritual ancestral con tímbricas asociadas a la Naturaleza, fundamentalmente al sonido de los pájaros. Nagano expuso apropiadamente la composición con control, técnica y rigor expositivo. Al fin de subrayar la relación entre las dos obras del programa, la batuta del nuevo titular de la Orquesta Nacional atacó la Segunda de Mahler sin solución de continuidad.

   El acto en Madrid contará con la participación de Francina Armengol, presidenta del Congreso de los Diputados; Jordi Pardo, director general de la Fundación Pau Casals; Ana Belén, cantante; Iñaki Gabilondo, periodista; Ettore Pagano, violonchelista (que usará el Matteo Goffriller de 1733 que usaba el propio Casals), y Yoko Suzuki, pianista. Ana Belén e Iñaki Gabilondo presentarán el acto, que incluye un recital de Pagano y Suzuki, con el siguienter programa: Preludio, Zarabanda y Giga de la Primera Suite para violonchelo de Juan Sebastián Bach, el Intermezzo de la ópera Goyescas, de Enrique Granados, la Nana y la Jota de la Suite popular española, de Manuel de Falla y El Cant dels Ocells, «la melodía popular catalana que Pau Casals convirtió en un símbolo universal de paz». Durante el acto también se podrá escuchar la voz de Pau Casals a través de fragmentos de la declaración por la paz que pronunció en las Naciones Unidas en 1958, uno de los momentos que mejor reflejan el compromiso que mantuvo durante toda su vida con la paz y los derechos humanos.

Por Álvaro Cabezas
Sevilla, Teatro de la Maestranza. 18-9-2026. Masabane Cecilia Rangwanasha, soprano; Silvia Tro Santaffé, mezzosoprano; Enea Scala, tenor; Marko Mimica, bajo; Lucas Macías, dirección; Coro del Teatro de la Maestranza; Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Programa: Messa da Requiem de Giuseppe Verdi.

   Abrir una temporada sinfónica con el Réquiem de Verdi es, ante todo, un acto de máxima responsabilidad y valentía. Estamos hablando de una partitura de un peso monumental, de una obra tan densa y exigente que reta a cualquier institución. Curiosamente, no es la primera vez que el coliseo sevillano la escoge para alzar el telón de un curso: ya lo hizo Pedro Halffter en 2012 y ahora Lucas Macías ha querido replicar aquella gesta. En esa ocasión, Halffter optó por imprimir un sentido profundamente religioso a la obra, consiguiendo un sonido cercano al propio de la paz conventual, si exceptuamos el momento en el que el bajo Egils Silins se salió de esa línea con un aparatoso manoteo que dotaba a su intervención de un dramatismo puramente operístico.

   Cabe aquí el debate que acompaña a esta obra maestra: ¿es una pieza litúrgica o es ópera disfrazada de misa? ¿Funciona para abrir o cerrar una temporada o puede programársela en medio de un ciclo de abono? ¿Va siempre asociada con un momento especial? Stricto sensu, el Réquiem no es una pieza religiosa destinada a tocarse en un funeral de cariz tradicional, pero tampoco es una ópera escenificada sobre las tablas. Sin embargo, Giuseppe Verdi era, por encima de todo, el mayor genio operístico de su tiempo, un creador incapaz de renegar de su instinto teatral y esa naturaleza dramática impregna cada compás de su Messa da Requiem. Sin poder olvidar todo eso, Lucas Macías hizo sonar la partitura con los códigos de la gran escena, transportándonos de manera irremediable a los universos de Aida o Don Carlo. Era, sin dudarlo, la misma tinta orquestal la utilizada en aquello y en esto, enlazando casi las últimas representaciones del drama del Nilo –con el que se cerró la temporada pasada–, con estos acordes que inauguran la presente, algo que resultó interesante como efecto.

Una entrevista de Óscar del Saz | @oskargs / Foto: Dario Acosta
Con más de dos décadas de trayectoria internacional, Javier Camarena se ha consolidado como una de las figuras imprescindibles del panorama lírico actual. Dueño de una técnica depurada, de un estilo elegante y de una expresividad que ha conquistado los principales teatros del mundo, el tenor mexicano ha construido una carrera ejemplar desde sus inicios en Xalapa, marcada por la excelencia vocal, el rigor artístico y una conexión excepcional con el público. Pero más allá de los aplausos, de sus históricos bises y de los numerosos reconocimientos que jalonan su trayectoria, encontramos a un artista profundamente comprometido con su oficio, dotado de una visión reflexiva y rigurosa de la música, y de una personalidad que trasciende el escenario. En esta entrevista agradecemos al tenor la generosidad de permitirnos acercarnos también a su faceta más humana, recorriendo los momentos clave de su vida y de su carrera para descubrir qué hay detrás de una de las voces más admiradas y relevantes de nuestro tiempo.

¿Qué partituras y qué roles -por actuación, psicología- son los más complicados para Ud.?

A fecha de hoy, los roles más complicados que yo he tenido la oportunidad de trabajar han sido Gualtiero, en “El pirata”, de Bellini,… Ahora mismo, Romeo, que es uno de los que tienen una evolución muy notoria en cuanto al desarrollo del personaje… Y no sé si decir que son complicados… Porque ese es una aspecto que yo disfruto mucho. Incluso pensando en hacer los Nemorinos, por ejemplo, que por muchos años se le ha considerado como el tontorrón del pueblo, ¿no? 

Nemorino tiene un desarrollo interesante dentro de este libreto que utiliza Donizetti en el que empiezo como un chico muy ingenuo pero luego está la toma de decisiones que lo llevan a enfrentar el destino que sea por poder conseguir a Adina; son momentos muy interesantes, y que si uno los pone atención en el libreto, te das cuenta de que tiene mucho jugo en su desarrollo escénico. Me aventuraría a decir que Il Duca de “Rigoletto”, no, porque es bastante monocromático en todo el contexto porque el drama lo viven más Gilda y Rigoletto.

En su devenir artístico ha prestado su voz a roles de Bellini, Donizetti, Mozart, Verdi, Gounod… ¿Por dónde quiere seguir ampliando el repertorio?

Bueno, yo creo que los personajes que ya he mencionado son sumamente interesantes. Me he quedado con las ganas de poder -en algún momento- hacer el Roberto Deveraux… De Mozart me encantaría en algún momento cantar a Tito, de la “Clemenza”, que es un rol muy bello e interesante… Veremos qué pasaría con Verdi, que no lo quito la mira y sería cuestión de ir viendo de qué manera involucrarme en este repertorio… Y cómo no, Fausto. Y sí, de alguna forma estar con la mira en el repertorio francés pero con estas posibilidades que ya mencioné. 

Por Nuria Blanco Álvarez | @miladomusical
Oviedo. Teatro Campoamor. 16-IX-2026. Kindertotenlieder (Mahler). Jaques Imbrailo. Suor Angelica (Puccini). Beatriz Díaz (Sor Angélica), Ana Ibarra (La tía princesa), María Heres (La abadesa), Anna Tobella (La hermana celadora), Marina Pardo (La maestra de las novicias), Montserrat Seró (Sor Genoveva), Ángeles Rojas (Sor Osmina), Anna Cabrera (Sor Dolcina), Andrea Jiménez (La hermana enfermera), Vilma Ramírez (La novicia). Coro titular de la Ópera de Oviedo (Coro Intermezzo). Coro Infantil Escuela de Música Divertimento. Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias. Dirección musical:  Diego Martín-Etxebarría. Dirección de escena: Joan Anton Rechi.

   Comienza una nueva temporada en la ópera de Oviedo con un programa un tanto particular y es que se ha puesto en escena la brevísima ópera de Puccini Suor Angelica, que forma parte de su Tríptico junto a Il Tabarro y Gianni Schicchi -ambas piezas ya las pudimos ver en el Campoamor en 2023-, todas ellas son alegorías de la Divina Comedia de Dante, siendo la que ahora nos ocupa la que representa el purgatorio. Nos habla del dolor de una madre que, tras dar a luz a un hijo fuera del matrimonio, es obligada por su familia a recluirse en un convento para expiar su culpa, que se hace insoportable cuando después de siete años descubre que el niño había fallecido hacía dos. Para ampliar la duración del programa no se le ha ocurrido otra cosa al director de escena Joan Anton Rechi que añadir una obra con la temática de la muerte de un hijo sin importarle que fueran unos lieder, género diferente al operístico -no se entiende que esta ópera no se realizara con el resto de Il Trittico hace tres temporadas-. Así se interpretaron en primer lugar los Kindertotenlieder de Mahler pretendiendo formar una unidad con la ópera pucciniana, ejecutado todo sin solución de continuidad, bajo el neotítulo Sorrow (Tristeza). Aun así, apenas se llegó a un total de 80 minutos de duración por lo que esta licencia -solo válida en lo semántico-, no se sostiene de ninguna manera y menos para una entidad de la solera de la Ópera de Oviedo, que firma la nueva producción.

   «La acción de La verbena de la Paloma se desarrolla en la calurosa noche de fiesta del 15 de agosto, en la que propios y extraños celebran la festividad de la virgen de la Paloma, y en la que los devaneos y los celos afloran a la vuelta de cada esquina. Todo está teatralizado, musicado de forma perfecta en una dramaturgia que hace de esta obra breve una de las más valiosas joyas de nuestro repertorio; que posee la virtud que ineludiblemente va unida a los grandes títulos: nunca dejan de sorprender y siempre emocionan. Desde la dirección de escena, Nuria Castejón explica que su propuesta cuenta con el prólogo cómico-lírico «Adiós, Apolo», escrito por Álvaro Tato, “como homenaje a los muchos artistas que hicieron del Teatro de Apolo la catedral del género chico”; se trata, en dicho preludio, de escenificar lo que vivieron los intérpretes en su última función de 1929. Por eso, la directora dedica su espectáculo, con un elocuente y emocionado “¡Va por ellos!”, a los artistas y trabajadores de aquel histórico edificio tan lleno de vida, arte y raíces; lo ofrece al teatro de entonces, y, cómo no, a sus padres —los inolvidables héroes de la zarzuela Pepa Rosado y Rafael Castejón—, herederos de la tradición del Apolo», explica el teatro en nota de prensa. Para ilustrar el prólogo y el sainete, la producción cuenta con la escenografía de Nicolás Boni, el vestuario de Gabriela Salaverri y la iluminación de Albert Faura.

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Foto: Elena del Real

    Perteneciente a la Escuela de Filosofía de Oviedo, Vidal Peña deja tras de sí una labor referencial como profesor universitario o articulista. «Vidal Peña fue uno de los mejores profesores que tuve. Conocedor como pocos de la historia de la filosofía medieval y moderna, asignaturas que impartía en la Universidad. Experto en Spinoza, tradujo y prologó su Ética para la editorial Alianza, en una de las más brillantes ediciones que se conocen de esa obra. Con Vidal Peña, muchos fuimos los que aprendimos a leer a Spinoza con una profundidad inusual. Era además un profesor amable, austero, poco vanidoso y de talante introvertido. Escucharle en clase era un placer hasta el punto de que en ocasiones los alumnos dejábamos de tomar apuntes para simplemente deleitarnos con su oratoria», explica Andrés Huergo Porta, profesor de filosofía y Jefe de Estudios del IES Santa Cristina de Lena.

   Catedrático de filosofía de la Universidad de Oviedo, ciudad en la que nació el 1 de enero de 1941. Estudiante de la Universidad de Oviedo, se licenció en Derecho en 1962, y en Filosofía y Letras (sección de Filología Románica) en 1967 –en ambas carreras, que culminó con la calificación de sobresaliente, obtuvo, además, el Premio extraordinario de licenciatura–. Durante cinco años –curso 1962-63 a curso 1966-67– fue profesor ayudante de clases prácticas de Derecho Romano, en la Facultad de Derecho de la Universidad de Oviedo, cada vez más interesado por las cuestiones filosóficas –desde el curso 1960 era catedrático de filosofía en esa universidad el profesor Gustavo Bueno–. A partir del primero de octubre de 1967 se incorpora, como profesor adjunto interino de Fundamentos de Filosofía e Historia de los Sistemas Filosóficos, a la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Oviedo, en el Departamento de Filosofía.

   Se doctoró en Filosofía en 1972 por la Universidad de Oviedo, con la tesis El materialismo de Espinosa, dirigida por Gustavo Bueno Martínez teniendo como miembros del tribunal a Carlos París Amador, Emilio Lledó Iñigo, Emilio Alarcos Llorach y Carlos Clavería Lizana. Dos años más tarde fue publicada por la editorial de la Revista de Occidente: El materialismo de Spinoza. Ensayo sobre la Ontología spinozista.

   En septiembre de 1975 se convirtió en funcionario del Estado, al ocupar en propiedad la plaza de profesor adjunto de Fundamentos de Filosofía que venía desempeñando. En diciembre de 1978 fue nombrado Profesor Agregado, y a partir del 20 de julio de 1982, Catedrático de Filosofía en la Universidad de Oviedo, donde ejerce hasta su jubilación, en el curso 2010-2011. Fue miembro del consejo editorial de la revista Los Cuadernos del Norte, ha sido colaborador del suplemento cultural del diario ABC, y, muy aficionado a la música, ejerce la crítica de ópera y ha pronunciado diversas conferencias sobre temas musicales, colaborando con frecuencia con escritos en los programas de diversas temporadas de ópera (Oviedo, Madrid, Granada). Profundo conocedor de Espinosa, sus cuidadas traducciones al español –particularmente las de Descartes y Espinosa– gozan de un merecido prestigio.

   El concierto adquiere una especial significación al plantearse también como un homenaje a Venezuela tras el terremoto que ha afectado recientemente al país. «De esta manera, el Palau y la Orquesta de Valncia quieren expresar su solidaridad y la de su público con las personas afectadas», añade el Palau de la Música en su nota pública. Con este objetivo, el Palau habilitará una Fila Cero para facilitar la participación y colaboración de los ciudadanos y canalizar las aportaciones económicas. Christian Vásquez, director asociado de la Orquesta de Valencia esta temporada, participará en este proyecto como asistente de Dudamel. El director gerente del Palau de la Música, Vicente Llimerá, ha destacado que «este concierto reúne muchos de los elementos que queríamos que estuvieran presentes en la celebración de nuestros 40 años: una Orquesta de Valencia en un gran momento artístico, un director del magisterio y de la dimensión internacional de Gustavo Dudamel, y músicos tan estrechamente vinculados a nosotros como Pacho Flores y Christian Vásquez».

   El Ayuntamiento de Soria y la Junta de Castilla y León coorganizan esta cita musical que se extiende del 10 al 30 de septiembre –con un concierto extraordinario el 11 de noviembre– y reúne dieciséis citas, un estreno absoluto, el homenaje a Falla en su 150º aniversario, el tradicional Maratón Musical Soriano y cuatro preconciertos ofrecidos por grupos de cámara de la Banda Municipal en los porches del Palacio de la Audiencia. 

Una entrevista de Aurelio M. Seco | @AurelioSeco
Estudió derecho y es clavecinista, ha trabajado en un banco, ha ejercido la crítica musical y conoce la docencia como profesor..., Iñigo Alberdi desborda el perfil típico de un gestor musical con una rica complejidad que sin duda es fundamental para entender sus ideas gestoras. Director general de la Orquesta Sinfónica de Bilbao [BOS], Alberdi habla para Codalario de sus ideas y algunos de los objetivos de la orquesta para esta temporada 2026-27, de Juanjo Mena, del ejercicio de la crítica musical, que conoce de primera mano, de la Idea de bosque como marco alegórico inspirador de la temporada, y de su trabajo al frente de entidades como la Sociedad Coral de Bilbao, la Semana de Música Antigua de Estella o la Sinfónica de Euskadi.

 Tiene usted un currículo importante y no demasiado frecuente en el mundo de la gestión musical. 

Antes, ciertos estudios, como el derecho y la música, se podían compaginar. La carrera de música me llevó más tiempo que la de derecho. Primero hice Pedagogía y después Clave… También trabajé en un banco, en Kutxabank, durante años. Esa parte financiera me ha servido de ayuda para mi trabajo y para tratar cuestiones legales y de gestión general. En cualquier caso, mi primer trabajo fue de profesor, en el colegio de la Compañía de María, en Bergara. Daba clase a alumnos de enseñanza secundaria. Pero siempre ha estado relacionado con el mundo de la música bien como músico o como organizador.

También estuvo al frente de la Sinfónica de Euskadi y de la Sociedad Coral de Bilbao. 

Sí, con la sinfónica entre 2006 y 2014 y 9 años con la Sociedad Coral de Bilbao. Además, entre 2017 y 2019 fui director artístico de la Semana de Música Antigua de Estella.

Por Álvaro Cabezas
Sevilla, 2-IX-2026. Teatro de la Maestranza.  Nicholas Brownlee (Wotan), Klaus Florian Vogt (Sigmund), Pablo Heras-Casado (dirección), Orquesta del Festival de Bayreuth. Programa: "Entrada de los dioses al Valhalla" de El oro del Rin; "Ein Schwert verhieß mir der Vater" y "Leb wohl, du kühnes, herrliches Kind!" de La valquiria; y El murmullo del bosque de Sigfrido, de Wagner.

   El maestro granadino Pablo Heras-Casado sale por el lateral derecho del escenario del Teatro de la Maestranza de Sevilla mientras recibe los aplausos del respetable. Sube al podio y, tras intercambiar alguna broma con uno de los primeros atriles, espera a que se haga el silencio antes de acometer la interpretación del pasaje del Acto II de Sigfrido conocido como El murmullo o Los murmullos del bosque, más o menos la sección de la Tetralogía en que Wagner, algo falto de ideas compositivas y argumentales, tiene que hacer una pausa de varios años, desde 1857 a 1869. Hay que aguardar algunos segundos a que se disuelvan esporádicas toses y carraspeos, a que se silencie algún móvil y a que los espectadores acaben de acomodarse en sus localidades, a pesar de ser la cuarta pieza que se interpreta esa noche. Luego, como surgida de la bruma propia de una fresca mañana entre el follaje que dibuja la cuerda –como si se estuvieran desbrozando unas matas o apartando hojarasca–, el clarinete expone el tema de la madre del héroe, no exento de inquietud y nostalgia. Le responden con la misma nana las cuerdas, muy tupidas y, asemejando el efecto de la luz matutina venciendo la sombra boscosa, emerge el dúo evocador de los dos violines que utiliza Wagner para personificar a Fricka en El oro del Rin y que vuelve a aparecer aquí, a pesar de no tener relación con el héroe, sino con el locus amoenus que describe esa melodía y en el que se solaza Sigfrido. A continuación viene la interacción de los pájaros: clarinetes y flautas imitando su canto de forma verdaderamente encantadora, sincronizada, natural y selvática, con su pizca de gracia y flexibilidad. Justo después del crescendo orquestal, a los cuatro minutos de haber comenzado la pieza, el coliseo sevillano se hunde –parafraseando a San Juan de la Cruz–, en la noche oscura del alma wagneriana. Solo quedan encendidas las luces de emergencia próximas a los ingresos de la sala. El escenario entero queda a oscuras, pero los músicos siguen tocando aunque de manera algo más ralentizada, de memoria, quizá entendiendo que lo ocurrido no pretende más que un golpe de efecto, como tantas veces ocurre en los teatros contemporáneos, a la espera, quizá de que salga Sigfrido de un lateral iluminado por un foco. Pero, claro está, nada de eso está preparado y el director, tomando conciencia de que se trata de un accidente, va relajando el movimiento de los brazos mientras mira a ambos lados.

Por Gonzalo Gálvez Espinoza
Santiago de Chile, 25 y 27-VIII-2026. Teatro Municipal de Santiago. Temporada de ópera 2026. Romeo y Julieta. Ópera en prólogo y cinco actos (Charles Gounod). Yaritza Véliz / Isabela Díaz (Julieta), Ben Reisinger / Leonardo Sánchez (Romeo), Ramiro Maturana / Ismael Correa (Mercutio), Evelyn Ramírez / Pamela Zavala (Gertudris), Matías Moncada (Fray Lorenzo), Nicolás Noguchi / David Rojas (Tebaldo), Arturo Espinosa / Sergio Gallardo (Capuleto), Vanessa Rojas (Stéphane), Fabián García (Paris), Pedro Alarcón (Duque de Verona), Rodrigo Quinteros (Gregorio), Cristóbal Álvarez (Benvolio).  Orquesta Filarmónica de Santiago y Coro del Municipal de Santiago.  Director musical:  Patrick Fournillier / Christian Lorca. Director de escena: Alonso Torres.

   En un controvertido ensayo titulado La muerte de la tragedia, George Steiner da a entender que la recepción de la obra de William Shakespeare en Francia ocurrió tardíamente, recién hacia la segunda mitad del siglo XIX. Hasta entonces, influidos, entre otros, por Voltaire, los franceses veían en el dramaturgo inglés un mero «bárbaro hirsuto». Solo en 1827, una compañía inglesa llegó a París para representar, entre otros, el drama Romeo y Julieta (1597). Entre los asistentes a ese debut teatral se encontraba el francés Hector Berlioz, quien hacia 1839 compondría una sinfonía coral basada en esa obra de Shakespeare. Se dice que en los ensayos de esa pieza musical habría estado presente un joven Charles Gounod, el mismo que, casi treinta años después, en 1867, estrenaría en la capital francesa su ópera homónima sobre los enamorados de Verona. 

   Dos décadas después, en 1886, la Romeo y Julieta de Gounod tuvo su debut en Chile. Desde entonces, cinco producciones más se han realizado en este país: 1897, 1983, 2000, 2013 y, ahora, 2026. La presente temporada del Teatro Municipal de Santiago de Chile, en efecto, incluyó seis funciones de la obra, las que tuvieron lugar entre el 21 y 29 de agosto recién pasados. 

   Francisco Lorenzo ha señalado que «una de las virtudes de este ciclo es su apuesta por el talento musical español. La música de cámara vive un momento extraordinario en nuestro país. Contamos con intérpretes y agrupaciones españolas de primer nivel, con carreras internacionales y con una capacidad enorme para dialogar con las grandes tradiciones musicales y, al mismo tiempo, generar nuevos repertorios. Y en este ciclo podremos disfrutar de todo ello». 

   Por su parte, Díaz Pico ha destacado cómo «este ciclo responde a un firme compromiso con la excelencia artística, ofreciendo al público propuestas de la más alta calidad interpretativa y reuniendo sobre el escenario a figuras de reconocido prestigio nacional e internacional. La presencia de grandes solistas y conjuntos camerísticos de referencia confirma la vocación de este proyecto por acercar a los ciudadanos lo mejor de la creación y la interpretación musical».

   Se trata de una coproducción del CNDM que forma parte de su Programa Circuitos, que integra los conciertos, actividades pedagógicas, ciclos y festivales que la unidad organiza a lo largo de toda la geografía española y parte del extranjero. En Castilla y León, el CNDM estará presente en su temporada 26/27 en las ciudades de Salamanca, Segovia y León. 

Una entrevista de Óscar del Saz
Josep Pons (1957), reciente exdirector musical del Gran Teatre del Liceu (desde 2012), fue elegido Director Titular y Artístico de la «Deutsche Radio Philharmonie» en la temporada 2025-26. A lo largo de estos años ha dirigido una cuarentena de títulos, con especial atención a las grandes obras del repertorio de los siglos XIX y XX, como el ciclo del Anillo del Nibelungo, Tristán e Isolda, Parsifal o Lohengrin de Wagner, Elektra de Richard Strauss, Wozzeck de Alban Berg o Pelléas et Mélisande de Debussy, y también de otros estilos como la trilogía Da Ponte de Mozart o Rodelinda de Händel, además de varias estrenos. Es Director Honorífico de la Orquesta y Coro Nacionales de España (OCNE), donde fue director titular y artístico de 2003 a 2012, y también de la Orquesta Ciudad de Granada (1993-2003). Fue fundador de la Orquestra de Cambra Teatre Lliure, de la que fue director titular de 1985 a 1997, y de la JONC (Jove Orquestra Nacional de Catalunya), de la que es «Director fundador». En 1992 fue Director Musical ejecutivo de las ceremonias de los Juegos Olímpicos «Barcelona-92».

Por Pablo Sánchez Quinteiro
Vigo, 14-VIII-2026. Auditorio Mar de Vigo. X Concurso Internacional de Piano Ciudad de Vigo. Gran final. Jacky Xiaoyu Zhang, Yang Gao y Hyo-Eun Park, piano. Orquesta Sinfónica de Galicia. José Trigueros, director. Concierto para piano nº 3 en re menor, op. 30 de Serguei Rachmaninov; Concierto para piano nº 2 en sol menor, op. 16 de Serguei Prokofiev; Concierto para piano nº 4 en sol mayor, op. 58 de Ludwig van Beethoven.

   El Concurso Internacional de Piano Ciudad de Vigo llegó a la gran final de su décima edición dejando la sensación de haber alcanzado una auténtica mayoría de edad. No sólo por la dimensión de los nombres que han conformado su jurado ni por unas cifras de participación difíciles de imaginar cuando nació el certamen, sino porque además, a lo largo de una semana evidenció una personalidad propia construida alrededor de no pocos aspectos que lo distinguen de buena parte de las competiciones pianísticas tradicionales.

   Las impresiones que había dejado el excepcional concierto inaugural, con Martha Argerich, Pablo Galdo y Jeremy Irons, aquí reseñado, se confirmaron durante las jornadas siguientes. Estas fueron el fruto de la candidatura de cuatrocientos pianistas procedentes de 77 países a una edición que terminó reuniendo en Vigo una amplia representación de escuelas, generaciones y maneras de entender el piano. A lo largo de las tres rondas que precedieron a la gran final, los pianistas se enfrentaron al constante escrutinio de un jurado de lujo. Junto a Argerich y al propio Galdo se sentaron figuras de la dimensión de Paul Lewis, Robert Levin, Mauricio Vallina y Valerian Shiukashvili. Particularmente extraordinaria resultó la implicación de Argerich. A sus ochenta y cinco años asistió a la totalidad de unas sesiones que algunos días comenzaron a primera hora de la mañana y terminaron bien entrada la madrugada, siempre con una curiosidad y una energía que desmentirían cualquier prejuicio acerca de lo simbólico de su presencia.

   Nacida en Galaţi el 9 de junio de 1939 en el seno de una familia de músicos, Ileana Cotrubaş inició su trayectoria artística a los nueve años en el Coro Infantil de la Radio Rumana. Tras instalarse en Bucarest en 1952 para cursar estudios en la Escuela Especial de Música, debutó en el escenario de la Ópera de Bucarest en 1964, antes de conquistar los grandes escenarios del mundo. Galardonada en prestigiosos concursos internacionales, Ileana Cotrubaş actuó en las Óperas Estatales de Viena, Hamburgo y Berlín, así como en el Festival de Salzburgo, Glyndebourne, la Royal Opera House (Covent Garden), La Scala de Milán y el Metropolitan Opera de Nueva York. Su actuación de 1975, cuando sustituyó a última hora a Mirella Freni en el papel de Mimì en La Bohème en La Scala, sigue siendo un momento icónico de su carrera. Admirada por la singularidad de su voz, la inteligencia de su fraseo y la fuerza expresiva de sus interpretaciones, Ileana Cotrubaş colaboró ​​con directores de orquesta legendarios y dejó una huella profunda en el repertorio operístico, abarcando desde Mozart y Verdi hasta Puccini, Bizet y Offenbach. Tras retirarse de los escenarios, siguió contribuyendo al arte del canto a través de la enseñanza y las clases magistrales, formando e inspirando a generaciones de artistas. Cotrubas también dejó parte de su magisterio artístico en España como profesora. En Madrid ofreció clases magistrales de la mano de Alfredo Kraus, en la Escuela Reina Sofía, entre otros, al tenor español Antonio Gandía. 

  Plácido Domingo se ha mostrado, esta misma tarde, «Profundamente entristecido por el fallecimiento del gran soprano rumana Ileana Cotrubaș. Ileana y yo fuimos colegas cercanos durante tantos años, como Violetta y Alfredo en La Traviata, Mimì y Rodolfo en La Bohème, Gilda y el Duque en Rigoletto, Antonia y Hoffmann en Los cuentos de Hoffmann, y Nedda y Canio en Pagliacci, etc. Con Ileana, gran cantante y actriz como compañera de escenario, creíamos en los personajes que retratábamos y pudimos crear actuaciones memorables que llegaron al corazón de nuestro público. Mi querida Ileana, descansa en paz», concluye Domingo en sus redes sociales.

   Los primeros conciertos finales tendrán lugar en La Seu d’Urgell el miércoles 19 de agosto, y en Berga el jueves 20, respectivamente. Gli Incogniti, en formato de cámara, interpretará un programa dedicado a George Frideric Handel y Georg Philipp Telemann titulado De una exquisita singularidad, un programa celebra la amistad y el respeto que unía a estos dos genios del Barroco alemán. Si FeMAP cumple en 2026 quince años, Gli Incogniti cumple veinte, desde que en 2006 Beyer reuniera a un grupo de amigos para hacer música juntos. Hoy es uno de los conjuntos europeos de referencia en la interpretación históricamente informada, explorando un repertorio que va desde el Barroco (Vivaldi, Bach, Pachelbel, Biber) hasta el periodo clásico con Haydn, C.P.E. Bach o Mozart.

   Los dos últimos conciertos de FeMAP 2026 correrán a cargo de Bach Collegium Barcelona, quienes tocarán el sábado 22 de agosto en La Seu d’Urgell y el domingo 23 en Camprodón, poniendo así punto final a esta 15.ª edición. Esta agrupación catalana [fundada en 2018], formada por un coro y orquesta, tiene la flexibilidad de convertirse, como en esta ocasión, en un grupo de cámara de cuatro músicos, liderado por Adriana Alcaide. Con su programa Stylus Phantasticus, ofrecerá música de Johann Sebastian Bach, Dieterich Buxtehude, Georg Muffat, Johann Pachelbel, Johann Adam Reincken y Johann Rosenmüller.

   Un año más, y con mayor orgullo en este 2026 en que cumple quince años, el Festival de Música Antiga dels Pirineus ha ofrecido todo tipo de propuestas musicales relacionadas con las músicas históricas, desde obras de autores canónicos hasta compositores mucho menos conocidos o menos habituales en conciertos sobre los escenarios catalanes, pasando por las músicas de otras tradiciones culturales, sin olvidar la recuperación patrimonial de autores como F. Chelleri, J. Picanyol, F. Valls y algunos anónimos –en el marco de la producción propia de FeMAP de este año–.

   Ximo Clemente Riera comienza sus estudios musicales en el Conservatorio de Buñol. «Tener que despedirnos de nuestro contrabajista Ximo Clemente Riera nos deja hoy muy tristes y consternados. Se nos va demasiado pronto y solo podemos mandar todo el cariño y fuerza a su hermano Abel y al resto de su familia en unos momentos tan difíciles de parte de todos los que formamos esta Sociedad. Descanse en paz», explicaba La Sociedad Musical «La Artística» de Buñol ayer en sus redes sociales. En 2000 recibe el título Superior de Contrabajo en el Conservatorio Superior de Valencia. Continua sus estudios en Guildhall School of Music & Drama. Fue ayuda de solista de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León desde 2003 a 2015, profesor del Conservatorio Superior de Salamanca. Colaboró con conjuntos como la Orquesta Nacional de España, Sinfónica de Madrid, Orquesta Municipal de Valencia y Orquesta Sinfónica de Galicia.  También trabajó como Ayuda de Solista en la Nederlands Kamerorkest, siendo ademas profesor en el Conservatorio Superior de Zaragoza.

Foto: Facebook OFGC

Por Raúl Chamorro Mena
San Lorenzo de El Escorial, 15-VIII-2026. Festival Escena Escorial. Teatro Auditorio. Recital Grigory Sokolov, piano. Obras de Ludwig van Bethoven, Franz Schubert. Johannes Brahms, Fryderyk Chopin, Alexander Skriabin y Johann Sebastian Bach. 

   Recuerdo el concierto inaugural, tanto del Teatro Auditorio como del Festival Internacional de San Lorenzo de El Escorial, el día 3 de julio de 2006 con presencia de los Reyes de España y actuación de Riccardo Muti al frente de la orquesta y coro del Maggio Musicale Fiorentino.

   La idea originaria era en convertir este ciclo en una prestigioso Festival veraniego a semejanza del de Salzburgo aprovechando el turismo estival en la Comunidad de Madrid. El hecho es que el asunto no se consolidó y el nivel de los programas fue bajando hasta convertirse en algo irrelevante con la excepción de algunos muy puntuales eventos.   

   La Comunidad de Madrid confiere al Festival un nuevo impulso con la denominación de Escena Escorial, Festival Internacional de artes escénicas bajo el manto de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid [ORCAM] y con su directora musical y artística al frente. La propia Alondra de la Parra presentó micrófono en mano este nuevo certamen, que tendrá como base la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid más la actuación de dos leyendas como Grigory Sokolov y Daniel Barenboim. 

   Como prólogo a esta primera edición de esta refundación del Festival de El Escorial se programó un recital del ya legendario pianista Grigory Sokolov. Hace tiempo que renunció a los conciertos con orquesta y ofrece sólo recitales anuales basados en un mismo programa trabajado con minuciosidad, intensidad y profunda disciplina.  

Una entrevista de Pablo Sánchez Quinteiro
Hay artistas cuya sola presencia modifica la dimensión de un acontecimiento. Martha Argerich pertenece desde hace décadas a esa categoría excepcional. Su llegada a Vigo para la X edición del “Concurso Internacional de Piano Ciudad de Vigo” ha trascendido a la habitual visita de una gran figura invitada. Argerich inauguró el certamen compartiendo piano con Pablo Galdo, director y alma mater de la competición, y a continuación permaneció durante toda la semana entregada a una intensa sucesión de audiciones como presidenta del jurado que culminaron en la gran final con la participación de la Sinfónica de Galicia.

El concierto inaugural, celebrado en el Auditorio Martín Códax, permitió escuchar a Argerich y Galdo en un programa dedicado a Ravel, Debussy, Schubert y Shostakovich, al que se sumó posteriormente “El carnaval de los animales de Saint-Saëns”, con el ilustre oscarizado Jeremy Irons como narrador. Fue el comienzo de una edición particularmente ambiciosa de un concurso que ha conseguido reunir en Vigo como jurados de la presente edición a nombres tan ilustres como Paul Lewis, Robert Levin, Valerian Shiukashvili y Mauricio Vallina junto a la propia Argerich y Galdo.

Argerich habla como si cada pregunta pudiera llevarla inesperadamente hacia otro lugar. Sus respuestas pueden ser brevísimas y, de repente, una asociación abre una historia: Friedrich Gulda, Scaramuzza, Michelangeli, el Concurso Chopin, la desaparición de las tiendas de partituras, los niños absortos ante el teléfono móvil o la necesidad de que el intérprete no se sitúe nunca por delante de la música. Y aparece Nelson Freire. Entonces las palabras se hacen más difíciles.

Pablo Galdo ocupa en esta conversación una posición singular. Es uno de los pianistas españoles con mayor proyección internacional, comparte teclado con Argerich y es, al mismo tiempo, creador y responsable de un certamen que, en apenas diez ediciones, ha conseguido situar Vigo durante una semana en el centro del mundo pianístico.

   El 22 de agosto Delirivm Musica ofrecerá un concierto en la Iglesia de la Purísima Concepción, en Bustarviejo, con sonatas italianas para flauta de pico y bajo continuo, con Rocío López al violonchelo Diego Fernández al clave y Juan Portilla tocando la flauta de pico y asumiendo la dirección artística. El Euskal Barrok Ensemble ofrecerá dos conciertos, el 15 y 16 de agosto, en la Iglesia Asunción de Nuestra Señora, en Robledo de Chavela, y en Soto del Real, en la Iglesia de la Inmaculada Concepción. «Dances & Fantasies propone un recorrido por la música europea del Renacimiento y el Barroco en el que se difumina la frontera entre lo culto y lo popular. A través de formas como alemandas, pavanas, correntes, sarabandas y gigas, junto a bailes españoles e italianos como jácaras, marionas o pasacalles, el programa muestra el continuo intercambio entre la música de palacio y la de la calle, con especial presencia de los bassi ostinati como base de la improvisación. Estas estructuras, presentes incluso en Bach, revelan una cercanía con tradiciones que hoy asociamos al blues o a músicas populares. El recorrido se enriquece con la figura de Dimitrie Cantemir, príncipe ilustrado y músico otomano, cuya obra ofrece una visión singular del Barroco en el Imperio Otomano, hoy recuperada y reinterpretada», explica el festival. El conjunto está formado por Miren Zeberio (violín barroco y rabel), David Rodriguez (percusión) y Enrike Solinís (laudes y guitarras)

Foto: Web Opera Omnia

Por Pablo Sánchez Quinteiro
Tui, 5-VIII-2026. Catedral de Santa María de Tui. Música no Claustro. Eugenia Boix, soprano. Silvia Márquez Chulilla, órgano. Obras de Francisco Correa de Arauxo, John Dowland, Thomas Tallis, Georg Friedrich Händel, Johann Sebastian Bach, Johannes Brahms, Felix Mendelssohn y autores anónimos del Libro de órgano de la Catedral de Tui.

   En uno de los rincones más fascinantes de Galicia, por su geografía, su historia y la extraordinaria riqueza de su patrimonio artístico y cultural, se celebra desde hace ya veinte años un festival que ningún aficionado a la música debería pasar por alto. Música no Claustro ha alcanzado en 2026 su vigésima edición, una cifra nada menor para una iniciativa surgida en 2005 casi de manera espontánea, a partir de dos conciertos ofrecidos por la flautista Patricia González y el guitarrista Samuel Diz.

   El proyecto nació por iniciativa del canónigo Ricardo García Fernández, con la voluntad de abrir a la sociedad el magnífico claustro medieval de la Catedral de Tui a través de la música y, al mismo tiempo, prestar una atención especial a los jóvenes intérpretes y al tejido cultural del entorno. Bajo el impulso y la dirección artística de Samuel Diz, aquella experiencia inicial fue creciendo hasta consolidarse como un festival de personalidad muy definida, articulado en torno a tres ejes fundamentales: música, patrimonio y creación.

   Celebrada del 1 al 7 de agosto, la edición de este año ha adquirido además una significación especial al coincidir con el octavo centenario de la consagración de la Catedral de Tui. Siete conciertos gratuitos, siempre a las nueve de la noche, han trazado un recorrido estilístico particularmente amplio, desde la música antigua y el repertorio organístico hasta la creación contemporánea, el flamenco, el jazz, la canción de autor y la música de cámara. La programación se ha completado con las actividades del Espacio Lutier, dedicado a la construcción, conservación, restauración y estudio de los instrumentos musicales.

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