Foto: Lauren Bernard / Warner Classics

Por Óscar del Saz | @oskargs
Madrid. 30-III-2026. Madrid. Teatro de la Zarzuela. XXXII Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). Recital 5. Obras de Charles Ives (1874-1954), Gustav Mahler (1860-1911), Claude Debussy (1862-1918). Anna Prohaska (soprano), Pierre-Laurent Aimard (piano).

   Siempre congratula escuchar a cantantes debutantes en este Ciclo de Lied -en esta edición casi todos lo son-; hoy tocaba disfrutar de la polifacética soprano austro-británica Anna Prohaska (1983), con carrera internacional que se esparce desde sus tempranos 18 años y, sobre el papel, elogiada por su versatilidad, valentía y precisión en estrenos mundiales (Goerge Benjamin, Dusapin, Furrer, Kurtág, Ruzicka), haciendo comprensible lo complejo y aportando frescura y claridad a partituras de densa escritura, y moviéndose con idéntica solvencia entre el Barroco, el Clasicismo, el Romanticismo y la creación contemporánea. 

   Su acompañante, el experimentadísimo pianista Pierre-Laurent Aimard (1957), artista residente de la temporada 25/26 del CNDM y participante en un recital previo en la edición XIII (2006-07). Aimard es considerado como un pianista integral: intérprete, programador, pedagogo, investigador, intelectual musical y una de las figuras más influyentes del último medio siglo (especialista total en Messiaen, Kurtág y Ligeti). Su carrera combina una muy buena técnica, un compromiso radical con la música contemporánea y una capacidad única para leer el repertorio desde la inteligencia y la emoción.

   Ciertamente, el recital prometía, por imbuirse de lleno ambos intérpretes en el universo estilístico de Charles Ives -que por su excesiva «incoherencia», todos sabemos que no existe tal estilismo- (14 de las 20 piezas de este compositor nunca habían sido interpretadas en este Ciclo), utilizando seis piezas dispersas de Mahler -en la primera parte- y un ‘grupetto’ de canciones de Debussy -en la segunda-, como deseables y necesarios reposos.

   Empezando precisamente por aquí, diremos que se cumplió a medias con el estilo de Mahler, con una voz no totalmente adecuada (tampoco bella), aunque sí valorable por el timbre claro, directo y apto para contar historias, en sintonía con la poesía del «Wunderhorn», y que después acometió otros cinco poemas sueltos del mismo compositor, miniaturas que mezclaron ingenuidad, ironía, fatalismo y humor. 

- Lunes, 30 de marzo [19:30 horas]. La soprano Anna Prohaska visita por primera vez el Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical [CNDM] y el Teatro de la Zarzuela con un recital en el coliseo de la calle de Jovellanos en el que estará acompañada por Pierre-Laurent Aimard. En el programa, canciones de Charles Ives, Gustav Mahler y Claude Debussy.

- Martes, 31 de marzo, Barcelona, Palau de la Música Catalana. Elisabeth Leonskaja interpreta las tres sonatas para piano de Brahms, dentro del festival Barcelona Obertura Ciudad de Clásica.

- Martes, 31 de marzo, Auditorio Nacional de Madrtid. El ciclo de La Filarmónica ofrece La Pasión según San Mateo, con el Collegium Vocale Gent bajo la dirección de Philippe Herreweghe.

- Martes, 31 de marzo. Teatros del Canal de Madrid, 20 horas. El Festival Internacional de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid [FIAS] acoge la interpretación de las Lecciones de Tinieblas del miércoles Santo, de Couperin, interpretadas por Les Arts Florissants, bajo la dirección de William Christie.

- Festival de Perelada, jueves, 2 de abril. Vespres D´arnadí y el Coro Frances Vals interpretan, bajo la direccion de Dani Espasa, el oratorio de Antonio Caldara Cristo Condannato. Tambien cantarán Ana Quintans, Nicolas Brooymans, Mate Beaumont, Josep Ramón Olivé y Montserrat Seró.

- Domingo, 5 de abril, Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial. El Festival Internacional de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid [FIAS] programa la Pasión según San Juan de Bach, interpretada por La Ritirata y el Coro de la ORCAM, bajo la dirección de Josetxu Obregón.

Foto: Marco Borggreve

Por Aurelio M. Seco | @AurelioSeco
La sonrisa es un atributo difícil de encontrar en el mundo de la música, un lugar tan serio, ya hablando de la «música clásica», tan culto y elevado, que en ocasiones sonreír se interpreta, equivocadamente, como falta de profundidad. Pero, en cualquier caso, la sonrisa de un director no es materia unívoca; hay sonrisas y sonrisas: las que dan miedo y las miedosas, sonrisas inseguras y sonrisas cautelosas. Hace algunos años asistimos a un concierto en el que vimos dirigir a David Lockington con una sonrisa tan natural y agradable que nos conquistó. Pero la sonrisa de Georges Prêtre merece un lugar aparte y más elevado por su grandiosidad.

   Cuando Prêtre falleció, un 4 de enero de 2017, estando nosotros en medio de una preciosa prosa ordinaria de la vida madrileña, nos vino la necesidad de oír su poética versión del famoso intermezzo de Cavalleria rusticana, emocionándonos profundamente por la inmensidad de su legado espiritual. El genial director francés, uno de los más relevantes que ha dado la historia, dirigió el fragmento en 2009 en Orange, al aire libre, un poco como aquella mágica e inigualable Casta diva de Montserrat Caballé, en medio de una brisa evocadora y vibrante. El momento, disponible en grabación, se ha convertido en un documento musical sinfónico de potencia alegórica infinita, en el que la sonrisa de Prêtre se transforma, encaminado por un concepto artístico divino, en un ruego incomprendido, de una desesperación serena, como en un llanto enigmático herido de profunda nostalgia y tristeza. Georges Prêtre dirige aquí y otras muchas veces como rezando, dando forma a las músicas con sus manos de escultor sabio sublime que no entiende de anacrusas ni marcapasos o, más bien, que los atrapa dentro de una invocación indómita y única que, quizás por su pureza y magestuosidad extraña, no ha tenido gran trascendencia en las manos de otros. No se puede copiar fácilmente el arte de la dirección orquestal de un maestro tan grande que dirige sonriendo e implorando respuestas. En su manera de cantar las partituras, la autoridad se da por hecho y la plasticidad adquiere un componente divino peculiar, como cuando María Callas hace de cada nota un Mundo. Es probable que el Concierto de Año Nuevo de la Filarmónica de Viena que dirigió Georges Prêtre sea uno de los más importantes de la historia, si no el mejor. 

Por Óscar del Saz | @oskargs
Madrid. 27-III-2026. Teatro Monumental. OCRTVE. Sinfónico A/15. «La Pasión según San Mateo», BWV 244, de Johann Sebastian Bach (1685-1750). Lucía Martín-Cartón (arias) (soprano), Lucía Caihuela (arias) (mezzosoprano), Juan Sancho (Evangelista y arias) (tenor), Ferrán Albrich (Cristo y arias) (barítono), Lluis Arratia (Pilatos, Judas y Pontifex II) (barítono), Esmeralda Espinosa (Testis I y Ancilla II) (mezzosoprano), Miguel Ángel Ariza (Testis II) (tenor) y Juan Antonio Díaz (Pedro y Pontifex I) (barítono). Orquesta y Coro de RTVE. Coro de Niños de la Comunidad de Madrid. Ana Fernández-Vega, directora del Coro de Niños de la Comunidad de Madrid. Marc Korovitch, director del Coro de RTVE. Christoph König, director.

   Cuando Johann Sebastian Bach estrenó «La Pasión según San Mateo», el Viernes Santo de 1727 en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, nada aventuró que aquella monumental arquitectura sonora -sostenida por dos coros, dos orquestas y la masa de jóvenes coralistas del «Thomanerchor»- se convertiría en uno de los pilares de la música occidental. El público que llenaba la iglesia luterana era el habitual de una ceremonia religiosa, atentos siempre al mensaje espiritual y no tanto a la audacia musical creadora del genio Bach: ciudadanos de Leipzig, estudiantes, autoridades locales y fieles que asistían a la liturgia, así como músicos, niños cantores, intérpretes locales y alumnos del compositor. 

   Parece leyenda, pero es cierto, que -tras la muerte de Bach- la obra cayera en el olvido, y sus partituras llegaran a utilizarse para envolver mantequilla en las tareas domésticas. Pasarían 100 años hasta que un joven Felix Mendelssohn rescatara la obra, así como su esencia: una expresión notabilísima de la espiritualidad y el drama humanista jamás escritas. 

   La versión que de la obra realizó la Orquesta y Coro de RTVE, junto con los solistas y Coros fue muy completa -no detectamos cortes en la obra- y musicalmente muy valorable, profunda y equilibrada en espacios sonoros y colores más bien camerísticos, íntimos, pero también grandilocuentes cuando procedió, con la dificultad superada de alternar el dramatismo con la delicadeza instrumental.

   Christoph König supo sostener, en general, la arquitectura emocional de la obra -lo íntimo, lo monumental, la devoción, el dolor o la esperanza- sin caer en una solemnidad plúmbea, dado que hay un pulso narrativo que conservar como sucesión de episodios y a ello se dedicó sin pausas no justificadas. Quizá faltaron algunas indicaciones con gesto más preciso para controlar cambios rápidos de ‘tempo’, y también para administrar las dinámicas corales y orquestales y, así, dosificar más aún la tensión dramática.

Una entrevista de Agustín Achúcarro
Vasily Petrenko es actualmente una de las referencias en la dirección de orquesta. Bebió de las enseñanzas de la antigua Unión Soviética y se adaptó a los cambios. Se formó en su natal San Petersburgo, en donde nació, y ha sido director titular de formaciones como la Orquesta Juvenil de la Unión Europea, de la Orquesta Filarmónica de Oslo y de la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra. Actualmente dirige a la Royal Philharmonic Orchestra londinense, y esta temporada cumple 20 años al frente de la dirección de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, de la que actualmente es su director asociado. En esta entrevista hace un repaso a lo que ha sido su carrera, no con el fin de rememorar el pasado sino con la idea de proyectarse hacia lo que ha de venir, pues reivindica que «no está mal poner la vista atrás, tener una historia, pero lo máximo es lo que va a pasar en el futuro».

¿Guarda algún recuerdo de aquel chaval que con once años dio su primer recital de piano?

No fue en realidad un recital, sino un concierto en el que toqué en solitario, pero también intervinieron compañeros míos. Creo que fue en 1986 o 1987. Realmente han pasado muchos años, en torno a cuarenta. Y, sí, recuerdo que interpreté unos valses de Chopin. 

Por Pablo Sánchez Quinteiro
Lugo, 21-III-2026. Círculo de las Artes. Temporada de la Sociedad Filarmónica de Lugo. Orquesta Sinfónica Vigo 430. Catherina Lee, violín. Javier Fajardo, director. Max Bruch: Concierto para violín núm. 1. Brahms: Sinfonía nº 4 en mi menor, Op. 98

   Si asumimos que no todos los conciertos responden al mismo nivel de ambición, entre la oferta que conforma la temporada de la Sociedad Filarmónica de Lugo, el celebrado el pasado sábado en el Salón Regio del Círculo de las Artes pertenece a los que elevan el nivel de compromiso interpretativo. La Filarmónica apostó por una propuesta joven y de alto voltaje, confiando en la Orquesta Vigo 430 y el director viveirense Javier Fajardo, para afrontar un programa que exige madurez, cohesión y una idea musical definida: el Concierto para violín nº 1 de Max Bruch y la Sinfonía nº 4 de Johannes Brahms.

   La Cuarta de Brahms no admite medias tintas: su densidad estructural, su escritura contrapuntística y su exigencia en la construcción del discurso la convierten en una de las piedras de toque del repertorio sinfónico. Del mismo modo, el concierto de Bruch, aunque más agradecido en su recepción, plantea un equilibrio delicado entre lirismo y arquitectura formal. En manos de una orquesta semiprofesional, de plantilla variable y mayoritariamente joven, el riesgo era evidente. Precisamente por ello, el magnífico resultado conseguido por Fajardo y sus músicos adquirió un especial significado.

Foto: Fernando Frade / Codalario
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Por Raúl Chamorro Mena
Madrid, 26-III-2026, Teatro de la Zarzuela. Versión de Marina Bolláin de la Zarzuela grande Jugar con fuego (Francisco Asenjo Barbieri). Berna Perles (Duquesa de Medina), Luis Cansino (Marqués de Caravaca), Antonio Gandía (Félix), Javier Castañeda (Duque de Alburquerque), Emmanuel Faraldo (Antonio), Zaira Montes (Condesa de Bornos). Coro titular del Teatro de la Zarzuela. Orquesta de la Comunidad de Madrid. Dirección musical: Álvaro Albiach. Dirección de escena: Marina Bollaín. 

   Resulta sorprendente, que en el Teatro que lleva el nombre de nuestro género lírico por antonomasia y guardián de sus esencias, cada vez se programe menos Zarzuela y en su caso, lo sean “adaptaciones de” o “versiones de”. Ese mismo teatro en el que el busto del insigne tenor Alfredo Kraus parece que molesta, pues es constantemente cambiado de lugar, quizás hasta que nos lo encontremos tirado en algún cuarto de baño.

   En fin, entre otras consideraciones de hondo calado, la referida circunstancia de la “versión de” no consta o aparece en letra pequeña en la programación de la temporada, con lo que conlleva de confusión, por no utilizar palabras mayores, del público que a la hora de comprar su entrada cree que va a ver una obra y luego es una “versión” de un señor, que altera todo el libreto, sustituye los diálogos, y “acomoda” los cantables. 

Foto: Marco Borggreve

Fotos: Marco Borggreve

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• Opinión: «Josep María Colom, Talento, Inspiración y Autenticidad». Por F. Jaime Pantín.

Foto: Fernando Frade / Codalario

Por F. Jaime Pantín
Tras seis décadas de actividad musical ininterrumpida, la figura de Josep María Colom se acrecienta y agiganta en una espléndida madurez artística que combina una longevidad instrumental excepcional con la lucidez intelectual, la imaginación, la fantasía y el rigor que desde siempre han caracterizado  sus interpretaciones.

   Pianista natural, alcanza desde ya muy joven ese poderío técnico que tan solo los superdotados llegan a poseer, pero que en su caso ha sido soslayado en aras de una ética interpretativa basada en la búsqueda de la emoción intensa a través de la belleza de un sonido de riqueza inagotable cuya capacidad de sugerencia colorista no ha cesado de crecer y en un pianismo analítico que, con ausencia total de sofisticación, consigue revestir de inmediatez, naturalidad y creatividad espontánea un discurso musical que parece surgir en pos de una idea muchas veces inesperada, nueva y reveladora, lo que confiere a sus interpretaciones un matiz visionario sólidamente fundamentado en el conocimiento riguroso, la imaginación creativa y un considerable magnetismo capaz de crear en el  oyente la sugestión de que la música no se puede imaginar de manera diferente a como está sonando. Es ésta una característica connatural a los intérpretes carismáticos pero resulta difícil establecer vínculos reales entre el piano de Colom y el de otros grandes del teclado. Al respecto siempre me viene a la cabeza el nombre de Radu Lupu, el genial pianista rumano con quien Colom comparte afinidades diversas - quizás desde un perfil más chopiniano que schubertiano, una naturaleza pianística que no desdeña el virtuosismo y un repertorio  más ecléctico- una similar capacidad de ensimismamiento, visión profunda y total desinterés por todo aquello no esencial en el hecho musical. 

Por Raúl Chamorro Mena
Wiesbaden, 22-III-2026, Teatro Estatal de Hesse en Wiesbaden. Snegúrochka-Vesénnyaya Skazka -La doncella de nieve (Nikolái Rimsky-Kórsakov sobre libreto propio). Josefine Mindus (Snegúrochka), Alyona Rostovskaya (Kupawa), Fleuranne Brockway (Lel), Richard Trey Smagur (Zar Berendey), Jaeyoung Ha (Mizgir), Camille Sherman (Madre Primavera), Young Doo Park (Abuelo hielo), Nathan Bryan (Leshy). Coro del Teatro Estatal de Hesse Wiesbaden. Orquesta Estatal de Hesse. Dirección musical: Leo McFall. Dirección de escena: Maxim Didenko. 

   Ninguna de las quince óperas compuestas por Nikolái Rimsky-Kórsakov han logrado entrar en el repertorio habitual de los teatros de Occidente. De manera injusta, pues se trata de una producción llena de hermosas partituras por parte de uno de los más grandes orquestadores de la historia de la música. Snegúrochka, La Doncella de nieve (San Petersburgo, 1882), ópera basada en una obra teatral de Alexandr Ostrovski, trata de las interrelaciones entre personajes fantásticos – El Padre hielo, la madre primavera – y reales como Kupawa y Mizgir, junto a los que están entre uno y otro Mundo, los semilegendarios, como La doncella de nieve, el Zar Berendei y Lel. Todo ello con la oposición de las fuerzas eternas de la Naturaleza representadas por el frío, la nieve y el hielo. 

   La música es muy hermosa, con una orquestación depuradísima, pura filigrana, de gran audacia armónica y con uso de Leitmotiv, así como una escritura para la voz refinada, elegante, basada en una inspirada vena melódica e importante presencia del folklore ruso. 

    Formado en la Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlín y en la Universidad de Cambridge, el director y compositor Josep Planells Schiaffino ha colaborado con orquestas como la WDR Sinfonieorchester Köln, la Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken, la Basel Sinfonietta, la Lucerne Festival Academy Orchestra, el Ensemble Modern, la Orquestra Sinfónica de las Islas Baleares, la Orquesta de Valencia, la Real Filharmonía de Galicia, Sinfónica de Bilbao y la Orquesta y Coro Nacionales de España. En el ámbito operístico, ha trabajado regularmente como asistente en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona y ha colaborando estrechamente con Franck Ollu en producciones como Jakob Lenz de Rihm en la Staatsoper de Berlín Medea de Dusapin en el Festival de Salzburgo y Macbeth Underworld en la Opéra-Comique de París, además de dirigir Oresteia de Iannis Xenakis en el Theater Basel y La flauta mágica en el Teatro Principal de Palma.

Por José Amador Morales
Valencia, 22-III-2026. Palau Les Arts. Georg Friedrich Haendel: Orlando, ópera en tres actos con libreto anónimo basado en el de “L’Orlando, ovvero La gelosa pazzia” de Carlo Sigismondo Capece y en el poema épico “Orlando furioso” de Ludovico Ariosto. Aude Extrémo (Orlando), Ana Maria Labin (Angelica), Yuriy Mynenko (Medoro), Alina Wunderlin (Dorinda), Edward Jowle (Zoroastro). Les Musiciens du Louvre. Marc Minkowski, dirección musical. Versión concierto.

   Tras el éxito de Giulio Cesare in Egitto, Mark Minkowski ha cerrado un intenso mes en el Palau Les Arts con el que se ha reafirmado como una de las referencias indiscutibles en la interpretación haendeliana. En esta ocasión lo ha hecho con una versión concertística de Orlando al frente de Les Musiciens du Louvre, el conjunto instrumental que él mismo fundara en 1982.

   Orlando, título que inauguró la presencia de la ópera barroca en el coliseo valenciano hace casi dos décadas, ocupa un lugar singular en el catálogo de Georg Friedrich Händel desde su estreno en 1733 en el King’s Theatre de Londres. Inspirada en episodios del “Orlando furioso” de Ludovico Ariosto, inaugura el grupo de óperas que el compositor dedicaría a este universo caballeresco como Ariodante y Alcina. Aunque formalmente se asocia a la ópera seria, Orlando introduce una notable flexibilidad dramática y musical que anticipa, en cierto modo, una sensibilidad más moderna. Frente al rígido esquema de alternancia entre recitativo y aria da capo, la partitura presenta episodios de continuidad teatral, sobre todo en la célebre escena de locura del protagonista donde la música parece plegarse con mayor libertad, siguiendo el impulso dramático de los versos.

Por Raúl Chamorro Mena
Wiesbaden, 21-III-2026, Teatro estatal de Hesse, Wiesbaden. Die Vogel - Los pájaros (Walter Braunfels sobre libreto propio). Richard Trey Smagur (Hoffegut), Johannes Karapetyan (Ratefreund), Josefine Mindus (El ruiseñor), Sam Park (La abubilla), Jonathan Macker (Prometeo), Young Doo Park (voz de Zeus). Coro del Teatro estatal de Hesse, Wiesbaden. Orquesta estatal de Hesse. Dirección musical: Paul Taubitz. Dirección de escena: Ersan Mondtag

   Las Aves es una comedia de Aristófanes en la que dos individuos, que huyen de Atenas, hábiles y oportunistas y tan embaucadores como demagogos, convencen al que fue Rey Tereo -convertido por Zeus en abubilla-, que ejerce de líder de los pájaros, para que las aves construyan una ciudad en los cielos desde la que gobernar al Mundo, sojuzgando a los hombres y a los Dioses del Olimpo. Walter Braunfels adapta está sátira para su ópera Die Vogel sobre libreto propio, que sufrió diversas vicisitudes en su creación, pues su autor intervino en la primera Guerra Mundial y fue herido, hasta su estreno en Munich el 30 de noviembre de 1920 bajo la dirección de Bruno Walter. La obra gozó de éxito hasta que fue prohibida por el régimen nazi. Braunfels altera la historia original y convierte la comedia en tragedia, pues los pájaros son castigados por su orgullo y delirios de grandeza, al ser sometidos por Zeus, que destruye su ciudad y con ello su Mundo idílico, con lo que se vuelve al orden anterior. El lenguaje musical de Braunfels es claramente tributario de Richard Wagner y, particularmente, de Richard Strauss con una orquestación rica y opulenta.

- León, martes 24 de marzo, 20:30 horas. Vox Luminis participa en el Ciclo de Músicas Históricas de León del Centro Nacional de Difusión Musical [CNDM], bajo la dirección de Lionel Meunier y con un interesante programa ofrecido bajo el rótulo de «Ein Deutsches Barockrequiem».

- Valencia, miércoles 25. La Hr-Sinfonierorchester Frankfurt interpreta, a las órdenes de Alain Altinoglu, la Novena sinfonía de Mahler. La cita es en el Palau de la Música de Valencia a las 19:30 horas.

- Valladolid, miércoles 25 de marzo / La Coruña, sábado 28 de marzo. La Sinfónica de Castilla y León, dirigida por Thierry Fischer y con Sergei Dogadin como violinista, interpretarán el Concierto para violín de Brahms y el Cuarteto con piano nº 1 en sol menor, de Brahms/Shoenberg.

- Valencia, jueves, 26 de marzo [19:30 horas]. Nadine Sierra ofrece un recital en el Palau de les Arts, acompañada al piano por Bryan Wagorn. En el programa, algunas de las arias de papeles y títulos más emblemáticos de su carrera.

- Bilbao, jueves 26, 19:30 horas. El Palacio Euskalduna de Bilbao acoge la interpretación de La Pasión según san Juan, de Bach, con la Sinfónica de Bilbao bajo la dirección de Carlos Mena y las voces de Ana Quintans, Rodrigo Carreto, José Coca Loza, Peter Harvey y el coro San Juan Bautista Abesbatza.

- Madrid, domingo 29 de marzo [Teatros del Canal, 18:30 horas]. El Festival Internacional de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid [FIAS] inaugura su 36ª edición con Les Arts Florissants y su fundador y director William Christie. Los dos conciertos que ofrecerán el 29 y el 31 de marzo, inmersos en Semana Santa. El programa del domingo incluye el Miserere y Misa de réquiem de André Campra.

Por Nuria Blanco Álvarez | @miladomusical
Oviedo, 19-III-2026. Teatro Campoamor. El gitano por amor (Manuel García). Juan de Dios Mateos (Hernando), Suzana Nadejde (Rosita), Pablo Gálvez (Baldaquín), María José Moreno (Inés), Begoña Gómez (Laura), José Ángel Florido (Manolo), Enric Martínez-Castignani (Marqués del Pino), Pablo López (Corregidor). Coro Capilla Polifónica “Ciudad de Oviedo”. Orquesta Oviedo Filarmonía. Dirección musical: Carlos Aragón. Dirección de escena: Emilio Sagi.

   Acaba de ponerse en escena en el Teatro Campoamor la ópera bufa en dos actos El gitano por amor, con música y libreto de Manuel García, basada en la novela ejemplar de Cervantes La gitanilla. La obra fue compuesta hacia1829 y rescatada en 2024 gracias a una producción de “Ópera Estudio de Málaga” que la ha traído a la capital asturiana y próximamente hará lo propio en el Teatro de la Zarzuela. 

   Manuel García, nacido en Sevilla en 1775 como Manuel del Pópulo Vicente Rodríguez Aguilar, fue un notabilísimo tenor belcantista: cantó en 1802 en Madrid Le nozze di Figaro de Mozart en la que probablemente fue la primera representación de ópera mozartiana en España y fue elegido por el propio Rossini para el estreno de sus óperas Isabel, reina de Inglaterra en 1815 en el papel de Duque de Norfolk, El Barbero de Sevilla en 1816 como el primer Conde de Almaviva de la historia, y Otello también en ese mismo año pero que finalmente García no pudo interpretar a Yago por tener un nuevo compromiso. Fue también profesor de canto llegando a abrir su propia academia en Inglaterra y escribió un Método con ejercicios para el canto en 1824. Fue además el patriarca de una saga de famosas cantantes de ópera: María Malibrán y Pauline Viardot (alumna de Liszt y también compositora), así como de Manuel Patricio Rodríguez García, que también firmaba como Manuel García, quien fue un barítono menos reconocido pero gran maestro de canto continuando con la labor de su padre, autor del famoso Tratado completo del arte del canto (1840-1847) e inventor del laringoscopio.

   Manuel García (padre) compatibilizaba su labor docente e interpretativa con la composición, escribiendo, entre otras, numerosas óperas, operetas, tonadillas y canciones, destacando la pieza “Yo que soy contrabandista” que pertenece a su obra El poeta calculista (1805) y que alcanzó una enorme popularidad en París donde se la consideró un himno a la libertad, ansiada por los artistas románticos, canción mencionada por literatos como Victor Hugo en Bug-Jargal (1818) y George Sand en su obra de teatro Le contrebandier (1837) e inspiró a compositores como Franz Liszt con su Rondeau fantastique (1837) e incluso en la obra Mariana Pineda (1927) de García Lorca, la protagonista interpreta esta pieza. Parece que para Manuel García, la del contrabandista gitano era el modelo de vida de un artista romántico, viendo en la libertad del matutero una libertad apartada de las reglas de la sociedad ordinaria, un envidiable estilo de vida para los bohemios. Con estas premisas, el cosmopolita García, que había vivido en Nápoles, París, Londres y Nueva York, compone en México la ópera bufa El gitano por amor que, si bien en el programa de mano asturiano se indica que se estrenó en el Teatro Palenque de Gallos de Ciudad de México en 1829, desde Málaga señalan que se trata de una obra que nunca antes había sido puesta en escena en ningún teatro del mundo considerándola un estreno absoluto. Sea como fuere, siempre nos congratula la recuperación de una pieza de nuestro patrimonio musical, aunque probablemente no sea la mejor del autor.

Por Raúl Chamorro Mena
Friburgo, 20-III-2026, Theater Freiburg. Doctor Atomic (Música de John Adams sobre libreto de Peter Sellars). Timothy Connor (J. Robert Oppenheimer), Inga Shäfer (Kitty Oppenheimer), Jin Seok Lee (Edward Teller), Roberto Gionfriddo (Robert Wilson), Juan Orozco (General Lesley Groves), Anja Jung (Pasqualita), Teodor Pfisterer canto/David Severin actuación (Jack Hubbard), Juyoung Mun (Capitán James Nolan). Coro y coro de refuerzo del Teatro de Friburgo. Orquesta Filarmónica de Friburgo. Dirección musical: André de Ridder. Dirección de escena: Marco Storman.

  Hay muy pocos casos de compositores contemporáneos que logren ver reposiciones de sus creaciones. En principio, me vienen a la cabeza George Benjamin, Thomas Adès, Kaija Saariaho y John Adams, autor de la ópera Doctor Atomic (San Francisco, 2005), que junto a Nixon en China y, en menor medida, La muerte de Klinghofer ha logrado, en cierto modo, instalarse en el repertorio.

   Como en sus dos óperas anteriormente mencionadas, Adams y Sellars nos presentan personalidades involucradas en acontecimientos históricos. En este caso, uno tan importante como la gestación de la bomba atómica, es decir la entrada del ser humano en la era nuclear y todos los conflictos que genera entre los participantes en el "Proyecto Manhattan", principalmente, en quien aceptó el cargo de Director del mismo, el físico neoyorquino J. Robert Oppenheimer.

Por Pablo Sánchez Quinteiro
En el incierto territorio de la programación musical celebrar veinticinco años es siempre un logro. En el caso del Festival Musika-Música, su cuarto de siglo -celebrado en Bilbao del 6 al 8 de marzo- tiene un significado de mayor alcance si cabe. Nacido entre la sorpresa de un público, una crítica y unos músicos que no acababan de comprender del todo la magnitud de lo que se estaba gestando, el proyecto no ha dejado de crecer desde entonces, afinando año tras año una fórmula tan compleja como eficaz: convertir la música en una auténtica fiesta colectiva. Su edición de 2026 lo ha confirmado como una de las iniciativas culturales más singulares, ambiciosas y, en muchos sentidos, irrepetibles del panorama español -y, probablemente, europeo-. Si algo define a Musika-Música es precisamente su capacidad para trascender el formato tradicional de festival y convertirse en una experiencia total. Solo quienes lo han vivido desde dentro, dejándose arrastrar por su ritmo frenético y su oferta ¡inabarcable!, pueden calibrar la dimensión de lo que allí ocurre. En apenas 48 horas, esta edición ha concentrado 69 conciertos, comprendiendo prácticamente todos los géneros, formatos y épocas: desde la música renacentista y barroca hasta la creación contemporánea, pasando por propuestas sinfónicas, de cámara, corales, bandas musicales e incluso talleres de lutería, e iniciativas pedagógicas y artísticas transversales.

   Todo ello es posible gracias a un elemento clave: el Palacio Euskalduna, un contenedor cultural difícilmente equiparable en el contexto español. Su diseño arquitectónico, tan atractivo como original, permite la realización simultánea de múltiples conciertos -hasta seis al mismo tiempo- con una fluidez organizativa que roza lo milagroso. Pocos espacios en Europa están preparados para asumir un reto logístico y artístico de esta envergadura sin sacrificar calidad ni coherencia. La respuesta del público es un ingrediente igualmente crucial y, una vez más, ésta ha sido masiva. Bilbao se vuelca con su festival, pero no está sola: llegan aficionados de toda Euskadi, del resto de España, de Francia e incluso de Latinoamérica, generando una atmósfera única de celebración compartida. El lleno ha sido prácticamente constante en todas las salas, con un Auditorio principal -de cerca de 2.400 localidades- que solo en contadas ocasiones no colgó el cartel de completo.

Por José Amador Morales
Sevilla, 17-III-2026. Teatro de la Maestranza. Emilio Arrieta: Marina, ópera en tres actos con libreto de Francisco Camprodón y Miguel Ramos Carrión. Sabina Puértolas (Marina), Ismael Jordi (Jorge), Juan Jesús Rodríguez (Roque), Rubén Amoretti (Pascual), José Manuel Díaz (Alberto), Alicia Naranjo (Teresa), Andrés Merino (Un marinero). Coro del Teatro de la Maestranza (Iñigo Sampil, director del coro). Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Manuel Busto, dirección musical. Bárbara Lluch, dirección escénica. Producción del Teatro de la Zarzuela de Madrid.

   La ópera Marina ha regresado al Teatro de la Maestranza veinticuatro años después de la discreta producción que entonces protagonizaran Ruth Rosique e Ignacio Encinas bajo la dirección de Miguel Ortega. Y lo ha hecho de la mano de la producción que se presentara hace dos años en el Teatro de la Zarzuela con un reparto similar al de las funciones madrileñas. Como en aquella ocasión, se ha ofrecido una versión íntegra basada en la edición crítica de María Encina Cortizo y Ramón Sobrino, en un interesante esfuerzo musicológico que permite apreciar la obra en toda su extensión, particularmente con la recuperación del dúo y sardana del segundo acto así como el rondó final. Estrenada originalmente en 1855 como zarzuela, fue transformada en ópera en 1871 para poder ser representada en el madrileño Teatro Real, en una etapa clave en la que la lírica española buscaba su identidad frente al predominio de la ópera italiana, si bien Marina todavía evidencia esta influencia. En este sentido, Arrieta, que había estudiado y trabajado en Italia, logra un delicado equilibrio entre la tradición itálica y sensibilidad nacional, obteniendo como resultado una partitura de gran inspiración melódica, emotiva y accesible, que ha mantenido su popularidad a lo largo del tiempo como parte del repertorio habitual. 

   Estos conciertos son una oportunidad única para experimentar la interpretación histórica más delicada y especial de esta obra maestra sacra, con un director y un ensemble que han revolucionado la escena musical europea a través de interpretaciones apasionadas y rigurosas. Junto a al conjuntoy  el director franceses comparecerán una serie de importantes solistas vocales, encabezados por el tenor Juluien Prégardien como Evangelista y el barñitono Stephan Degout como Jesús, además de las sopranos Julie Roset y Maïlys de Villoutreys, la contralto Lucile Richardot, el contratenor William Shelton, el tenor Zachary Wilder y el bajo Alex Rosen.

   Una temporada más, IMPACTA continúa con su compromiso de traer a España a orquestas y conjuntos vocales de máxima calidad para interpretar las Pasiones de Bach, en lo que es ya un clásico en su programación de Semana Santa. En 2023 y 2024 programó la Pasión según San Mateo, y en 2025, la Pasión según San Juan de la mano de conjuntos y artistas de máximo prestigio como la Orquesta Barroca de Friburgo, Vox Luminis o Philippe Jaroussky. 

   El Ciclo IMPACTA continuará en abril con la violinista Janine Jansen y la Camerata Salzburg, que oftecerán en el Auditorio Nacional su singular interpretación de las Cuatro Estaciones de Antonio Vivaldi [26 de abril]. El 18 de junio será el turno del director Marc Minkowski y Les Musiciens du Louvre, que presentarán un gran concierto de clausura dedicado a Handel.

Fotografía: Piergab.

Por Raúl Chamorro Mena
Madrid, 18-III-2026, Auditorio Nacional. Ciclo Ibermúsica. Ma mère, l’oye – Mi madre la oca (Maurice Ravel). Concierto para piano núm. 1, Op. 15 (Ludwig van Beethoven). Martha Argerich, piano. Sinfonía núm. 4, Op. 90 “Italiana” (Felix Mendelssohn). Orchestra della Svizzera italiana – Orquesta de la Suiza Italiana. Director: Charles Dutoit. 

   Todo un acontecimiento este concierto del ciclo Ibermúsica, particularmente, por la presencia de toda una leyenda del piano, Martha Argerich, situada, sin duda, en el Olimpo de los elegidos de la historia del teclado. 

   Además, concurría acompañada de su ex esposo el director suizo Charles Dutoit al frente de la Orquesa della Svizzera Italiana, formación fundada en 1933 bajo el manto de la Radio Suiza Italiana.

   La maestría como orquestador de Maurice Ravel brilla con todo su esplendor en Mi madre la oca, una composición originariamente destinada a piano a cuatro manos para niños. Quizás a la orquesta, buena, pero no extraordinaria, le faltó ese punto más para exponer todas las primorosas tímbricas y variedad de colores de la alfombra orquestal tejida por Ravel. Sin embargo, el veterano Charles Dutoit, tieso como un huso a sus 89 años de edad, escanció con delicadeza, refinamiento y transparencia expositiva las sonoridades impresionistas, así como la apropiada atmósfera de misterio, con notable actuación de las maderas y el violinista concertino de la orquesta.

   Aquí «por primera vez se podrá disfrutar de esta mítica obra en el lugar original en el que fue concebida, como es la Iglesia del Divino Salvador», comenta Angie Moreno, novena Teniente de Alcalde del Ayuntamiento de Sevilla y cabeza visible del área de Cultuta y Turismo. En palabras del intérprete, este recital permitirá «volver a la Sevilla de 1584, en la que Correa nació. Volver a aquella mezquita de Ibn Adabbás convertida en iglesia colegial del Salvador, donde Correa ejerció su oficio de organista entre 1599 y 1636».

Imagen: detalle de la portada del Libro de tientos y discursos de musica practica, y theorica de organo, intitulado Facultad organica [Alcalá de Henares, 1626].

   La velada incluye el Concierto para clave n.º 1 en re menor, BWV 1052 de Juan Sebastián Bach; el Concierto para flauta en re mayor, Wq 13 de Carlos Felipe Emanuel Bach; el Concierto para clave en fa menor de Antonín Benda y el Concierto de Brandeburgo n.º 5 en re mayor, BWV 1050 de Juan Sebastián Bach.

Foto: Nicola Dalmaso

- Madrid, martes 17 de marzo. El Teatro Real acoge otra función del inusual Sueño de una noche de verano de Benjamin Britten, bajo la dirección musical de Ivor Bolton y escénica de Deborah Warner.

- Madrid. El Auditorio Nacional de Música de Madrid acoge el próximo miércoles, 18 de marzo, a las 20 horas, un concierto del ciclo de Ibermúsica que, dentro de su Serie Arriaga, acoge una importante cita protagonizada por la gran pianista argentina Martha Argerich, que vuelve a Ibermúsica acompañada de la Orchestra della Svizzera Italiana y del que fuera su esposo, el director Charles Dutoit. En el programa, Mi madre la oca, de Ravel; el Concierto para piano nº 1 de Beethoven y la Sinfonía nº 4 de Menselssohn.

- Madrid, jueves 19 de marzo. El ciclo Liceo de Cámara XXI del Centro Nacional de Difusión Musical [CNDM] une en el Auditorio Nacional al Cuarteto Belcea y Barbara Hannigan. En el programa, partituras de Webern, Mozart, Schoenberg y Hindemith.

- Valencia. Domingo, 22 de marzo. Il Pomo D´Oro interpreta obras de CPE Bach, Juan Sebastián Bach y Antonín Benda en el Palau de la Música de Valencia, bajo la dirección de Franceso Corti, y con la flautista Eleonora Biscevic como solista. El concierto se ofrece dentro del ciclo «Cambra al Palau». El mismo concierto se ofrece en Madrid el 18 de marzo [Auditorio Nacional de Música -Sala de Cámara-, 19:30 horas], dentro del Ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical [CNDM].

- Viernes, 20 de marzo. La temporada de la Orquesta y Coro Nacionales de España [OCNE] acoge el próximo fin de semana la interpretación una partitura de gran interés, nada fácil de oír, el  Réquiem en si bemol menor, op. 89  de Dvorak. La versión será de la directora Oksana Lyniv, con las voces de Sonja Šarić, Anna Brull, Nattha Thammathi, Petar Naydenov, además del Coro de la Comunidad de Madrid.

- Sevilla, sábado 21 de marzo. El Festival de Música Antigua de Sevilla [FeMÀS] acoge un concierto [Espacio Turina, 20 horas] del Concentus Musicus Wien, con los Conciertos de Brandemburgo de Bach en el programa.

- Barcelona, domingo 22 de marzo. Auditori, 19 horas. Juanjo Mena dirige la Novena sinfonía de Schubert en la temporada de la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña [OBC]. Sergei Dogadin participa como violín solista en el Concierto en mi menor de Mendelssohn. La velada también incluye la Sinfonía n.º 35  de Mozart.

Foto: Harald Hoffmann

Por Raúl Chamorro Mena
Madrid, 11-III-2026, Auditorio Nacional. Ciclo impacta. Recital Juan Diego Flórez, tenor. Vincenzo Scalera, piano. Obras de Wolfgang Amadeus Mozart, Gioachino Rossini, François-Adrien Boieldieu, Ruperto Chapí, Amadeo Vives, José Serrano, Ernesto Lecuona, Jules Massenet, Charles Gounod, Franz Liszt, Giuseppe Verdi, Eduardo di Capua, Chabuca Granda, Tomás Méndez, Gaetano Donizetti y José María Lacalle.

   El ciclo Impacta continúa en esta su temporada de consolidación con otro nombre de indudable prestigio, el tenor peruano Juan Diego Flórez. Cantante que ya suma tres décadas de carrera, algo poco habitual en la actualidad lírica y que cuenta sus recitales en Madrid, sea cual sea el recinto en el que se celebren, por clamorosos éxitos.

   Se anunciaba un programa variado y exigente junto a su acompañante habitual el avezado Vincenzo Scalera y que lo fue aún más, dada la generosidad del cantante al regalar una amplia sucesión de propinas.

   Sin mediar palabra, tras la última de sus arias en programa, la soprano y el director, tras salir del escenario y regresar en dos ocasiones, acometieron la primera de las obras fuera de programa, como no podía ser de otra forma, del propio compositor veneciano. Interpretaron la magnífica «Agitata da due venti», de su ópera Griselda, RV 718. Los que habían oído hablar de las andanzas de estos intérpretes en citas previas en Valencia y Sevilla, quizá estaba al tanto de que una serie de bises podían aproximarse, pero en genenal, dudo que el público fuera buscando un hito como este. Sea como fuere, las salidas al escenario eran cada vez más aplaudidas y agradecidas –con «gracias» por doquier y hasta algún «spasiva»–, y puede decirse que todo se fue dando rodado. Después llegó una sutill versión de «Lascia la spina», del oratorio italiano Il trionfo del Tempo e del Disinganno, HWV 46a de George Frideric Handel. No creo que muchas esperasen que se fuese a cantar una de las arias de bravura más destacadas de Riccardo Broschi –compositor y hermano del célebre castrado Carlo Broschi, «Farinelli»–, así que «Son quel nave, de la ópera Artaserse, pilló a más de uno por sorpresa. Como cuarta obra fuera de programa, regresaron a la figura Vivaldi para ofrecer la no menos pirotécnica «Armate face et anguibus», del oratorio Juditha triumphans devicta Holofernis barbarie, RV 644. La presencia de Handel, por partido doble, sirvió para cerrar esta noche histórica: primero, con la delicada y muy exigente «Tu del Ciel ministro eletto», a la que siguió la enérgica y vibrante «Un pensiero nemico de pace», ambas tomadas de ese mismo oratorio HWV 46a.

  Los asiduos al Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical [CNDM] no recordamos una velada con tantos bises como esta, y desde luego pocos solistas vocales han cosechado el éxito de Lezhneva en esta ocasión. No menos aplaudidos resultaron los integrantes de la legendaria agrupación italiana y su carimático líder. Aquí puede leer una crítica más completa de este mismo programa, un par de días antes en el Festival de Música Antigua de Sevilla [FeMÁS], a cargo de Álvaro Cabezas, uno de nuestros críticos en la ciudad hispalense.

Foto: Jorge Alvariño / Codalario

Por Óscar del Saz | @oskargs
Madrid. Teatro Real. 10-III-2026. Benjamin Britten (1913-1976). «El sueño de una noche de verano» (1960), con libreto de Britten y Peter Pears (1910-1986), basada en el relato homónimo (1596) de William Shakespeare. Iestyn Davies (Oberon), Liv Redpath (Tytania), Juan Leiba, bailarín aéreo y Daniel Abelson (Puck), Thomas Oliemans (Theseus), Christine Rice (Hippolyta), Sam Furness (Lysander), Jacques Imbrailo (Demetrius), Simone McIntosh (Hermia), Jacquelyn Wagner (Helena), Clive Bayley (Bottom), Henry Waddington (Quince), Ru Charlesworth (Flute), Stephen Richardson (Snug), John Graham-Hall (Snout), William Dazeley (Starveling), Stella Moreno Monaco (Cobweb), Emma Alcañiz Rodríguez (Peaseblossom), Marta Yagüe Alonso (Mustardseed), Aisel de la Rosa Hernández (Moth). Orquesta Titular del Teatro Real. Pequeños Cantores de la ORCAM (solistas, coro y cinco niñas actrices), Coro y chiquicoro Algadir-Daniel Martin (Alcorcón) (cinco niñas actrices). Deborah Warner, directora de escena; Christof Hetzer, escenografía; Luis Filipe Carvalho, vestuario; Urs Schönebaum, iluminación; Kim Brandstrup, coreógrafo; Ana González, dirección del coro de niños. Ivor Bolton, dirección musical. 

   La ópera fantástica de Benjamin Britten, «El sueño de una noche de verano», regresa 20 años después al Teatro Real, con una nueva producción coproducida por la Royal Ballet and Opera, de Londres, y el Teatro Maggio Musicale Fiorentino, con la dirección musical de Ivor Bolton (1958), conductor experto en Britten, y la escénica de Deborah Warner, que la relee de forma acertada, contemporánea -pero bella-, mezclando los habituales seres imaginarios del bosque (ninfas, elfos, etc.) en un mundo mágico y ambiguo, arropado por la partitura de Britten, donde los personajes reales se actualizan con un vestuario y comportamientos contemporáneos.

Por Álvaro Cabezas
Sevilla, 8-III-2026. Teatro de la Maestranza. Festival de Música Antigua de Sevilla [femÀs]. Julia Lezhneva, soprano; Giovanni Antonini, dirección; Il giardino armonico. Programa: Sinfonía de L’Olimpiade RV 725; “Destin avaro” de La fida ninfa RV 714; “Vedrò con mio diletto” de Il Giustino RV 717; “Alma oppressa” de La fida ninfa RV 714; concierto en mi menor para cuerda y continuo RV 134; “Sposa son disprezzata” de Bajazet RV 703; “Gelosia, tu già rendi l’alma mia” de Ottone in villa RV 729; concierto en re mayor para flauta dulce, cuerda y continuo RV 90 Il Gardellino; “Gelido in ogni vena” de Il Farnace RV 711; “Siam navi all’onde algenti” de L’Olimpiade RV 725; concierto en sol menor, para cuerda y continuo RV 157; “Zeffiretti che sussurrate” de Ercole sul Termodonte RV 710; “Anderò, volerò griderò” de Orlando finto pazzo RV 727; y “Anche il mar par che sommerga ” de Bajazet RV 703.

   El XLIII Festival de Música Antigua de Sevilla [FeMÀS] ha aquilatado a lo largo de su dilatada trayectoria prestigio suficiente para ser parada obligatoria de los más competentes conjuntos historicistas del panorama internacional. Aunque arrancó el 6 de marzo, fue dos días más tarde cuando se abrieron las ventanas de la emoción más intensa en el Teatro de la Maestranza y fue gracias a un director conocido por el público sevillano, Antonini (que había comparecido en las ediciones de 2022 y 2024, aunque en el Espacio Turina) y a una soprano de sobresaliente nivel, Julia Lezhneva, que supuso una revelación para muchos, al menos en este repertorio, porque de su exquisitez en Mozart ya teníamos conocimiento.

Foto: Ben Ealovega

Por José Amador Morales
Sevilla, 6-III-2026. Teatro de la Maestranza. Amy Beach: Cabildo, ópera de cámara en un acto con libreto de Nan Bagby Stephens, estrenada el 27 de febrero de 1945 en la Universidad de Georgia. Alba Chantar (Mary/Lady Valerie), Aurora Galán (Amy Beach/Una turista), Marcelo Solís (Tom/Dominique You), Alonso Cano (Pierre Lafitte), Ricardo Llamas (Barker/Gaoler). Macarena Martínez (violin), Israel Fausto (violonchelo), Blanca Trabalón, piano y dirección musical. Ainhoa Amestoy, dirección escénica. 

   A raíz de su matrimonio, Amy Beach abandonó una floreciente carrera como pianista de concierto para dedicarse por completo a la composición. Su única ópera, Cabildo, fue compuesta en 1932 cuando la compositora estadounidense exploraba la música de su país e incorporaba esos elementos a su propio lenguaje. La obra no se representó en vida de Beach y el estreno póstumo tuvo lugar en la Universidad de Georgia, en Athens, el 27 de febrero de 1945, apenas dos meses después de su muerte. No obstante, la primera lectura profesional no se produjo hasta 1995 en el Lincoln Center de Nueva York. Con la representación que comentamos, el Teatro de la Maestranza ha ofrecido lo que puede considerarse el estreno europeo de facto, dentro del ciclo “Rasgando el silencio”; una línea de programación con la que el coliseo hispalense ha presentado en los últimos cinco años más de sesenta obras de mujeres compositoras, muchas de ellas injustamente olvidadas pese a la calidad de sus creaciones. Indudablemente este es el caso de Beach que, con Cabildo, ofrece una atractiva combinación de historia y fantasía romántica, evidenciando la madurez creativa de la compositora en su última etapa.

Por Agustín Achúcarro
Valladolid, 5-III-2026. Sala Sinfónica Jesús López Cobos del Auditorio. Orquesta Sinfónica de Castilla y León. Solista: Behzod Abduraimov, piano. Dirección: Vasily Petrenko. Obras: Francesca de Rimini, op. 32 de Chaikovski, Rapsodia sobre un tema de Paganini, op. 43 y Sinfonía nº 5 en si bemol mayor, op. 100 de Prokófiev.

   La Orquesta Sinfónica de Castilla y León abordó un programa muy atractivo, con tres obras del repertorio ruso, a caballo entre los siglos XIX y XX. Partituras que Vasily Petrenko, actual director asociado de la OSCyL, conoce sobradamente, de las que posee grabación. Durante todo el programa se demostró el grado de compenetración que ha logrado este director junto a la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, con la que esta temporada cumple veinte años. El concierto fue en un continuo crescendo, acabando con una versión de la Sinfonía nº5 de Prokófiev, ejemplar.

   Empezaron por Francesca de Rimini, cuyo subtítulo añade Fantasía sobre el canto V del infierno de la Divina comedia de Dante. Fue una versión electrizante, en la que Petrenko se decantó por un sonido plagado de colores, apabullante, sin por eso renunciar al lirismo, como el existente en el tema amoroso. Un frenesí que se manifestó de forma más evidente en la recapitulación, con la que se alcanzó un ritmo frenético y un elevado sentido dramático, sin embarullamientos, ni sonidos hueros.

Por Raúl Chamorro Mena
Viena, 8-III-2026. Ópera Estatal. Nabucco (Giuseppe Verdi). Amartuvshin Ekhbat (Nabucco), Anna Netrebko (Abigaille), Alexander Vinogradov (Zaccaria), Ivan Magrì (Ismaele), Monica Bohinec (Fenena), Dan Paul Dumitrescu (Sumo sacerdote de Baal), Lukas Schmidt (Abdallo), Maria Zherebiateva (Anna). Coro y Orquesta de la Ópera Estatal de Viena. Director musical: Marco Armiliato. Dirección de escena: Günther Krämer.

   Siempre es un placer regresar a mi querida Viena, pasear por el Ring, el Stadtpark y tomar un Café Melange con un buen trozo de tarta enfrente de la fachada de la Staatsoper. En cartel Nabucco, ópera de suma importancia, pues supuso el primer éxito indiscutible y gran espaldarazo de uno de los mayores compositores para el teatro de la historia, Giuseppe Verdi.

   El reparto anunciado era en principio de lo mejor disponible actualmente en sus tres personajes principales y no defraudó. Las entradas estaban agotadas y, lástima, que este notable elenco no se viera acompañado de una dirección musical y escénica a su altura.

   La gran diva de los últimos años, Anna Netrebko volvió a enfrentarse al temible papel de Abigaille y aún me pareció mejor su encarnación que la que le ví en Verona el pasado verano.

   Arrolladora desde su salida con acentos fieros en "Prode guerrier", graves voluptuosos en los tremendos descensos en saltos interválicos y fraseo ampuloso, autoritario, en "Io t'amava, Il regno, il core". La voz, sana, caudalosa, opulenta y de timbre siempre reconocible dominó el concertante del final del primer acto y atacó su gran escena del segundo con acentos vibrantes, plenos de garra y vehemencia en "Ben Io t'invenni oh fatal scritto!" incluido el desaforado salto de decimosexta de Do 5 sobreagudo a Do 3 por debajo del pentagrama. En el aria "Anch'io dischiuso un giorno", la Netrebko desgranó fraseo amplio con el que superó el dilatado aliento Verdiano y llenó las largas frases, además de expresar el patetismo del pasaje. La espectacular cadencia final con escala culminada en ascenso en filado y nota conclusiva en pianissimo fue una muestra de control y técnica, que dio paso a una interminable ovación del público que llenaba la Ópera de Viena.

Por José Amador Morales
Turín, 1-III-2026. Teatro Regio. Giuseppe Verdi: Macbeth, melodrama en cuatro actos con libreto de Francesco Maria Piave y Andrea Maffei basado en la tragedia homónima de William Shakespeare. Luca Micheletti (Macbeth), Lidia Fridman (Lady Macbeth), Maharram Huseynov (Banquo), Giovanni Sala (Macduff), , Riccardo Rados (Malcolm), Chiara Polese (Dama de Lady Macbeth), Eduardo Martínez Flores (Un sirviente). Coro y Orquesta del Teatro Regio di Torino. Riccardo Muti, dirección musical. Andrea de Rosa, dirección escénica. Nueva producción del Teatro Regio Torino en coproducción con el Teatro Massimo di Palermo.

   La posibilidad de disfrutar de una función del Macbeth verdiano dirigida por Riccardo Muti constituye todo un acontecimiento en el que su mera presencia se impone sobre cualquier otro aspecto del espectáculo. La dirección del maestro napolitano refleja la más acabada materialización musical de lo que Verdi definía como parola scenica, ofreciendo al público la oportunidad de experimentar la música como un acto vivo de transmisión de la genuina tradición verdiana.

   La función que comentamos Riccardo Muti elevó la experiencia a categoría de irrepetible, con una inolvidable lectura de la obra. El sonido orquestal, precioso, plenamente verdiano e idiomático, alcanzó una intensidad expresiva desbordante. El aspecto más sorprendente fue carácter cantabile que emergía de la partitura con una naturalidad y un ímpetu fascinantes: la orquesta parecía “cantar”, respirando junto a los cantantes y dialogando con ellos. A lo largo de la velada se sucedieron detalles reveladores como las los contrastes ambientales entre escenas, los finales cuidadosamente perfilados o las introducciones cargadas de tensión dramática. La versión incluyó el ballet que Verdi compuso para el estreno parisino de Macbeth en 1865 cuya interesante coreografía aquí mostraba la redención del hijo de Banquo a través de espíritus celestiales; un episodio que, a la postre, ofreció una nueva posibilidad para apreciar la extraordinaria precisión con la que Muti moldeaba y contrastaba cada sección de la partitura. Más allá de lo meramente auditivo, lo más impactante fue contemplar la energía con la que el propio Riccardo Muti, desde el podio y a sus 84 años, era capaz de insuflar a la orquesta, a los músicos y especialmente al coro. Su implicación era total: se incorporaba continuamente del taburete, marcaba con precisión el instante exacto para intensificar o suavizar la expresión, modelaba las frases casi físicamente... El público era consciente de todo ello y así lo manifestó desde la primera aparición del maestro en el foso, con aclamaciones que fueron in crescendo a lo largo de la velada en cada una de sus salidas. El clímax llegó en la última de ellas, cuando varios gritos entusiastas particularmente elocuentes resumían el sentimiento general: “¡l’ultimo grande!”.  

Por Magda Ruggeri Marchetti
Bolonia, 27-II-2026. Auditorio Manzoni. Temporada sinfónica del Teatro Comunale. Concierto para piano y orquesta n.1 en mi menor op. 11 y Concierto para piano y orquesta n.2 en fa menor op. 21 de Fryderyk Chopin en arreglos de Mikhail Pletnev. Piano: Mikhail Pletnev. Orquesta del Teatro Comunale de Bolonia. Director: Dian Tchobanov.

   Dirigió este concierto el maestro búlgaro Dian Tchobanov, actual Director Musical General de la Ópera de Estado de Plovdiv. Galardonado con el segundo premio y el premio especial del Concurso Internacional para Directores «Lovro von Matačić» de Zagreb de 2003, ha dirigido orquestas en Alemania, Austria y muchos otros países y ha cubierto varios importante cargos estables como el de director residente de la Croatian National Opera de Zagreb (2009-2022). Director principal de la Croatia Chamber Orchestra (2012-2014), primer director de la Sophia Philharmonic (2004-2010) y director principal de la State Opera de Stara Zagora (2007-2012), ha sido además Resident Conductor de la Vienna Schloss Schönbrunn Orchestra (2004-2012).

   Tratándose de un concierto dedicado a Chopin era importante contar como solista con un gran intérprete, recayendo la elección en el ruso Mikhail Pletnev, pianista, director de orquesta y compositor. En 1978 ganó el primer premio y la medalla de oro del concurso Tchaikovsky y desde entonces se ha exhibido con los directores más renombrados del mundo. En 1990, con el beneplácito del presidente soviético Gorbachov, fundó la Russian National Orchestra. Como compositor se le debe el famoso Concierto para viola dedicado a Yuri Bashmet. En Italia aparece como huésped regular de importantes instituciones entre las cuales la Accademia Nazionale de Santa Cecilia. Entre los numerosos reconocimientos recibidos figura también un Grammy Award en 2005 en la categoría “Mejor interpretación de música de cámara”. Pletnev es también el autor del arreglo de estos dos conciertos, que deja intacta la parte del piano y busca favorecer una interacción más fructífera entre el pianista y la orquesta.

   Por su parte, Nelsons ha emitido el siguiente comunicado: «Les escribo directamente para comunicarles una noticia difícil: Me han informado que la Junta Directiva de la Orquesta Sinfónica de Boston ha decidido dar por finalizado mi nombramiento como Director Musical de la BSO.

   La Junta ha decidido que mi dirección musical concluirá en agosto de 2027, con el objetivo de cerrar un capítulo final mutuamente amistoso. Si bien esta no es la decisión que esperaba ni deseaba, estoy firmemente comprometido con ustedes y con nuestro trabajo conjunto. Entiendo que la decisión no estuvo relacionada con los estándares artísticos, las interpretaciones ni los logros durante mi mandato y, por lo tanto, mi objetivo es claro: proteger la música, apoyar la estabilidad de la orquesta y continuar tocando con los músicos de la BSO al más alto nivel artístico», concluye Andris Nelsons, en declaraciones que reproduce dicho medio.

Foto: Marco Borgrevve

   El Festival de Música Antigua de Sevilla [FeMÀS] está organizado por la Delegación de Turismo y Cultura del Ayuntamiento de Sevilla. Es el Festival decano en su género en España y está dirigido por el violagambista Fahmi Alqhai.

Por Raúl Chamorro Mena
Madrid, 4-III-2026, Auditorio Nacional. Ciclo Ibermúsica. Noche en el monte pelado (Modest Músorgski). Concierto para violín (Aram Khachaturian). Alexandra Conunova, violín. Cuadros de una exposición (Modest Músorgski/orquestación Maurice Ravel). Filarmónica Eslovaca: Daniel Raiskin. 

   Este concierto del ciclo Ibermúsica permitía culminar la serie de magníficos violinistas que se han subido al escenario del Auditorio Nacional en los últimos días. A continuación de Sergei Khachatryan y Daniel Lozakovivh, le llegaba el turno a Alexandra Conunova que se enfrentó al poco interpretado, pero no por ello menos maravilloso, concierto de Aram Khachaturian (1903-1978) escrito para el grandioso David Oistrakh y que cuenta con una orquestación espléndida, plena de colorido, aires exóticos y orientales, que hunden sus raíces en el folklore armenio. Una pena que este concierto se interprete tan escasamente. Cierto que su dificultad es máxima, pero ello tiene más que ver con el conservadurismo de los programadores y un público que, al parecer, quiere escuchar siempre las mismas obras. 

Foto: Nuria González

Por José Amador Morales
Valencia, 28-II-2026. Palau Les Arts.  Georg Friedrich Haendel: Giulio Cesare in Egitto - Julio César en Egipto, ópera en tres actos con libreto de Nicola Francesco Haym basado en la obra homónima de Giacomo Francdesco Bussani. Aryeh Nussbaum Cohen (Giulio Cesare), Marina Monzó (Cleopatra), Sara Mingardo (Cornelia), Arianna Vendittelli (Sesto), Cameron Shahbazi (Tolomeo), Jean-Philippe McClish (Achilla), Bryan Sala (Curio), Lora Grigorieva (Nireno). Orquesta de la Comunidad Valenciana. Marc Minkowski, dirección musical. Vincent Boussard, dirección escénica. Producción de  la Oper Köln.

   Redescubierta en el siglo XX tras su estreno en el King’s Theater de Londres en 1724 e incorporada hoy plenamente al repertorio internacional, Giulio Cesare in Egitto representa indudablemente una de las cimas de la producción operística de Georg Friedrich Haendel. El compositor creó una obra de un enorme equilibrio entre el mero virtuosismo vocal y la profundidad dramática, de una refinada arquitectura musical y de una caracterización psicológica insólitamente moderna, sintetizando de forma brillante las tradiciones musicales italiana, francesa, alemana y británica. Sin duda, ha sido un acierto del Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia contar con la carismática y experta dirección musical de Marc Minkowski. El director francés, como hiciera ya hace cuatro años con Les contes d’Hoffmann, se ha puesto al frente de la orquesta de la casa, en una versión de eminente vitalidad dramática y notable riqueza expresiva. 

Por Raúl Chamorro Mena
Madrid, 3-III-2026, Auditorio Nacional. Ciclo de conciertos Impacta. Danzas de Galanta (Zoltán Kodály). Concierto para violín, Op. 64 (Felix Mendelssohn). Daniel Lozakovich, violín. Sinfonía nº 3, Op. 56, “escocesa”. (Felix Mendelssohn). Die Deutsche Kammerphilarmonie Bremen – Filamónica de cámara alemana de Bremen. Director: Tarmo Peltokoski.

   El ciclo de conciertos Impacta se asienta esta temporada dentro de la actividad concertística madrileña con un aumento considerable del número de eventos y la presencia de artistas de renombre Internacional. 

   En esta ocasión, visitaba el ciclo el precoz director musical finés Tarmo Peltokolsi que, con apenas 25 años de edad ha dirigido ya importantes orquestas, así como obras tan monumentales como Tristán e Isolda y El anillo del Nibelungo, ambas de Richard Wagner. Añadía mucho interés al evento la presencia del estupendo violinista sueco Daniel Lozakovich para enfrentarse al emblemático concierto de Mendelssohn.

   Después de su fundación en 1980, la Deutsche Kammerphilarmonie se estableció en 1992 en Bremen y cuenta con Paavo Jarvi como director artístico y el propio Tarmo Peltokoski como director invitado principal. 

Por Nuria Blanco Álvarez | @miladomusical
Oviedo. Teatro Campoamor. 26-II-2026. Festival de teatro lírico español de Oviedo El barberillo de Lavapiés (Francisco Asenjo Barbieri). David Oller (Lamparilla), Carmen Artaza (Paloma), Cristina Toledo (Marquesita del Bierzo), Santiago Sánchez (Don Luis de Haro), Alejandro Baliñas (Don Juan de Peralta), Joselu López (Don Pedro de Monforte), Marcelino Echeverría (Lope/Guitarrista). Coro Capilla Polifónica “Ciudad de Oviedo”. Orquesta Oviedo Filarmonía. Dirección musical: Óliver Díaz. Dirección de escena: Christof Loy.

   El XXXIII Festival de Teatro Lírico Español de Oviedo se ha inaugurado con una nueva producción de El barberillo de Lavapiés de Barbieri estrenada en Basilea hace apenas unos meses. Esta gesta de Christof Loy -que debería sacar los colores a no pocos gestores españoles-, es sin duda un hecho sin precedentes que aplaudimos con entusiasmo y es que han tenido que venir de fuera para poner en valor algo tan genuinamente nuestro como es la zarzuela. El reputado director de escena alemán -portada de Codalario durante el pasado mes de octubre-, está muy ilusionado con su compañía “Los Paladines” con la que pretende dar a conocer al mundo (de momento a centro Europa) nuestro género lírico nacional centrándose en esta temporada en producciones de repertorio español, tal y como explicaba en su entrevista para esta casa, con “Benamor” de Pablo Luna en Viena, “El gato montés” en el Teatro de la Zarzuela y la obra que ahora nos ocupa “El barberillo de Lavapiés” que ha hecho su premiere en España en el Teatro Campoamor tras su exitoso estreno absoluto en Suiza. No hay complejos, la zarzuela es un género valioso por el que se apuesta más allá de los Pirineos, y aunque por el momento “Los Paladines” no pueden producir sus propios espectáculos no son pocos los teatros que se interesan por sus propuestas. 

Foto: Evgeny Eutykhov